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30 de abril de 2012

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO (2011). Robert Guédiguian. Drama. Jóvenes. Estrenos. ***

La crisis económica obliga al sindicato de tra­bajadores de un astillero del puerto de Mar­sella a despedir a un grupo para evitar el cierre. En el sorteo son elegidos un repre­sentante del sindicato y un joven trabaja­dor. Después de una breve incursión en el ci­ne histórico el vetera­no realizador francés ha vuelto a Marsella (epicentro de casi todas sus películas) y a su retrato cos­tumbrista y social. La cinta consiguió la Es­piga de Oro en la pasada edición de la Se­min­ci de Valladolid, una larga ovación del pú­blico y el aplau­so de la crítica: las tres co­sas merecidas. Una conmovedora oda a la solidaridad humana. Fila Siete. (4/5)

Premio Lux de cine del Parlamento Europeo, “Las nieves del Kilimanjaro” confirma la alta calidad de Robert Guédiguian, ya mostrada en películas como “Marius y Jeanette” o “Mi padre es ingeniero”. En esta deliciosa fábula tragicómica, se inspira en el poema “La gente pobre”, de Víctor Hugo; en el “Discurso a la juventud” (Albi, 1903), de Jean Jaurès, y en la popular canción de Pascal Danel. Y, a partir de ellos, exalta de nuevo la familia, la amistad, el compromiso social y la reconciliación frente a la creciente falta de conciencia e ideales de la sociedad actual. Todo ello, magníficamente interpretado. J. J. M. (Pantalla Grande). (8,5/10)


Guédiguian acierta al retratar las consecuencias de la crisis económica. Como es habitual, filma en su Marsella natal, y le da los dos personajes principales a sus dos actores habituales, Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride, esposa del realizador. Sin embargo, la película no suena a ya vista, sino que tiene cierta frescura, y mezcla muy bien comedia y drama. Aunque tiene tono de fábula, resulta lo suficientemente realista, y confronta diferentes actitudes ante los problemas. Además, todas las piezas confluyen en un desenlace emotivo, que apuesta por la reconciliación, la comprensión y la confianza en el futuro. DeCine21. (6/10)

6 de marzo de 2012

¿Y AHORA ADÓNDE VAMOS? (2011). Nadine Labaki. Jóvenes. Tragicomedia. ***. Estreno.

Un grupo de mujeres árabes -musulmanas y cristianas-, hartas de llevar luto por los muer­tos de la guerra, se unen para evitar que un nuevo conflicto sacuda a su pueblo. Están dis­puestas a todo para que sus padres, hijos y maridos dejen de enfrentarse. Con momentos muy divertidos a pesar de la dureza de la histo­ria, la película habla sobre la necesidad de la tolerancia y el perdón para convivir, del de­sastre de la guerra, del valor de la familia y de la religión cristiana (abordada en algunos pasajes con una cierta ironía que no resul­ta hiriente) y del insustituible papel de la mu­jer para gobernar a los hombres. Fila Siete.

Divertida comedia coral que le ha valido numerosos galardones, incluidos los Premios del Público en Toronto y San Sebastián. Labaki suaviza los dramas que describe a través de la astracanada, los pasajes surrealistas y los números musicales. Siempre, desde un enfoque descaradamente feminista, crítico con el machismo y los fundamentalismos, pero elogioso de las religiones y las culturas musulmana y cristiana. La fresca puesta en escena y unas interpretaciones muy veraces, acercan los personajes al espectador. Elogio especial merece la música, también intercultural, de Khaled Mouzanar, el marido de la directora. JJM (Pantalla Grande).
Parábola sobre la necesidad de buscar puntos de encuentro para la convivencia de musulmanes y cristianos. Merece la pena subrayar la originalidad de algunas soluciones narrativas de esta cinta, con las que Labaki hace juegos malabares sorprendentes para no ofender la sensibilidad religiosa de nadie. En tal sentido, se puede decir que domina la intención de una mirada amable, por ejemplo en el retrato del sacerdote y el imán de la aldea, quienes a pesar de sus prédicas pacíficas no logran persuadir a sus fieles de que sus creencias les deberían llevar a respetar a los otros. Una inyección de optimismo que no deja de ser realista. DeCine21.

24 de junio de 2011

HOTEL RWANDA (2004). Terry George. Drama. Jóvenes. ****

1994, guerra civil en Ruanda. El odio ancestral entre los hutus (la etnia dominante) y los tutsis provoca el asesinato del presidente del país, disturbios en las calles y, finalmente, la terrible matanza de tutsis a manos de hutus. Paul Rusesabagina, que es hutu, trabaja como gerente de un hotel de Kigali y, cuando empiezan los disturbios, decide que el mejor refugio es precisamente el hotel. Respetado por su generosidad, su carisma, y don de gentes, se ve involucrado en el transcurso de los acontecimientos cuando su propia familia resulta amenazada -su mujer es tutsi-. Hombre hábil y audaz, logra sortear los primeros obstáculos a base de sobornos, con la esperanza de que las fuerzas internacionales llegarán pronto y evitarán el genocidio. Sin embargo, la situación se complica por momentos y se hace irrespirable. Paul, logra proteger a los suyos en el hotel, al que empiezan a llegar miles de personas pidiendo auxilio y a las que no puede rechazar.

Terry George no se regodea en lo macabro y muestra lo justo para remover la conciencia del espectador. Mirada pudorosa pero también denunciatoria de una sociedad que se mueve sólo por el beneficio que pueda obtener: ahí está la corrupción de las autoridades internacionales o de los propios mandatarios ruandeses, y de la que se “sirve” el protagonista para ganarse “aliados” ante futuros problemas o para salvar más de una vida. Menos mal que todavía hay héroes –y de carne y hueso, no como los Increíbles–, gentes dispuestas a hacer lo imposible, incluso a dar la vida, para salvar otras. Uno de ésos –no el único– es Paul Rusesabagina. La Butaca.


Con más de cincuenta películas a sus espaldas, el afroamericano actor de Missouri, Don Cheadle, da vida a un héroe tan sencillo como conmovedor, ofreciendo probablemente la mejor interpretación de su carrera. Su personaje es un testimonio de la bondad que todo hombre desea para su vida. El film apunta la religiosidad del protagonista, subraya el cariño que tiene a su familia, y revela su amor al trabajo bien hecho y su inquebrantable solidaridad con todos. Alfa y Omega.

Fuentes: FilmAffinity, La Butaca,  Wikipedia y Alfa y Omega.

3 de junio de 2011

MAGNOLIAS DE ACERO (1989). Herbert Ross. Melodrama. Jóvenes-adultos. ***. DVD

Magnolias de Acero es la historia de seis mujeres muy diferentes y especiales, que viven en un pequeño pueblo de Luisiana. Seis mujeres con sus miedos y sus esperanzas; incisivas, irónicas o ingenuas; pero eternamente amigas. Está basada en la obra de teatro homónima de Robert Harling y adaptada al cine por él mismo. Dirigida por Herbert Ross, cuenta con un gran reparto.

Personajes

Si hay un protagonista que sobresalga sobre todos en esta emotiva película, es la amistad. Lazo que une y enriquece humanamente a seis amigas muy diferentes, pero con un denominador común: se quieren. Hay generosidad y sincero interés por las demás, solidaridad y apoyo en los momentos buenos… y en los malos. No obstante, haciendo un esfuerzo de síntesis, señalemos alguna cualidad destacable en cada una de las protagonistas femeninas:

M’Lynn es un ejemplo de generosidad y amor materno, capaz de asumir riesgos importantes por su hija mayor y de acompañarla en todo momento. Truvy no es menos generosa, destacando por su espíritu de servicio, su sociabilidad y afabilidad. Ouiser es la más controvertida del grupo, díscola y gruñona, está  presente cuando se la necesita y se esfuerza por superar su tendencia al aislamiento. Annelle tiene la valentía de recomponer su vida, es humilde y vive una sincera espiritualidad que intenta contagiar a las demás. Clairee es alegre, fomenta la unidad del grupo y no se conforma con la vida placentera y nostálgica a la que su viudedad, edad y sólida posición financiera parecían destinarla; es audaz y emprendedora. Por último, Shelby, es una joven alegre, generosa, amante de su familia y dispuesta a afrontar el riesgo de la maternidad.

Este catálogo de bondades no quiere decir que no haya sombras, pero la luz brilla en las tinieblas… Especialmente incívico resulta el comportamiento del padre Shelby.

Temas de interés

Magnolias de acero es una película que difícilmente envejecerá, pues la amistad es una valor perenne y este film es una estupenda radiografía de ella. También permite profundizar en las exigencias de la vida en sociedad, tanto en sentido amplio, como en el más reducido de la familia o vecindad.

No menos interés tienen dos cuestiones peliagudas que aparecen en escena: cómo afrontar la maternidad en caso de riesgo para la madre -¿puede el aborto ser la solución?-, y el espinoso tema de dónde está el límite entre evitar el ensañamiento terapéutico y la eutanasia. En la película faltan elementos de juicio para abordar este tema de forma ponderada, pero puede servir de apoyo para debatirlo.

Además, el valor de la familia, así como el amor y la unidad entre sus miembros queda patente en Magnolias de acero, también la bendición que supone la llegada de un nuevo miembro.

Valor educativo

La amistad implica compartir problemas e inquietudes, a pesar de las diferencias de carácter, de edad o extracción social. Exige saber escuchar y estar dispuesto a reprender con cariño cuando sea necesario, o a mostrar apoyo y solidaridad cuando el amigo lo requiere. Hay que esforzarse por comprender los puntos de vista ajenos, no juzgar, y cuando, a pesar de las advertencias, alguien persiste en una determinada actitud, no abandonarlo a sus consecuencias con el argumento egoísta de que “él se lo ha buscado”.

Fortaleza, valentía y optimismo ante las dificultades y en la enfermedad –“Todo lo que no nos mata acaba por fortalecernos”-, así como la necesidad de afrontar la realidad de la muerte con serenidad y esperanza, sin que ello esté reñido con un profundo dolor. En este aspecto, no cabe ninguna duda del importante apoyo que puede suponer tener la suerte de gozar de una visión trascendente de la vida.



Civilidad

La civilidad es una virtud muy positiva desde el punto de vista social, pues mejora el comportamiento de los ciudadanos –evita la rudeza y la barbarie- favoreciendo un clima propicio para la convivencia y la participación. Esto se ve muy bien en Magnolias de acero. Cuando las personas se tratan con cortesía, cuando impera el orden, el respeto, la urbanidad y la educación en las relaciones, entonces se crean comunidades donde la integración resulta más fácil y posible. No hay elementos discordantes, sino que todos contribuyen al fortalecimiento de la unidad. Evidentemente, como siempre, para hablar de virtud no basta con meros comportamientos formalmente exquisitos, sino que es necesario que este conjunto de actitudes que promueve la civilidad esté informado por el amor. Las protagonistas de esta estupenda película, por encima de cualquier otra consideración, se quieren. Y como se quieren, se apoyan, se respetan, son solidarias y leales. Gracias al cariño mutuo son capaces de superar temperamentos distintos y diferentes puntos de vista. Tienen defectos y tendencias desordenadas –unas más que otras-, pero como hay una actitud de fondo de serio interés por preservar la riqueza de la comunidad, nunca llega la sangre al río, todas las discordancias están controladas y rápidamente se reconducen cuando apuntan salirse de madre. La civilidad no viaja sola, siempre va acompañada de un rosario de virtudes que se sostienen unas a otras.
Más información en Decine21 y Wikipedia.

29 de mayo de 2011

EL CASTOR (2011). Jodie Foster. Drama. Jóvenes. ***. Estreno.

Walter Black es un hombre casado y con dos hijos que dirige una empresa juguetera. Tiene una vida aparentemente normal para ser feliz pero, sin embargo, está totalmente deprimido. Su estado anímico dará un vuelco cuando se encuentre con una marioneta en forma de castor. El peculiar muñeco será su aliado para volver a unirse a su familia y conectar con el mundo exterior. Gibson, hace una notable interpretación y llama la atención su maestría haciendo de ventrílocuo. El film sabe mezclar la armonía entre lo dramático y lo cómico, la locura y la cordura, la ternura y el horror. Contraste.

La actriz Jodie Foster da continuidad a su carrera como directora con “El castor”, otro singular drama intimista, a través del que exalta el cariño familiar como el gran remedio contra la epidemia de individualismo e incomunicación que padece el mundo actual. En este sentido, tiene especial interés la subtrama del hijo adolescente de Walter, que no acaba de valorar los esfuerzos de su padre por superar su enfermedad. Y enriquecen esa reflexión principal apuntes certeros sobre las predisposiciones genéticas, las modas culturales, los medios de comunicación, la humildad, la necesidad de dejarse ayudar… JJ Martín, COPE.



Con una historia que pasó de relato a novela y de novela a guión cinematográfico, la directora Foster se arriesga con una película de temática cuanto menos curiosa y sale de la empresa con los deberes hechos. Su obra ensalza la fuerza de los lazos familiares, por muy dura que sea la situación. Presentándolo quizá como el único lugar donde el hombre se siente seguro. La película recupera a un Gibson renovado frente a las cámaras, demostrando su capacidad interpretativa con un “doble” personaje que hace sonreír con un humor sutil y hace temblar con arranques de cólera. El Castor te hace reír y te estremece. Fila Siete.

Más información en Decine21.

13 de febrero de 2011

WINTER'S BONE (2010). Debra Granik. Drama. Jóvenes. ***. Estreno.

Ree Dolly (Jennifer Lawrence) es una endurecida chica de 17 años, que cuida de su madre enferma y sus dos hermanos menores en una pequeña cabaña, perdida en los bosques de las montañas Ozark, en Missouri. Un día, la policía la avisa de que su padre ha salido de la cárcel poniendo la casa familiar como garantía para la fianza. Y, después, ha desaparecido. De modo que si no consiguen el dinero en un breve plazo, serán desahuciados, y quedarán en la calle. Ree emprende entonces la búsqueda desesperada de su padre, superando la ley del silencio de sus parientes y enfrentándose con un violento clan de traficantes de drogas. Sin duda, lo mejor del filme es la espléndida interpretación de Jennifer Lawrence, que exprime cada uno de los ricos perfiles dramáticos y morales que el guión asigna a su personaje. Su valentía, su tenacidad, su prematura madurez, su profundo sentido del valor de la familia —a pesar de sus heridas y desgarros— oxigenan y llenan de emoción. JJ. Martín, Pantalla Grande.

Las películas con hueso hay que atacarlas desde la convicción, el ánimo, la paciencia y el rigor. Requieren un esfuerzo del espectador que, inducido por determinados alicientes, puede decidir no tirar la toalla a pesar de la cuesta arriba. Winter's bone, es una película con hueso. Quizá porque, más que el thriller en sí mismo, lo que le interesa a Kranik son sus personajes y el retrato de un microcosmos rural. Sin embargo, a pesar de las dificultades, sus alicientes iniciales (credibilidad en los ambientes, hermosa fotografía y una heroína adolescente de fuerza, y belleza, arrolladoras) ejercen de señuelo para el esfuerzo. Y al final llega el premio. Winter's bone es dura de roer, pero fascinante. EL PAÍS.

El film nos habla de la hija de un delincuente que se siente ante todo hija, que trata de proteger y justificar a su padre, sin juzgarle. Además, su abnegación exalta el valor de la familia como bien que debe ser protegido a toda costa. Juan Orellana, Alfa y Omega.

Más información en Decine21.

25 de junio de 2010

THE BLIND SIDE (2009). John Lee Hancock. Drama. Jóvenes. ***

Se ha hecho de rogar el estreno de esta película. Hoy día es bastante inusual que una cinta premiada con el Oscar a la Mejor Actriz Principal, en este caso Sandra Bullock, tarde tanto en estrenarse en nuestro país. Y más todavía si consideramos que en Estados Unidos arrasó en taquilla, convirtiéndose en todo un fenómeno que asombró a propios y extraños. La misma Bullock confesaba que tardó mucho en decidir si aceptaba o no el papel, pues no se veía interpretando a Leigh Anne, y una vez aceptado, lo último que se esperaba era que este trabajo le daría el preciado galardón y, añadimos, la consagraría como una gran actriz. Ojalá le sirva de estímulo para rectificar el rumbo iniciado con películas como La proposición, en la que cede a un mal gusto que, más allá de mejores o peores papeles, había eludido a lo largo de su carrera.

La excusa esgrimida para justificar su no distribución en España era que al ser su argumento excesivamente localista, seguramente dificultaría su aceptación por el público español. Ahora, una vez en las salas, será la taquilla quien dará o quitará razones. Aunque es cierto que ni el futbol americano ni el papel del deporte en el sistema educativo estadounidense tienen mucho que ver con nosotros, dos temas importantes en la película, nos parece una excusa bastante absurda, máxime cuando estamos acostumbrados a que se estrene todo tipo de películas procedentes de Estados Unidos, algunas magníficas, otras pasables, y muchas, auténticamente infumables.

¿A qué podría deberse este desinterés? No tengo la respuesta, pero se me antoja sospechoso que se ningunee una película en la que, sin ser una obra de arte, con una factura más que correcta se exaltan una serie de valores humanos encarnados, precisamente, por unos personajes -por cierto, nada ñoños- que se sienten cristianos y, por ello, llamados a servir a los demás. Además, resulta que la escuela donde se educan los Tuhoy -este es el apellido de la familia protagonista- y se admite, no sin alguna reticencia, a Michael -el chico negro acogido en su hogar-, se autodenomina cristiana y pretende se fiel a sus principios. Pero bueno..., sea cual sea la razón, tenemos que felicitarnos porque se ha estrenado y podemos disfrutar y aprender de las vicisitudes de una familia ejemplar.


Sí, digo aprender. Aprender, en primer lugar, porque esta bonita historia está basada en hechos reales y, por tanto, nadie debiera objetar que es un mero ejercicio bobalicón y bien intencionado pero completamente alejado de la realidad. Actitudes como las de esta familia son posibles hoy día. Es más, estoy seguro de que hay mucha gente movida por nobles ideales y volcada generosamente en los demás, aunque, por desgracia, no ocupen primeros planos ni en telediarios, ni en los diversos medios de comunicación de masas. Aprender, también, porque el bien es "pegajoso" y despierta los mejores instintos que todos llevamos dentro. En la pantalla vemos a una familia feliz, que se quiere, se respeta, se ayuda y se abre a los demás, y... mira por dónde, resulta que ésto ejerce un enorme atractivo en el espectador, y le ayuda a plantearse cuestiones interesantes sobre el modo en que está enfocando su vida.

¿Qué cuestiones son las que plantea The blind side, que la hace tan sumamente atractiva? Me atrevería a decir que su complicidad con el espectador deriva del hecho de enfrentarse a temas que le interesan y, lo que es más importante, que lo hace con honestidad y con un sentido profundamente humano, sin trampa ni cartón, y sin rendirse a posturas políticamente correctas que nada aportan porque nada encierran. Así, por ejemplo, salen a la palestra la discriminación racial, la marginación, la maternidad, la solidaridad, la generosidad, la necesidad de esfuerzo y sacrificio para alcanzar metas, el papel central de la familia en la sociedad y su incuestionable aportación en el desarrollo personal, y en pro de un tejido social sano, o la adopción y el papel que pueden jugar en ella los padres biológicos. Muchos temas para darle vueltas y sin necesidad de enfrentarnos a una historia de tésis, gris, escéptica, negra y desesperanzada. Esta película tiene la virtud de decir muchas cosas y decirlas bien, de forma amable y atractiva, sin ocultar ni regodearse en lo peor de la condición humana.


The blind side nos cuenta la historia de Michael Oher, "Big Mike", un adolescente negro sin padre conocido y madre problemática que, tras dar tumbos por hogares de acogida hasta convertirse literalmente en un "sin techo", tuvo la suerte de ser admitido en un buen colegio, de ideario cristiano, y, fundamentalmente, ser acogido en el hogar de los Tuhoy. Una familia acomodada y unida residente en Memphis, cristiana evangélica y formada por los padres y dos hijos: una chica adolescente y un simpático chaval. Sin embargo, como el espectador podrá comprobar, la verdadera protagonista es la madre, Leign Anne, quien siguiendo los impulsos de su conciencia decide complicarse la vida introduciendo en la familia a un chico desconocido y necesitado. Este hecho marcará la vida de los cinco. Como ella reconoce en un momento determinado, aunque Big Mike ha sido afortunado, ellos lo han sido más.

27 de marzo de 2010

HACE MUCHO QUE TE QUIERO (2008). Philippe Claudel. Drama

Juliette sale en libertad después de pasar quince años en la cárcel. Durante ese tiempo no ha tenido ningún contacto con su familia, que la repudió y borró completamente de la memoria. Léa, su hermana menor, la acoge en su casa de Nancy, donde vive con su marido Luc, dos hijas adoptivas y su entrañable suegro -siempre con un libro en la mano que deja caer amable en el regazo para escuchar, paciente, a quien necesite desahogar su soledad-. Debido al largo encarcelamiento de Juliette, a su diferencia de edad y a la falta de trato, las dos mujeres se sienten como dos extrañas. Pero Léa, todo corazón y buena voluntad, aceptó dar cobijo a su hermana cuando los servicios sociales se pusieron en contacto con ella.

Al principio, Juliette parece distante, alejada del mundo, desorientada, ensimismada, pero Léa se esfuerza en hacer que su estancia sea agradable. Su marido Luc no está de acuerdo -no se fía-, mientras que las dos niñas están encantadas con su "nueva" tía. La casa es grande y siempre abierta a los amigos  -especialmente Michel, compañero de trabajo de Léa y una pareja de inmigrantes, Samir y Kaisha-. Léa descubre cuánto echaba de menos a su hermana y la tremenda deuda que cree tener con ella. Poco a poco, las irán recuperando la confianza mutua, lo que les permitirá superar los hechos y las palabras no pronunciadas que contribuyeron a alejarlas. Entre todos jugarán un importante papel en la reinserción de Juliette.


La película lanza una interesante preguna: ¿es posible empezar de nuevo? Y la respuesta de Philippe Claudel, escritor, en su primera y sorprendente película como director es ciertamente esperanzadora. Muestra con naturalidad las dificultades que entraña recomponer una vida rota por circunstancias terribles, pero testimonia que con la ayuda generosa de los demás, con el apoyo de la familia, con el olvido de rencores y agravios, sin victimismos, con la apertura sincera hacia el otro, siempre es posible restañar las heridas y recomponer nuestra existencia; aunque sea a base de lañas, que siempre nos recordarán miserias y debilidades, pero también la belleza y la grandeza del alma humana.

El guión consigue reflejar sobriamente la evolución positiva de Juliette desde su amargura inicial, provocada por remordimientos y sentimientos de culpa, hasta  una actitud decididamente abierta a los demás. El cariño de quienes la rodean, principalmente de Léa, le hará comprender que su vida tiene sentido, que todavía hay tiempo de reparar...

El trabajo de las dos protagonistas femeninas es sobresaliente. Están soberbias en sus papeles, consiguiendo transmitir con exquisita sensibilidad y realismo la evolución de sus personajes, sus miedos, sus alegrías, sus dudas, su esperanza y su amor. Sin lugar a dudas, en ellas descansa gran parte del mérito de esta bella película, pues aunque guión y dirección están a buen nivel, si ellas todo el edificio se habría venido abajo.

No podemos decir mucho más sin desvelar el desenlace de la película, pero la pregunta lanzada en el último tramo de la historia, ¿y tú qué harías?, siembra el desconcierto al poner el espectador ante la necesidad de decidir en una situación límite. Pensamos que la respuesta a esa pregunta, nada fácil, dependerá de la actitud de cada cual ante el sentido de la vida. Sea cual sea la decisión, siempre será dolorosa. Pero mientras en un caso el sufrimiento irá acompañado de paz y esperanza, en el otro serán compeñeros de viaje la amargura y el remordimiento. El primero sanará, mientras que el segundo, probablemente, se convierta en una enfermedad crónica. La propia actitud de Juliette parece corroborar lo que decimos.

Año de producción: 2008. País: Francia. Dirección: Philippe Claudel. Principales intérpretes: Kristin Scott Thomas y Elsa Zylverstein. Duración: 115 minutos. Público: Jóvenes. Género: Drama. Más información en decine21.com.

30 de diciembre de 2009

SOLO EN CASA. Chris Columbus. Comedia familiar.


¡Qué bararidad! Ya han pasado casi veinte años desde que se estrenó esta película dirigida por Chris Columbus. En su momento tuvo un éxito arrollador, como lo muestran las sucesivas secuelas -la última en 2002, que pasó sin pena ni gloria-. El film se convirtió en todo un fenómeno social y poca gente se quedó sin verla o, al menos, sin oir hablar de ella. Además, posteriormente, se fue estrenando en las distintas cadenas de televisión, lo que permitió repescar a los pocos espectadores recalcitrantes que todavía no habían disfrutado de las aventuras del pequeño Kevin McAllister (Macaulay Culkin).

Como la historia se desarrolla en Navidad y estamos seguros de que buena parte de las nuevas generaciones, bombardeada y encandilada por las novedades del momento,  no la habrá visto, proponemos recuperarla en estos días de fiesta. Con ella tenemos garantizados 100 minutos de diversión en familia, con tema familiar de fondo.



Esta película supuso la consagración de su director, Chris Columbus, confirmando su buena mano para la taquilla y el cine familiar con películas como Señora Doubtfire (1993) , Quédate a mi lado (1998), Harry Potter y la Piedra Filosofal (2001) o Harry Potter y la cámara secreta (2002), por citar algunas de las más significativas. Sin embargo parece que últimamente ha perdido pulso, pues después de la segunda entrega de Harry Potter no ha vuelto a estrenar ninguna película que merezca la pena. También lanzó al estrellato a su protagonista infantil MaCaulay Culkin, aunque en este caso su estrella ha sido, por desgracia, bastante más efímera; es una historia que se repite con demasiada frecuencia, niños convertidos en divos que no consiguen integrar armónicamente la fama y el éxito en su desarrollo personal y acaban con una vida destrozada e infeliz.

Siguiendo con el reparto hay que destacar a Joe Pesci en su papel de malo, malísimo, cuyas desgracias producen en el espectador un sentimiento mezcla de alegría y compasión. Sin duda, uno de los mejores papeles de su dilatada carrera cinematográfica,  como secundario de lujo en muchas ocasiones, en la que destacaríamos Uno de los nuestros (1990) de Martin Scorsese.

Si a las mencionadas buenas intrerpretaciones añadimos un buen trabajo de dirección, un guión fresco y original de John Hughes, un adecuado montaje y una banda sonora de John Williams que fue candidata al Oscar a la Mejor Banda Sonora Original, tenemos razones más que sobradas para justificar su éxito.

La historia se resume en dos líneas: La familia McCallister decide pasar sus vacaciones de Navidad en París, pero se olvidan al pequeño en casa. El chico después de la sorpresa y desconcierto inicial decide sacar partido a la situación, aunque un imprevisto vendrá a importunar sus magníficos planes.

Este es el detonante de una historia divertidísima, llena de ritmo, que no decae en ningún momento y lleva al espectador de sorpresa en sorpresa. Además, tenemos pocas ocasiones de disfrutar en la pantalla de una historia positiva con familia numerosa de protagonista -qué lejos queda La Gran Familia, convertida hoy en testimonio de una época-. La película deja clarísimo que a pesar de las vicisitudes, incomodidades y molestias que una casa "superpoblada" pueda producir, es mucho mayor el enriquecimiento personal que produce y todo pasa a un segundo plano cuando un peligro parece amenazarla. Toda familia juega un papel insustituible en la vida de las personas. No sólo es escuela de virtudes y ámbito natural de socialización del individuo, también el lugar por excelencia donde el amor es de unión. En su seno se nos quiere por nosotros mismos, ni por lo que somos, ni por lo que tenemos, ni por nuestras cualidades o defectos. No hay la más mínima duda de que Kevin es un trasto, pero que nadie nos lo toque, porque allí estaremos todos hechos una piña defendiendo a quienes queremos.

En fin, con palabras de decine21.com un clásico indiscutible del cine familiar de los años 90, que convirtió en estrella a Macaulay Culkin, con el que el productor John Hughes y el realizador Chris Columbus crearon un estilo propio que sería imitado hasta la saciedad, basado en un tono amable y la recuperación de gags propios del cine mudo.

Año de producción: 1990. País: Estados Unidos. Director: Chris Columbus. Intérpretes: Joe Pesci y Macaulay Culkin. Público: Todos. Género: Comedia. Más información: decine21.

15 de diciembre de 2009

EL PERRO MONGOL. Byambasuren Davaa. Docudrama.



Historia mínima, sin apenas argumento, donde se nos cuenta la vida de una familia de pastores nómadas en Mongolia. Para cinéfilos.


Nansal, la hija mayor de una familia de nómadas mongoles, se encuentra un día un cachorro mientras recoge estiércol cerca de su casa. Desde el primer momento se encapricha con el perrito, pero cuando lo lleva a casa, su padre, tiene miedo de que les traiga mala suerte, ya que al haberlo encontrado en una cueva cree que puede ser descendiente de lobos, y le pide que se deshaga de él.

A pesar de ello, la niña, bastante terca, aprovecha que el padre tiene que ir a la ciudad a vender unas pieles, para quedarse con el cachorro. Seguramente, esperando imponer su presencia por la fuerza de los hechos, pues ella no entiende de riesgos; sólo sabe que le ha tomado cariño y eso le basta. Además, en la soledad de esas tierras, con una vida donde se carece de muchas cosas, la llegada del perrito viene a romper el lento, solitario y monótono transcurrir de los días.



Bonita película, sin apenas argumento, que nos narra la vida cotidiana de una familia de pastores nómadas en Mongolia, durante un verano. Se trata de un matrimonio joven con tres hijos, dos niñas y, el más pequeño, un varón que todavía no sabe hablar. Asistimos como espectadores priviligiados al día a día de esta esforzada y alegre familia. Su vida cotidiana queda perfectamente retratada y es un ejemplo de la felicidad escondida en esos pequeños sucesos de cada día. Carecen de muchísimas cosas que a nosotros se nos antojan imprescindibles y, sin embargo, son felices. No desprecian los bienes, pero tampoco se sienten desgraciados ante su carencia. Aceptan las dificultades cotidianas con una paz y templanza envidiables. También me ha llamado la atención la naturalidad con que se inculca a los pequeños la responsabilidad en las tareas familiares; algunas no exentas de riesgo.

Aunque se trata de una propuesta realmente "diferente", vale la pena pasar un rato con esta familia. Quien lo haga, disfrutará de una película muy bien fotografiada, apacible y aleccionadora.

Dirección: Byambasuren Davaa. Intérpretes: Nansal Batchulun, Buyandulam Daramdadi. Duración: 93 minutos. Género: Drama, Documental (Docudrama). Público apropiado: Todos. Leer crítica en decine21.com.

27 de marzo de 2009

CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPULSIVA


Confessions of a Shopaholic.

P. J. Hogan.
Comedia Romántica.
En el glamouroso mundo de Nueva York, Rebecca Bloomwood (Isla Fisher) es una joven y alegre periodista con un "pequeño" problema: padece adicción a las compras. Además, sueña con trabajar para su revista de modas favorita, pero no encuentra el modo de introducirse hasta que, irónicamente, consigue un trabajo como columnista en otra publicación del mismo grupo especializada en el mundo de las finanzas. Con la meta al alcance de la mano, tendrá que hacer malabarismos para impedir que su pasado arruine su futuro.

Temas de interés: materialismo consumista y adicción a las compras, versus vida sencilla y austeridad; apariencias; periodismo.

Leyendo el argumento, me ha venido a la cabeza el libro Vida de consumo, del sociólogo polaco afincado en el Reino Unido, Zygmunt Bauman. En él parte de la tesis de que, en nuestra sociedad, las relaciones sociales se basan cada vez más en el consumo, con el agravante de que, según los estudios más solventes, la felicidad sigue siendo una quimera para mucha gente. Afirma que el imperio consumista está transformando los valores sociales, dando lugar a una cultura de lo efímero, del aquí y ahora, de la satisfacción inmediata y sucesiva, del yo ya. Mantiene que "Una sociedad de consumo sólo puede ser una sociedad de exceso y prodigalidad y, por ende, de redundancia y despilfarro", que fomenta "la responsabilidad por uno mismo y ante uno mismo" y puede estar en el origen de la crisis de solidaridad real de nuestro tiempo.


Aunque el inicio tontorrón de la película pueda disuadir a algún espectador, merece la pena aguantar los primeros minutos, pues la historia va ganando altura paulatinamente. Dejan buen sabor de boca las peripecias de Rebecca, una joven simpática a pesar de su actitud manifiestamente mejorable. Le cuesta trabajo reconocer su adicción a las compras, aunque reconoce que la felicidad que le proporcionan es momentánea, dejandole un vacío que sólo puede llenar con más compras, dando lugar a un círculo vicioso del que resulta bastante difícil salir. Para lograrlo, será fundamental el sacrificio y la ayuda de los demás, especialmente de la familia y los amigos, auténtidos tesoros de Rebecca, que sólo sabe apreciar cuando su situación toca fondo.

Críticas seleccionadas:

"Simpática comedia que se basa en las populares novelas de Sophie Kinsella, que en su retrato de los apuros de una mujer de nuestros días conecta con otros éxitos recientes filmados a partir de libros, como El diablo se viste de Prada y El diario de Bridget Jones." (decine21. Leer texto íntegro) . A continuación videocrítica de José Mª Aresté, en decine21.com.


"..si la película se ve con una mirada seria y analítica, la crítica al consumismo -que la hay y contundente- puede resultar frívola e insustancial, y la moraleja, reflejada especialmente en la actitud de los hilarantes padres de la protagonista, poco convincente. Quizás es lo que le ha pasado a un par de columnistas del USA Today, que tacharon la película de irresponsable ..." (Ana Sánchez de la Nieta, Fila Siete. Leer texto íntegro).

"Sobresalen su diálogos chispeantes, que perfilan bien a los personajes, al tiempo que elogian la vida sencilla y el ahorro, y critican el materialismo consumista". (Jerónimo José Martín, La Gaceta de los Negocios. Leer texto íntegro)

Director: P. J. Hogan. Año de producción: 2009. País: EE.UU.. Principales intérpretes: Isla Fisher y Hugh Dancy. Género: Comedia Romántica. Público apropiado: Jóvenes.

3 de febrero de 2009

MATAR UN RUISEÑOR

Harper Lee

NOVELA


"Cuando se acercaba a los trece años, mi hermano Jem sufrió una grave fractura del brazo a la altura del codo. Cuando sanó y sus temores de que jamás podría volver a jugar al fútbol se diluyeron, raras veces se acordaba de aquel percance. El brazo izquierdo le quedó algo más corto que el derecho; si estaba de pie o andaba, el dorso de la mano formaba casi un ángulo recto con el cuerpo y el pulgar rozaba el muslo. A Jem no podía preocuparle menos, con tal que pudiera pasar y chutar."

Jean Louise Finch evoca con mirada penetrante una época de su infancia en Alabama, cuando su padre, Atticus, abogado íntegro, decidió defender ante los tribunales a un hombre negro acusado de violar a una mujer blanca. Esta decisión, que mantuvo con entereza, dió lugar a no pocos problemas personales y familiares.

Matar a un ruiseñor presenta unos personajes entrañables y auténticos, que viven en una pequeña comunidad del sur de Estados Unidos, en la década de los años 30. Se trata de una sociedad dominada por los prejuicios raciales, la desconfianza hacia lo diferente, y con un sistema judicial que no garantiza la igualdad de todos ante la ley. Sin embargo, en medio de esta atmósfera opresiva, brilla con luz propia la honestidad de un hombre capaz de ser fiel a sus principios con todas las consecuencias. Hombres como Atticus Finch, siempre al lado de la verdad y la justicia, devuelven la esperanza en las infinitas posibilidades que alberga el alma humana.

Con este libro, su única obra, la estadounidense Harper Lee ganó el premio Pulitzer en 1961. Al año siguiente fue llevada al cine magistralmente por el director Robert Mulligan, logrando una película inolvidable y, seguramente, una de las mejores de la historia del cine -Oscar al mejor guión (Horton Foote) y al mejor intérprete masculino (Gregory Peck)-.

Harper Lee (Monroeville, Alabama, 1926), se inspiró en unos desgraciados incidentes racistas, que tuvieron lugar en una localidad cercana a su ciudad natal, cuando ella contaba con cinco años, para escribir Matar a un ruiseñor. Obra que, a la postre, se convertiría en un clásico de la literatura del siglo XX y de todos los tiempos. Fue muy amiga de Truman Capote en quien, al parecer, se inspiró para dar cuerpo a uno de los protagonistas de la historia.

Ediciones Zeta. Título original: To Kill a Mockingbird (1960 by Harper Lee). Traducción: Baldomero Porta.

Para saber más sobre este libro, recomiendo una visita a Bienvenidosalafiesta

25 de enero de 2009

LA HABITACIÓN DE MARVIN

La alegría de la entrega frente al hastío individualista

DRAMA
Jerry Zaks

Bessie (Diane Keaton), una mujer que ha sacrificado su vida cuidando abnegadamente y con cariño de su padre, descubre que tiene una grave enfermedad; por ello acude a su hermana Lee (Meryl Streep), que se fue del hogar familiar hace veinte años. Después de una vida entera de separación y diferencias, las dos hermanas no encuentran el modo de relacionarse con naturalidad y recomponer unos lazos familiares rotos desde hace mucho tiempo. Será precisamente Hank, el hijo de Lee (Leonardo DiCaprio), joven díscolo y problemático, quien hará de nexo inesperado.

Estamos ante una película valiosísima, que se atreve a cuestionar los fundamentos de la auténtica felicidad. Bessie, que no ha tenido vida propia, que ha vivido totalmente olvidada de sí misma es, paradójicamente, mucho más feliz que su hermana Lee, que antepuso su "realización" personal a cualquier otra consideración. También se atreve a mostrar aspectos positivos del dolor y la enfermedad, como son: la capacidad de despertar la solidaridad y el amor, con obras, entre las personas. En este sentido, se puede decir que es una auténtica oportunidad para todos. ¡Qué pena la falta de trascendencia!, en los protagonistas y en la vida de tanta gente.

El guión es adaptación de una obra teatral de Scott McPherson, la realización muy buena, predominando elementos dramáticos oportunamente oxigenados y el reparto hace honor a su fama: sencillamente magníficos.

Director: Jerry Zaks. Año de producción: 2006. Género: Drama. Público adecuado: Jóvenes. Principales intérpretes: Meryl Streep, Diane Keaton, Lonardo DiCaprio y Robert de Niro. Más datos en decine21.com



Otras buenas películas, donde la enfermedad tiene especial protagonismo:
  • Patch Adams (Comedia, 1998). Jóvenes. Dirigida por Tom Shadyac y protagonizada por Robin Williams.
  • Una mente maravillosa (Drama, 2001). Jóvenes. Dirigida por Ron Howard y protagonizada por Russell Crowe.
  • Las llaves de casa (Drama, 2004). Jóvenes. Dirigida por Gianni Amelio.

9 de enero de 2009

MÍA SARAH -Gustavo Ron-

COMEDIA ROMÁNTICA (2006)


"Película dedicada a todos aquellos capaces de superar cualquier obstáculo para conseguir lo que aman" (Gustavo Ron, director de la película)


Marina (Verónica Sánchez) cuida de su hermano Samuel (Manuel Lozano) desde que sus padres murieron en accidente de tráfico. Desde entonces, Samuel padece de agorafobia por lo que lleva tres años sin salir de casa. Para intentar ayudarle, Marina contrata psicólogo tras psicólogo sin resultados aparentes. Además, Samuel y su abuelo Paúl (Fernando Fernán Gómez) hacen todo lo posible para librarse de ellos.

Sin embargo, cuando entra en acción el tímido Gabriel (Daniel Guzmán), a pesar de un comienzo poco prometedor, la cosa parece que empieza a encarrilarse. Pero con lo que no contaba Gabriel era con enamorarse de Marina.



Estamos ante una comedia romántica a la vieja usanza; sin complicaciones de ningún tipo y apta para todos los públicos. No es una obra maestra, pero se agradece una película de este tenor: buen gusto, buenas interpretaciones -magnífico Fernando Fernán Gómez-, buen humor y optimismo.

Queremos más películas españolas como esta, llena de simpatía y de buenos sentimientos; una bocanada de aire fresco, que no olvida una realización impecable cuidada hasta el más mínimo detalle.

Género: Tragicomedia romántica. Año: 2006. Dirección: Gustavo Ron. Principales intérpretes: Daniel Guzmán, Verónica Sánchez, Fernándo Fernán Gómez, Manuel Lozano. Público adecuado: Todos. decine21

Para seguir disfrutando de Fernando Fernán Gómez como "abuelo" recomendamos, de entre su extensa filmografía, El abuelo, dirigida por José Luis Garci en 1998. En ella podemos ver a este gran actor en un papel entrañable, en una bonita historia norteña magistralmente realizada.

3 de enero de 2009

LAS UVAS DE LA IRA -John Ford-

CINE (1940)


Tras una temporada entre rejas por homicidio, Tom Joad (Henry Fonda) vuelve a su hogar para encontrarse la granja familiar arruinada y abandonada. En plena crisis económica, arrastrando todavía las consecuencias del crack del 29, son pocas las perspectivas de encontrar un empleo en la desértica Oklahoma, así que la familia al completo reúne todos sus enseres y parte, en una destartalada camioneta, a través de la mítica ruta 66 hacia la tierra prometida: California.

Pero el arduo viaje, las noticias que les llegan de otras familias en la misma situación y las duras condiciones que finalmente encuentran, no dejan mucho resquicio para la esperanza. La codicia de algunos empresarios ve una ocasión inmejorable para aumentar sus beneficios a costa de una mano de obra barata y dispuesta, en muchos casos, a trabajar por lo justo para una mísera comida al final de la jornada. Cada nuevo día supondrá un nuevo reto por afrontar con el coraje y con la fortaleza que proporciona una familia unida.

Ahora que tanto se habla de crisis económica puede ser una buena opción ver esta obra maestra, en la que John Ford hace un retrato emotivo e impactante de las consecuencias de una recesión entre la población más desfavorecida. A pesar del tiempo transcurrido desde su rodaje -casi setenta años-, no ha perdido ni un ápice de vigencia. Como toda obra intemporal, su mensaje trasciende el tiempo y el momento, planteando cuestiones plenamente actuales. Resulta alentador contemplar las muestras de solidaridad entre la gente de bien y a la familia salir airosa de las difíciles pruebas que debe soportar; los lazos del amor son difíciles de romper aun en la distancia.

Junto a Henry Fonda, merece destacarse el papel desempeñado por Jane Darwell como madre y auténtico pilar de los Joad. Es ella la que da consitencia al grupo y se constituye en auténtico baluarte ante los imponderables de la vida.

En el aspecto técnico, decir que cumple sobradamente con las exigencias estéticas actuales; blanco y negro incluido. Magníficos actores, preciosa fotografía y una música entrañable, completan un guión basado en la obra del mismo título de John Steinbeck.

Año de producción: 1940. Director: John Ford. Principales intérpretes: Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine. Género: Drama. Público adecuado: Jóvenes - adultos.

Otras películas de John Ford para no perderse (decine21):

  • La diligencia (Western, 1939).
  • Hombres intrépidos (Drama, 1940).
  • Qué verde era mi valle (Drama, 1941).
  • Los tres padrinos (Western, Drama, 1948).
  • Río Grande (Western, 1950).
  • El hombre tranquilo (comedia romántica, 1952).
  • El sol siempre brilla en Kentucky (Drama, 1953).
  • Mogambo (Aventuras, 1953).
  • Centauros del desierto (Western, 1956).
  • La taberna del irlandés (Comedia, 1963).

1 de enero de 2009

MATRIMONIO POR INTERÉS y otros relatos -Mijaíl Zóschenko-

RELATOS


En la época más oscura del estalinismo, cuando la libertad de expresión no existía, Mijaíl Zóschenko y otros autores como Ilf y Petrov ("Las doce sillas") recurrieron al humor para reflejar la triste realidad soviética. LLegó a ser muy popular y, alcanzado éxito y fama, fue objeto de una atenta vigilancia por parte del régimen.

Sus relatos se erigieron en válvula de escape para un público al que no le quedaba otra alternativa que reírse de sí mismo. Su atenta observación de la realidad y la capacidad para detectar los aspectos dignos de risa de la sociedad en que vive, convierten la lectura de estos episodios en un divertido acercamiento a la Unión Soviética y a una época felizmente pasada.

Ante la terrible realidad del absurdo comunista una serie de autores, incorformistas y geniales, recurrieron al sentido del humor como única vía de expresión posible. Esta recopilación recoge una serie de relatos escritos por Zóschenko entre 1923 y 1956. De gran variedad temática, amenos, divertidos y corrosivos, merecen una lectura atenta.

Mijaíl Mijáilovich Zóschenko (1894-1958), combatió en la Gran Guerra donde obtuvo el grado de capitán. Después, en tiempos de paz, ejerció profesiones diversas antes de recalar en la literatura. En los años 20 alcanzó gran popularidad en su país pero, a pesar de ello, fue objeto de una estrecha vigilancia por parte del régimen, que culminó con su expulsión en 1946 de la Unión de Escritores. Intentó en vano congraciarse con Estálin, siendo represaliado hasta el final de su vida.

Narrativa del Acantilado. Mijaíl Zóschenko. 164 páginas. Junio 2005.

20 de noviembre de 2008

ESCUCHA MI VOZ. Susanna Tamaro. Novela


Esta novela retoma los personajes de Donde el corazón te lleve, auténtico fenómeno editorial, con millones de ejemplares vendidos en todo el mundo. En su continuación, vuelve a trascender la individualidad para reflejar unas actitudes típicas de la sociedad europea actual. Su lectura conmueve y hace pensar.

Merece destacarse la valentía de esta autora, que no tiene complejos a la hora de reflexionar con honestidad sobre temas controvertidos -individualismo, libertad, feminismo, aborto, familia o religión-, a pesar de los embates de la crítica políticamente correcta y pesebrera.

La historia adopta la forma de un largo monólogo, lo que puede disuadir a más de un lector. Sin embargo su lectura no es difícil, ya que la autora no abusa de largas digresiones ni de disquisiciones existenciales o filosóficas. De hecho, casi desde el principio, consigue que el lector quiera saber más y, al ir dosificando la información, mantenerlo enganchado. No obstante, lo más significativo de esta historia es su sinceridad a la hora de analizar las causas de la insatisfacción vital y la infelicidad. Y, aunque no lo diga expresamente, uno llega a la conclusión de que cuando la vida gira alrededor de uno mismo, cuando el egoísmo se enseñorea de la persona, no queda otra cosa que la soledad, la esterilidad y el hastío vital. Acompañando a Marta en sus reflexiones constatamos las consecuencias nefastas de una libertad mal entendida.

Susanna Tamaro nació en Trieste en 1957. Estudió en el Centro Sperimentale di Cinematografía de Roma y realizó diversos documentales para la RAI. Autora de varios libros y ganadora de prestigiosos premios -Pen Club Internacional, entre otros-, obtuvo reconocimiento internacional con Donde el corazón te lleve (1994). Ella misma ha dirigido la adaptación cinematográfica de su relato "El infierno no existe", que forma parte del libro Respóndeme (2001).

Editorial Seix Barral (2007). Novela realista. 192 páginas.

11 de noviembre de 2008

CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE -Tim Burton-

COMEDIA FANTÁSTICA (2005)

Imaginativa adaptación de la obra de Roal Dahl del mismo título, nos cuenta la historia de Charlie, un buen chico de familia humilde y bien avenida que, contra todo pronóstico, gana un concurso para visitar, junto a otros cuatro niños, una fantástica fábrica de chocolates dirigida por el misterioso Willy Wonka.

Película llena de colorido, música e imaginación, lleva el sello inconfundible de su director, Tim Burton. La dramática situación en que vive Charlie Bucket, sus padres y abuelos, puede parecer algo exagerada, pero no debemos olvidar que estamos ante un cuento y, como tal hay contemplarlo, dejándose seducir por la historia; es la mejor manera de disfrutarla.

La obra goza de una puesta en escena espectacular, con interpretaciones sobresalientes -magistrales Johnny Depp y Freddie Highmore-. Pero no penséis que se queda en un bonito envoltorio o en un mero ejercicio de estilo, pues realiza, además, una certera y divertida sátira del tipo de educación que reciben hoy muchos niños, por parte de unos padres bienintencionados, pero bastante atolondrados. También merece destacarse la positiva consideración de la familia y de los lazos humanos, por encima de planteamientos materialistas.

Género: comedia fantástica. Año: 2005. Público apropiado: todos. Director: Tim Burton. Principales intérpretes: Johnny Depp, Freddie Highmore, David Kelly, Helena Bonham Carter, James Fox.

8 de noviembre de 2008

MANSFIELD PARK -Jane Austen-

NOVELA

Fanny Price, tímida y sensible, deja su modesta familia y se traslada al campo, a casa de los Bertram, parientes ricos residentes en Mansfield Park. Allí convivirá con sus cuatro primos, crecerá y madurará, pero nunca será tratada como una igual; aunque la respetan, verá cómo es apartada una y otra vez del primer plano, quedando relegada a una posición que marca claramente su situación real en aquella casa.

La vida transcurre sin sobresaltos, entre la monotonía propia del ambiente rural y la estabilidad satisfecha consecuencia de una vida fácil y cómoda. Sin embargo, esta ociosidad placentera se verá sacudida por un torbellino: la llegada de los hermanos Crawford. Esta presencia desencadenará una serie de situaciones que pondrán a prueba la calidad humana de los protagonistas. (Ediciones RIALP).

Jane Austen siempre está de moda. A la reedición constante de sus obras con sus respectivas adaptaciones cinematográficas, hay que añadir ahora una serie de películas sobre la vida o la obra de la propia autora. Este es el caso de La Joven Jane Austen (2007), dirigida por Julian Jarrold e interpretada por Anne Hathaway. Pero volviendo al libro, mencionar que se trata de una de sus obras más completas; con personajes enfrentados a experiencias y decisiones, a veces dolorosas o equivocadas, pero que les ayudarán a madurar. Con un estilo cuidado y sin renunciar al humor y la ironía, es un estimable retrato de la sociedad de su tiempo.

Nacida en 1775, Jane fue la séptima de ocho hermanos. Educada personalmente por su padre, supo despertar en ella un gran amor por la lectura que, con el tiempo, se transformaría en pasión por la escritura. Su temprana muerte, acaecida en 1817, impidió que pudiera desarrollar más ampliamente su talento. No obstante, hay quedan para siempre Juicio y sentimiento (1811), Orgullo y prejuicio (1813), Mansfield Park (1814), Emma (1816) o Persuasión (1816). Fue mujer de gran inquietud intelectual y, a la vez, amante de la vida sencilla y familiar.

5 de noviembre de 2008

BELLA -Alejandro Gómez Monteverde-

DRAMA ROMÁNTICO (2006)


Aunque con cierto retraso -en EEUU se estrenó en octubre de 2007-, por fin llega a España esta multipremiada, interesante y emotiva película. Dirigida por Alejandro Gomez Monteverde y ambientada en Nueva York, nos cuenta cómo una decisión puede cambiar la vida de dos personas para siempre.

José (Eduardo Verástegui), cuya exitosa carrera como futbolista profesional se vio desafortunadamente truncada, se gana la vida como chef en el restaurante de su hermano Manny. Allí trabaja Nina (Tammy Blanchard), quien como tantas otras personas intenta sobrevivir en Nueva York. Pero como la vida tiene esas cosas, un imprevisto, y todo se desmorona; de repente está sin trabajo y enfrentada a graves dilemas personales. Sin embargo nada está perdido: alguien que escucha, que comprende y la vida se abre a nuevos y esperanzados horizontes.

Por fin tenemos la oportunidad de ver en España esta película, que viene avalada por el reconocimiento del público allá donde se ha estrenado y cuyos galardones se cuentan por participaciones en festivales. Entre ellos destacamos el "People's Choice Award" del Festival Internacional de Cine de Toronto.

Estamos ante una historia romántica y llena de sensibilidad que mezcla, sabiamente, situaciones intensamente dramáticas, con suaves toques de humor y unos personajes rebosantes de humanidad. Son muchas las cuestiones de calado que plantea el guión. Desde la situación de precariedad laboral que sufren muchas personas en la gran ciudad, hasta la necesidad de apoyo y calor humano cuando la vida se pone cuesta arriba, o la familia como lugar de encuentro e instrumento natural de integración social, pasando por el drama del embarazo no deseado y la tentación de acabar con la vida incipiente, la soledad sin horizontes o la trascendencia que libera. Todos estos temas se plantean con valentía, sin trampas, huyendo de lo políticamente correcto. Cada cual debe tomar postura: o el sacrificio esperanzado o la drástica solución que elude responsabilidades y sume en un pozo de angustia y tristeza.

Si tenemos en cuenta que además la película está bien hecha, con una fotografía cuidada, una banda sonora resultona y un guión que parece muy trabajado, no es extraño que pueda gustar a un público amplio y a la vez exigente. Debemos felicitar a Metanoia Films por su valiente debut cinematográfico con este canto a la dignidad humana, que se suma a otros recientes como Juno, Un paseo para recordar o Lars y una chica de verdad.

Recomiendo verla en versión original, pues los diálogos con continuos cambios entre castellano e inglés son antológicos.

Género: Drama romántico. Año: 2006. Dirección: Alejandro Gomez Monteverde. Principales intérpretes: Eduardo Verástegui y Tammy Blanchard. Producción: Metanoia Films. Público adecuado: jóvenes.

Para ampliar información, ver trailer o descargar algún póster, puede visitar la página WEB oficial: http://www.bellamoviesite.com/

Entrevista Eduardo Verástegui

Trailer


Cómo se hizo

Material Audiovisual extraído de decine21.com
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