PIE DE PÁGINA (2011). Joseph Cedar. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Un padre de unos 70 años y un hijo de 40. Ambos son filólogos, ambos han consagrado su vida al estudio del Talmud desde una perspectiva lingüística. El padre, Elie­zer Shkolnik, es un testarudo purista ajeno al siste­ma, que nunca ha visto reconocido su trabajo. Su hijo, Uriel, es una estrella ascendente en la materia, que se es­fuerza por ganar notoriedad y fama tendiendo hábi­les puentes en sus publicaciones que conecten... con otros asun­tos del interés general. La relación entre padre e hi­jo es muy difícil y, de pronto, llega la noticia de que el importante premio Israel ha sido concedido al profe­sor Shkolnik… Y el equívoco y la tragicomedia están ser­vidos… Fila Siete. (3/5)

Ingeniosa tragicomedia de Joseph Cedar, director y guionista. Pie de página (Footnote) fue candidata al Oscar a la mejor película extranjera. Se entiende perfectamente, en primer lugar por la estructura de la película, la trama se presenta como un artículo para una revista científica, incluidas sus notas a pie de página, lo que da agilidad y frescura a la narración, también visualmente... El mérito de Cedar es la sutileza, no hay tosquedad en el retrato del padre insensible que entra como elefante en cacharrería hiriendo los sentimientos de su hijo, ni en el del hijo que se debate entre la idea de hacer justicia con su progenitor, aunque sea a su costa... DeCine21. (7/10)

Premio al mejor guión en Cannes 2011 y candidata al Oscar 2012 a la mejor película en habla no inglesa, “Pie de página” es una ingeniosa tragicomedia, que aborda de frente temas complejos, como la competitividad científica, la soberbia intelectual, las relaciones paternofiliales, el sentido del trabajo, la caridad heroica o la conciliación entre la dedicación profesional y la atención a la familia. En este último punto, cabe elogiar la sugerente visión, en segundo plano, que ofrece la película del importante papel de las esposas de Eliezer y Muriel... Queda así una gran película, divertida y profunda, que anima a reconsiderar las propias prioridades vitales. J. J. M. (Cope). (7,5/10)

MI PRIMERA BODA (2011). Ariel Winograd. Comedia romántica. Jóvenes-Adultos. Estreno. **

En Mi primera boda, Adrián Meier, un tipo inseguro y patoso, está a punto de contraer matrimonio con Leonora, la mujer de su vida, en una lujosa mansión. Pero Meier pierde las valiosas alianzas que pertenecieron a la abuela de la novia, lo que desencadena una serie de caóticos acontecimientos que están a punto de dar al traste con la ceremonia. Enseguida queda claro que Mi primera boda no tiene grandes ambiciones. Ni siquiera quiere resultar muy creíble... Al menos, se agradece que haya tomado como modelo el cine clásico, en lugar de apuntarse a la corriente del humor soez del cine actual. DeCine21. (4/10)

Hay pocos argumentos tan recurrentes para una co­media como las bodas y, en ese sentido, no hay que pedirle excesiva originalidad a esta cinta argen­ti­na, bastante básica en su planteamiento pero eficaz como divertimento. Una comedia que, entre chiste y chiste, aprovecha para meterle una estocada a una celebración que empieza como broche de oro de un cuento de ha­das y puede acabar como un thriller de terror pa­ra la pareja, familia e invitados. O, en el mejor de los casos, en un megaevento social con empresa subcontratada en el que pinta más la coordinadora del festejo que la pareja de novios. Fila Siete (2,5/5)

Desde el primer momento, la convencional pero ágil puesta en escena se pone al servicio de un amplio elenco de magníficos actores, que encarnan muy bien a sus personajes, representativos de los principales arquetipos de la sociedad argentina. El guion les impone un tono disparatado e histriónico, a veces un tanto reiterativo y excesivo, pero eficaz en sus constantes golpes de humor, marcados por una ironía inteligente, llena de críticas sociales, que sólo resultan desagradables en unas cuantas groserías sexuales y concesiones a la ideología de género. En todo caso, el conjunto es más elegante y sutil que otras comedias similares estadounidenses o españolas... J. J. M. (Cope). (6/10)

OCTOBER BABY (2011). Andrew y Jon Erwin. Drama. Jóvenes. Estreno. **

Hannah es una joven universitaria que sufre un desmayo mientras está interpretando una obra de teatro. La chica es asmática y además tiene un historial de epilepsis, pero hay algo más... No todos su males parecen físicos. Hannah siente que su vida no tiene sentido. Y mientras consultan con el médico recibirá una noticia tremenda. Ella es adoptada; su verdadera madre quiso abortar, pero falló... Tras el shock Hannah emprenderá la búsqueda de su madre biológica. película de marcado carácter antropológico, enriquecido por una explícita visión cristiana de la vida. DeCine21. (5/10)

La fotografía y música son buenas aun­que pecan de efectistas, buscando conmover de una manera fácil, frenan la acción; en el caso presente se­ría innecesario, ya que la historia es buena y los actores, solventes; hay que descubrirse ante los jóvenes ac­tores que, por una vez, parecen gente de verdad, gen­te normal y no los estereotipados adolescentes de pe­lículas de graduación, y casi todos son gente a la que se toma cariño; los padres, sobre todo el padre, lo tie­nen más difícil, pero cubren bien el expediente. La producción es modesta, la planificación televisiva y la historia -la manera de contarla- es previsible... Fila Siete. (3/5)

Los hermanos Jon y Andrew Erwin, cineastas de identidad cristiana, en “October Baby” recrean muy libremente un episodio real de la vida de la californiana Gianna Jessen. En 1977 ella nació “por accidente”, ya que fue fruto de un aborto “mal” realizado cuando su madre estaba de siete semanas. Ha tenido muchas deficiencias motoras, superadas gracias al esfuerzo y la oración de su madre y hermana adoptivas. Han cambiado mucho la historia al llevarla al filme, pero han conservado los aspectos nucleares. A pesar de que la producción y planificación es muy de tvmovie, la película está resuelta con buen oficio, a través de un buen guión y unos excelentes actores. J.O. (Cope). (7/10)

LAS FLORES DE LA GUERRA (2011). Zhang Yimou. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

En 1937, la ciudad de Nanking es el principal frente de la Guerra entre China y Japón. John Miller llega a una iglesia católica para preparar el entierro de un sacerdote. A su llegada, el joven norteamericano, que trata de aprovecharse de las necesidades de la guerra, se ve convertido en el único adulto entre un grupo de alumnas que viven escondidas en el convento. Poco después, buscarán refugio en la misma iglesia varias prostitutas de un burdel cercano. Cuando John se encuentra en la posición indeseada de protector de los dos grupos ante los horrores del ejército invasor japonés, descubre el significado del sacrificio y el honor. Película conmovedora que sobrecoge al espectador. Increíble, dura, bella y sobretodo, inolvidable. Cinemanet

Junto con la taquillera Hero, Las flores de la guerra es la su­perproducción más ambiciosa e internacional de Zhang Yimou. La primera fue nominada al Oscar a la me­jor película extranjera en 2003, la segunda quedó fi­nalista al Globo de Oro de esa misma candidatura en 2012. Para lograr esta repercusión, el director ha contado con un diseño de producción imponente (el presupuesto casi ha llegado a los 100 millones de dó­lares) y un actor carismático: Christian Bale (que curiosamente empezó a hacer cine en una gran película de ar­gumento bélico en terreno nipón: El imperio del sol, la obra maestra de Spielberg). La película (basada en los hechos reales contados en la novela de Yan Geling), intenta rescatar los restos de belleza y de bondad que florecen en medio de la guerra. Fila Siete. (3/5)

De un modo sorprendente, y mediante miles de sutilezas visuales y de regates de guión, la película se convierte en un tratado sobre la dignidad y sobre la alternancia de papeles que te impone la vida en circunstancias extremas. Hay tanta intensidad y momentos tan pasionales y emotivos que las dos horas y media que dura hacen literalmente "puf" y se disuelven. El trabajo de Christian Bale, inmenso, está lleno de dificultad por la sutileza y la mudanza que expresa su personaje, un aventurero, un oportunista, que le encuentra ese punto de contradicción a la frase de que el hábito no hace al monje. Como si hubiera encontrado aquí el reverso de Batman. ABC. (3/5)

ARTHUR CHRISTMAS: OPERACIÓN REGALO (2011). Animación. Todos. DVD. ***

Steve, hijo mayor de Santa Claus, ha logrado implantar la tecnología más avanzada en el proceso de repartir regalos a los niños de todo el mundo. El tradicional trineo ha sido sustituido por el S-1, una gigantesca nave espacial, supervisada al dedillo por los técnicos del centro del control, y que lleva a bordo a una legión de elfos entrenados como tropas de élite que distribuyen en tiempo récord los paquetes que tienen que llevar a cada ciudad. La operación de reparto es un éxito salvo por un pequeño detalle: por culpa de un error han olvidado el regalo de una niña francesa. Arthur, el hijo menor de Santa, joven un tanto caótico pero con un corazón de oro, es el único que parece comprender el desastre que supondría que la chavala se despertara y descubriera que no le han dejado nada. DeCine21. (7/10)

Loca, muy divertida, con momentos surrealistas e impecable en su animación, le falta algo de profundidad. Las disensiones familiares entre las tres generaciones de los Claus son muy divertidas y perspicaces a la hora de analizar los diversos puntos de vista sobre la Navidad: nostalgia, consumismo, aburrimiento, preocupación por los demás... Sencilla pero simpática. TELEVÍDEO familiar.

EL PROFESOR (2011). Tony Kaye. Drama. Jóvenes-Adultos. Estreno. ***

Henry Bathes, un profesor de literatura cercano a los 40, va haciendo sustituciones por los institutos más problemáticos de Nueva York. Es un hombre cansado, abrumado por tanta maldad, ignorancia y perversidad. Tiene a su abuelo con alhzeimer en una residencia. El británico Tony Kaye cuenta una poderosa historia docente, con un Adrien Brody sensacional. Parte de un guión del debutante Carl Lund, que ... retrata con un verismo desolador la podredumbre y el drama de muchos chicos y chicas que no son mejores porque no han tenido a quien les ayude, o lo han tenido y no se han dejado ayudar... Fila Siete. (3,5/5)

En “El profesor” vuelve a mostrar el lado oscuro del “sueño americano”, con un fatalismo quizás excesivo, pero enormemente lúcido en su retrato de las espeluznantes secuelas del individualismo hedonista en padres, alumnos, profesores y políticos. Un patético materialismo práctico, que vuelve a instaurar el dominio del más fuerte y condena a los débiles a la marginación, la soledad y la desesperación. La película adquiere una sobresaliente potencia emocional gracias a la cruda veracidad interior del vigoroso guión del debutante Carl Lund... J. J. M. (Cope). (7,5/10)

De El profesor (Detachment) se puede decir que es de todo menos convencional. Tiene un magnífico protagonista, que permite a Adrien Brody hacer su mejor interpretación desde que ganara el Oscar con El pianista; y la selección de secundarios, algunos muy conocidos sobre todo en televisión, es perfecta. Su estructura narrativa es original... Algo que hace de El profesor (Detachment) una película inolvidable es que pinta personas y sus problemas, y los reconoces, aquello desprende el buen aroma del verismo. Además hay sutileza en los planteamientos... DeCine21. (7/10)

LA PEQUEÑA VENECIA (2011). Andrea Segre. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Shun Li es una mujer china, que tras trabajar un tiempo en Roma en la industria textil, es "destinada" a un pueblito de pescadores muy próximo a Venecia, para que regente un bar que frecuentan los lugareños. Atada a las mafias chinas que le permitieron emigrar, ahora debe seguir ligado a lo que toque si desea que su hijo de ocho años, que vive con el abuelo en China, pueda reunirse con ella un día: debe esperar la feliz noticia de que se permite viajar al chaval. Gracias a su amabilidad y buen corazón trabará amistad con Bepi, un anciano pescador apodado "el poeta"... DeCine21. (6/10)

Bellísima historia contada con una delicadeza y un sentido del relato admirable. Segre cuenta su historia con un esmero que habría sido en vano con unos actores de menos talento, pero afortunadamente lo tienen, son perfectos. La foto, el montaje, la música, el casting, las localizaciones son piezas que encajan sin esfuerzo en una película que viene a demostrar que para hacer un cine exquisito hace falta bien poco. Bueno, ustedes me entienden, bien mucho… Siempre que se tenga una historia que merezca ser contada... Fila Siete. (4,5/5)

Esta película sencilla desprende autenticidad por los cuatro costados. No hay subrayados ni planteamientos enfáticos, nada de melodrama ni lágrimas fáciles. Con enorme naturalidad presenta el drama de los personajes, y con la misma naturalidad triunfa el bien, a partir de una concepción positiva y esperanzada de la condición humana. La belleza de Venecia y su entorno, fotografiada con maestría por Luca Bigazzi (“Un lugar donde quedarse”), son un perfecto telón de fondo para esta cinta que en el fondo reivindica una concepción de Europa abierta y humanista (y en el filme, sutilmente cristiana)... J. O. (Cope). (8/10)

UNA BOTELLA EN EL MAR DE GAZA (2011). Thierry Binisti. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Tal es una joven judía de origen francés que vive en Jerusalén con el temor de los atentados. Naim es palestino, vive en Gaza. A través de una carta, enviada en una botella, y muchos correos electrónicos forjarán una amistad que pretende superar al odio que sacude su tierra. El inmortal romance de Romeo y Julieta le sirve al francés Thierry Binisti, para hablar del terrible conflicto que sigue azotando Oriente Medio. Para esto, Binisti se apoya en la novela homónima de tintes autobiográficos de Valérie Zenatti que se ha encargado, con el director, de la adaptación. Fila Siete. (3/5)

Binisti desarrolla una puesta en escena naturalista de gran eficacia dramática, tanto en los pasajes intimistas como en las impactantes secuencias ambientales de violencia y tensión, resueltas con un brillante empleo de la cámara en mano, el fuera de campo y el sonido ambiente. Pero donde realmente se luce el cineasta francés es en su rigurosísima dirección de actores y en el guión que ha coescrito con la novelista Valérie Zenatti, de ágil ritmo narrativo, muy veraz en sus diálogos y enormemente equilibrado en el reparto de grandezas y miserias entre los contendientes. J.J.M. Pantalla Grande. (7,5/10)

En su arranque parece que Una botella en el mar de Gaza va a ser excesivamente idealista, limitándose a reseñar una bonita y almibarada relación hipotética entre un palestino y una habitante de Israel. Pero el director acierta al apoyarse en una puesta en escena realista, con la que logra describir de forma convincente el día a día en la franja, una realidad poco conocida "¿Llega internet hasta Gaza?", se pregunta la amiga de la protagonista en un momento dado. El resultado es un alegato a favor de la tolerancia que no esconde las dificultades para llegar a un entendimiento definitivo. DeCine21. (6/10)

LA DELICADEZA (2011). David y Stéphane Foenkinos. Comedia. Jóvenes. Estreno. ***

La cinta sigue a la letra el argumento de la premiada y muy leída novela de David Foen­kinos: un simpático texto que sigue los pasos de la narrativa de Muriel Bar­be­ry: escritura rápida y sencilla, buen dibujo de personajes, múltiples referencias a las cul­turas clásica y actual, y mezcla de reflexio­nes filosóficas con el más puro y llano sen­tido común. Aunque, desde el punto de vis­ta literario, La delicadeza esté muy lejos de La elegancia del erizo podría decirse que son primas hermanas. La historia de un amor conquistado a base de respeto, tiempo, elegancia y buena educa­ción resulta mucho más estimulante que el aquí te pillo aquí te mato. Fila Siete. (7/10)

Los notables resultados formales e interpretativos se asientan en un guión muy sólido, fresco y profundo a la vez, a ratos muy divertido —por situaciones surrealistas y diálogos chispeantes—, y muy emotivo en sus pasajes melodramáticos. En este sentido, es fundamental su perspectiva moral, que acierta al subrayar el sentido purificador del sufrimiento, el valor del cariño de familiares y amigos, y, sobre todo, la necesidad de cimentar el amor en algo más que en la pura atracción física. Todo ello, sin énfasis moralizantes, con delicada sutileza y un rotundo sentido del humor, ambos eficazmente reforzados por las bellas canciones de Emilie Simon. J. J. M. Pantalla Grande. (7,5/10)

Los hermanos Foenkinos entregan una buena cinta romántica, que llega directa al corazón. Para ello toman algunos riesgos, siendo el principal el tener descolocado al espectador durante la primera media hora, una sensación incómoda de no saber uno dónde está. Superado este escollo, los Foenkinos entregan con La delicadeza una agradable, sorprendente y –cómo no, habida cuenta del título–, delicada historia de amor, verdaderamente contracorriente –tiene gracia que la distribuidora del film en España se llame precisamente así, “A contracorriente”, está claro que aquí hacen honor a sus intenciones a la hora de lanzar cintas–. DeCine21.

RÍNDETE MAÑANA (2011). Michael Collins. Documental. Adultos. Estreno. ***

Esta semana se estrena Ríndete mañana, documental que expone el estremecedor caso de Paco Larrañaga, el joven filipino de padre español que en 1997 fue acusado injustamente del asesinato de dos hermanas y sometido a un corrupto proceso judicial repleto de lagunas legales y violaciones de sus derechos fundamentales. Gracias a la presión social e institucional, Paco consiguió evitar la pena de muerte y ser trasladado a España, aunque a día de hoy espera todavía un juicio justo que le permita demostrar su inocencia. TacOnline. (3/5)

Premiado en los festivales de Tribeca, Sheffield y de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián, este impactante documental del estadounidense Michael Collins (director) y el canadiense Marty Syjuco (productor) cuestiona todo el kafkiano proceso policial, judicial y mediático que culminó con la condena de Larrañaga y sus seis compañeros. Su teoría es que dicho proceso fue un montaje conspiratorio para ocultar una sórdida trama de corrupción en torno a un mafioso filipino, relacionado con el narcotráfico, para el que también trabajaba el padre de las hermanas Chiong. J.J.M. (Pantalla Grande). (7,5/10)

Todo está muy bien documentado, hasta el punto de que la avalancha de datos que cuestionan la sentencia y ponen en solfa las irregularidades cometidas por la justicia filipina resulta bastante significativa. El film se divide en diversos capítulos que recorren la historia completa (el arresto, el juicio, etc.) en toda su complejidad, con jugosas declaraciones de policías, implicados en la investigación, periodistas, y familiares de Larrañaga. A pesar de la dureza de la historia, de la que no se escatiman detalles, Collins acierta al darle un tono esperanzador al relato. DeCine21. (6/10)

EL GRAN AÑO (2011). David Frankel. Comedia. Jóvenes. Estreno. ***

Tres hombres se proponen ganar el concurso anual que premia al que descubra más aves en todo Estados Unidos. Cada uno de ellos está cansado de sus rutinas y, por eso, deciden tomarse un año sabático de sus obligaciones para dedicarse a lo que realmente les gusta: su pasión y obsesión por los pájaros. Inspirado en libro un de Mark Obmascik, David Frankel (El diablo viste de Prada, Una pareja de tres) y Howard Franklin (Conspiración en la red) llevan a cabo una divertida adaptación, en la que se conjuga tanto la parodia como el homenaje a tan peculiar afición. TacOnline. (3/5)

Tras un comienzo desalentador, la película mejora según avanza la trama y se centra más en las relaciones personales de los protagonistas. Decepcionará a los que busquen en ella una comedia hilarante. Así, lo que se nos pretende enseñar es cómo esta competición termina convirtiéndose en una obsesión para sus protagonistas. La pregunta es: ¿lograrán todos ellos percatarse de que sus vidas han de anteponerse a esta enfermiza búsqueda de aves? Las elecciones de cada uno de estos personajes, en particular la forma en la que se comportan con sus seres queridos, logran introducir una agradecida humanidad al relato. LaButaca. (5/10)

David Frankel vuelve con El Gran Año, una comedia con moraleja que, aún siendo una obra moderada en su conjunto, consigue entretener a toda la familia e incluso se atreve con temas más hondos antropológicamente como son: la importancia de no afrontar sólo la vida, el riesgo de la competitividad llevada al extremo o la necesidad de saber reconocer qué es realmente valioso en la vida, como la amistad y la familia. Una película supuestamente clásica como El Gran Año resulta ser una agradable rareza. David Frankel con esta historia toca con cierta profundidad el tema de la mitomanía. Pantalla 90. (3/5)

STARBUCK (2011). Ken Scott. Comedia. Adultos. Estreno. ***

A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mínimo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valérie, una joven policía. Ésta le comunica que está embarazada justo cuando David se encuentra de golpe con su pasado. Fruto de sus donaciones de esperma veinte años atrás, descubre que es padre de 533 hijos, de los cuales 142 quieren conocerle. Han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico, de quien hasta entonces sólo conocen su seudónimo: Starbuck. LaButaca.net

Tras un arranque zafio, esta segunda película del canadiense Ken Scott encara con buen humor y hondura dramática la acelerada maduración del típico personaje con síndrome de Peter Pan, magníficamente interpretado por el cómico Patrick Huard, justo ganador del Premio al mejor actor en la Seminci de Valladolid 2011. Sin abandonar un tono divertido y disparatado, puntualmente grosero pero siempre entrañable, la película exalta la amistad y el cariño familiar —sobre todo la paternidad y la fraternidad—, al tiempo que repasa las dramáticas consecuencias de la ausencia del padre en muchos de los hijos de David. J. J. M. Pantalla Grande. (7/10)

Sorprendente comedia del realizador Ken Scott. El surrealista punto de partida da lugar a una comedia disparatada y exagerada, que aprovecha bien el punto de partida, dando lugar a secuencias hilarantes. Sin embargo también consigue momentos de gran dramatismo. Acaba siendo una fresca y sentida apología de la paternidad, que reflexiona sobre la madurez, la responsabilidad y el apoyo familiar por encima de los defectos de cada individuo. Asímismo también cuestiona la moralidad de la donación de esperma en la inseminación artificial. Scott dirige con un estilo fresco y dinámico. DeCine21 (6/10)

PROFESOR LAZHAR (2011). Philippe Falardeau. Drama. Jóvenes. Estreno. ****

Candidata al Oscar a la película en lengua no inglesa, ganadora del premio al guión en Valladolid, mejor película canadiense en Toronto. Una maravilla. Soberbia película canadiense ambientada en una escuela de enseñanza secundaria de Mon­treal. Un trágico suceso conmociona a alum­nos y profesores. Y Bashir Lazhar, un pro­fesor argelino de 55 años que vive en Ca­nadá por motivos que desconocemos, se ofre­ce a cubrir la baja de la profesora falleci­da. La directora del centro no está muy con­vencida, pero acepta a Lazhar, que encuen­tra a los niños en situación de absoluto desconcierto, unos pequeños que reaccio­nan de muy diversa manera ante la trage­dia y afrontan el día a día como buenamen­te pueden. Fila Siete. (5/5)

La cinta aborda de forma entrelazada dos grandes cuestiones: la crítica a un sistema educativo que sólo instruye y no educa; y la experiencia del duelo y sus implicaciones. Por un lado, Lazhar llega a un ambiente cultural y pedagógico en el que los niños son falsamente protegidos de la realidad. Así, Lazhar descubre que no puede hablar con ellos de lo que realmente les preocupa, que no puede ni siquiera tocarles y que tampoco debe intentar elevar demasiado su nivel cultural. Lazhar va a tratar de obedecer las normas, pero cada vez le va a ser más difícil ser políticamente correcto. J. O. Pantalla Grande. (7,5/10)

Magnífica película escrita y dirigida por el canadiense Philippe Falardeau, que adapta una obra de teatro de Evelyne de la Chenelière. Ha sido nominada al Oscar a la mejor película extranjera, y tiene la mayoría de las cualidades exigibles a un gran film: una historia interesante, conflictos, apasionantes temas de fondo, y personajes bien definidos. Todo presentado con un tono sobrio, una paleta de colores apagados –gran parte de la narración transcurre en invierno–, y una partitura musical perfecta para acentuar el “mood” entre triste y esperanzado que preside el film. DeCine21 (8/10)

UN LUGAR DONDE QUEDARSE (2011). Paolo Sorrentino. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Cheyenne es un judío cincuentón, antigua estrella del rock, que sigue la estética gótica y lleva una vida aburrida de prejubilado en Dublín. La muerte de su padre, con el que hacía tiempo que no se trataba, lo lleva de vuelta a Nueva York, donde, a través de la lectura de algunos diarios, reconstruye la vida de su padre en los últimos treinta años, en los que se dedicó a buscar obsesivamente a un criminal nazi que se había refugiado en Estados Unidos. Con una inexorable lentitud y sin capacitación alguna como investigador, Cheyenne, contra toda lógica, decide continuar la tarea y emprende la búsqueda del nonagenario alemán a través de Estados Unidos.

Se trata de una hipnótica “road-movie” de maduración y redención, en la que el entrañable protagonista constata el vacío de su adinerada existencia, identifica valientemente las causas del mismo —la fama, las drogas, el desarraigo, la falta de trascendencia…— e intenta llenarlo ayudando a los demás, ejercitando de algún modo su ansiada paternidad y reconciliándose “post mortem” con su padre recorriendo la senda del perdón que él debería haber realizado. Todos estos interesantes temas los traduce Sorrentino en una lenta y contemplativa puesta en escena, de jugosa planificación y precioso acompañamiento musical... J. J. M. Pantalla Grande. (7/10)

This must be the place es una historia extra­ña. Tiene todos los ingredientes de la come­dia disparatada, pero no lo es; Sorrenti­no ha decidido que sea una historia seria, y el resultado es un drama extraño, conduci­do como una road movie por un personaje ex­traño que protegido por su aspecto e in­ge­nuidad suelta verdades como puños por don­de quiera que pasa. Propósitos variopin­tos que tienen efecto terapéutico en muchas personas, y que finalmente lo tendrán so­bre el propio Cheyenne. Desconcertante, curiosa, también interesan­te y bien filmada... Fila Siete (5/10)

LES LYONNAIS (2011). Olivier Marchal. Thriller. Jóvenes-adultos. Estreno. ***

Olivier Marchal logra al cuarto intento un thriller po­deroso, par­cialmente basado en hechos reales. La his­toria de una banda criminal, la de los Lio­neses, tiene en su líder el eje dramático. Edmon Vidal, un gitano francés, lleva un tiem­po re­tirado, después de años de atracos, asaltos y pasos por la cárcel. Cuando su me­jor amigo y compinche del pasado es dete­nido, se siente obligado a ayudarle. La película está muy bien interpretada y se ha rodado con esmero. Lo venimos dicien­do desde hace tiempo: el cine francés no tiene nada que envidiar al mejor cine nor­teamericano en el género negro o polar, co­mo se quiera llamar. Fila Siete. (3,5/5)

El director de este vigoroso thriller es el curtido Olivier Marchal, actor y cineasta francés que comenzó su carrera profesional como inspector de policía, y que luego se ha convertido en un experto en películas y series policíacas. Lo bueno de esta cinta es que, siendo poco original, bastante violenta y puro género, da prioridad a los conflictos morales y dramáticos de los personajes, gracias a unos actores descomunales, como Gerard Lanvin. La cinta recuerda mucho a “El Padrino”, no sólo por ciertas situaciones, sino por su exaltación de los códigos de la lealtad y del honor. J. O. (Pantalla Grande). (7,5/10)

Fuente principal del film es el libro escrito por el propio Edmon Vidal, alias Momon, “Por un puñado de cerezas”, que alude a cómo su carrera fuera de la ley empezó por un robo menor, castigado con desmesura por motivos raciales. Además del referente claro de la obra de Francis Ford Coppola -los saltos temporales en la narración, el fatalismo que impide a Momon llevar una vida normal, y le empuja a hacer daño a las personas que quiere, el sentido de familia, honor y lealtad...-, manejado con personalidad, también parecen haber influido títulos sobre criminales recientes en Francia como Un profeta. DeCine21. (7/10)

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO (2011). Robert Guédiguian. Drama. Jóvenes. Estrenos. ***

La crisis económica obliga al sindicato de tra­bajadores de un astillero del puerto de Mar­sella a despedir a un grupo para evitar el cierre. En el sorteo son elegidos un repre­sentante del sindicato y un joven trabaja­dor. Después de una breve incursión en el ci­ne histórico el vetera­no realizador francés ha vuelto a Marsella (epicentro de casi todas sus películas) y a su retrato cos­tumbrista y social. La cinta consiguió la Es­piga de Oro en la pasada edición de la Se­min­ci de Valladolid, una larga ovación del pú­blico y el aplau­so de la crítica: las tres co­sas merecidas. Una conmovedora oda a la solidaridad humana. Fila Siete. (4/5)

Premio Lux de cine del Parlamento Europeo, “Las nieves del Kilimanjaro” confirma la alta calidad de Robert Guédiguian, ya mostrada en películas como “Marius y Jeanette” o “Mi padre es ingeniero”. En esta deliciosa fábula tragicómica, se inspira en el poema “La gente pobre”, de Víctor Hugo; en el “Discurso a la juventud” (Albi, 1903), de Jean Jaurès, y en la popular canción de Pascal Danel. Y, a partir de ellos, exalta de nuevo la familia, la amistad, el compromiso social y la reconciliación frente a la creciente falta de conciencia e ideales de la sociedad actual. Todo ello, magníficamente interpretado. J. J. M. (Pantalla Grande). (8,5/10)

Guédiguian acierta al retratar las consecuencias de la crisis económica. Como es habitual, filma en su Marsella natal, y le da los dos personajes principales a sus dos actores habituales, Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride, esposa del realizador. Sin embargo, la película no suena a ya vista, sino que tiene cierta frescura, y mezcla muy bien comedia y drama. Aunque tiene tono de fábula, resulta lo suficientemente realista, y confronta diferentes actitudes ante los problemas. Además, todas las piezas confluyen en un desenlace emotivo, que apuesta por la reconciliación, la comprensión y la confianza en el futuro. DeCine21. (6/10)

KISEKI (2011). Hirokazu Koreeda. Drama. Jóvenes. Estreno. ****

El peligro que tiene un director como Kore-eda es que te mal acostumbra. Ki­se­ki (Milagro) es otra maravilla, esta vez sobre la infancia, las ilusiones, la amistad sin con­diciones. Después de Nadie sabe, Still walking y Air doll, el director nipón ha­ce un retrato entrañable de dos hermanos que buscan el milagro de ver unidos a sus pa­dres que se acaban de separar. Kiseki es una película de ésas que te de­jan sin aliento, que tiene un humor univer­sal, elegante, ingenioso. Ese cine que te hace mejor persona, que te presenta la vi­da como esa fuerza arrolladora de bondad... Y eso es muy difícil. Fila Siete. (4/5)

Hirokazu Kore-eda confirma su talento en esta película, galardonada con los premios al mejor guión y Signis en el Festival de San Sebastián 2011. Se trata de una tragicomedia sencilla y encantadora, narrada desde la inocente perspectiva de los niños protagonistas, pero que afronta con hondura las trágicas consecuencias del divorcio, sobre todo en los hijos, pero también en los cónyuges y abuelos. De todas formas, domina un tono divertido y optimista, que hace que las imaginativas andanzas de los chavales resulten muy entrañables, aunque alarga demasiado la trama... J. J. M. (Pantalla Grande). (7,5/10)

Sorprende la habilidad del director nipón para trabar una historia profundamente emocionante con unos elementos tan sencillos. Sabe pintar a la perfección personajes de tres generaciones, abuelos, padres e hijos, con sus virtudes y defectos, de un modo muy creíble. Destaca el desparpajo de los hermanos, uno más maduro e introspectivo, el otro hiperactivo y aparentemente despreocupado, pero al que también afecta la ruptura familiar. No podemos dejar de citar el emocionante momento en que un matrimonio de ancianos acoge a toda la pandilla de niños, una escena verdaderamente genial. DeCine21. (8/10)

SOUL SURFER (2011). Sean McNamara. Drama deportivo Jóvenes. Estreno. ***

Bethany Hamilton nació para estar en el agua, eso le dijeron y eso creyó toda la vida. Hawaiana e hija de surferos, apenas levantaba un palmo cuando se subió por primera vez a una tabla de surf. A los 13 años se disponía a competir por el título nacional, pero antes de poder hacerlo un tiburón le arrebató un brazo. Estuvo a punto de morir, pero poco después volvía a cabalgar las olas a bordo de una tabla. La historia emocionó y conquistó al público. Sean McNamara dramatiza estos hechos. Una película de superación personal y deportiva, un género predilecto del cine norteamericano. Fila Siete. (5/10).

La película es narrativamente convencional, muy clásica, y funciona correctamente, sin abusos melodramáticos, y sin recreaciones “gore”, ni siquiera en el ataque del tiburón. Nos brinda unas magníficas escenas de surf dignas del National Geographic. La cinta recrea esta historia de fe y superación. Tiene un tono muy comercial, y es muy americana, sin embargo tiene un aire de autenticidad y frescura que la hace amable, creíble y entrañable. El retrato que hace de la familia es muy positivo, una familia unida en la fe, leal y respetuosa con la libertad de sus miembros. J. O. Pantalla Grande. (7/10)

Sean McNamara tenía todas las papeletas para rodar un film convencional y plano, pues recoge todos los clichés del género de superación personal y triunfo ante la adversidad. Sin embargo, ha logrado una de esas películas con cierto encanto, por diversos detalles como por ejemplo que describe una sana relación entre la familia Hamilton, quizás un tanto utópica, pero bastante creíble. Se trata también el valor de la fe de la protagonista como apoyo fundamental a la hora de enfrentarse a la desgracia y seguir adelante. Acierta McNamara al narrar con elegancia y contención la parte más escabrosa. DeCine21.

DE NICOLÁS A SARKOZY (2011). Xavier Durringer. Biográfico. Jóvenes. Estreno. ***

Esta película no es un ajuste de cuentas (El escritor, de Polanski) ni una farsa desme­lenada (Il caimano, de Moretti). Su títu­lo español es un espanto. El original es muy bue­no, porque lo que se cuenta es algo abstrac­to, la conquista del poder por un políti­co tenaz, que se empeñó en ser presidente y lo logró. A pesar de ser bajito, de sus problemas ma­trimoniales, de su mal carácter, de la opo­sición dentro de su partido, de las circuns­tancias... La cinta, con buen criterio, no se mete en su vida privada, cosa de agradecer por el sen­cillo motivo de que está vivo y es el actual presidente francés. Fila Siete. (3/5)

Se estrena una película sumamente arriesgada, pero sin duda original e interesante. Su protagonista: Nicolas Sarkozy, el actual Presidente de la República francesa. Pero no se trata de un documental, sino de una reconstrucción de los aspectos más relevantes de su vida en los últimos años, desde su ascenso en 2002 a Ministro del Interior del Gobierno de Jean-Pierre Raffarin hasta su llegada a la presidencia de la República de Francia en 2007. El tono de la película es serio, pero con algunos matices más caricaturescos o cómicos. La película tiene un cierto aire de tv-movie y padece algún altibajo, pero mantiene el interés. J.O. Pantalla Grande.  (7/10)

El especialista en producciones televisivas Xavier Durringer, autor de algún largometraje poco conocido, como J'irai au paradis car l'enfer est ici, logra sortear la caricatura fácil del personaje, y lo presenta como un hombre muy activo, pero también ambicioso, hasta el punto de que se preocupa por su esposa únicamente por la repercusión pública que pueda tener que le acompañe o no a votar. También ofrece la impresión de que anda bastante interesado en todo momento por llegar a lo más alto, pero no tanto por los problemas de los ciudadanos. Quizás se echa de menos que profundice en algún asunto... DeCine21. (5/10)

GRUPO 7 (2011). Alberto Rodríguez. Thriller. Adultos. ***

1987. Sevilla se prepara para centrar la atención del planeta durante la celebración de la Exposición Universal de 1992. Para limpiar de drogas el centro de la ciudad se crea una unidad especial: el “Grupo 7”. Notable demostración de que la industria nacional puede cultivar géneros con solvencia y calidad. Un thriller emocionante, vibrante, bien interpretado y fantásticamente presentado; un gran trabajo de Alberto Rodríguez, en definitiva. La Butaca. (7/10)

El sevillano Alberto Rodríguez rueda su quin­ta película, con la que se consolida co­mo un interesante director, después de una tra­yectoria irregular. Ocho semanas de rodaje ha necesi­tado el equipo para recrear la Sevilla de los 80, mostrando los suburbios del mundo de las drogas y las preparaciones para la Ex­po­si­ción Universal. Con tono documental -hay in­sertos de secuencias reales- y una es­truc­tura lineal, el realizador relata una his­to­ria basada en hechos reales que, sin te­ner una especial originalidad, está bien na­rrada, con un ritmo vivaz. Hay violencia, y hay mucha acción, pe­ro to­do plas­mado con equilibrio y con­tención. Fila Siete. (4/5)

Arranca con fuerza, pues Rodríguez filma con contundencia y dinamismo, con un estilo fresco, y además, se luce con la descripción del ambiente y con la espontaneidad de los actores, que parecen auténticos personajes marginales de la calle. Sin embargo, y aunque está sobre la media del cine español, acaba desinflándose un tanto, pues es incapaz de aportar algo de gracia a los tópicos del subgénero 'poli duro'. Y también porque aunque han tratado de buscar conflictos de interés, éstos tampoco acaban de atrapar al espectador. En definitiva, habría sido mejor si el guión hubiera tenido un poco más de garra. DeCine21. (5/10)