MAMÁ (2012). Andres Muschietti. Terror. +13. DVD. **

Las niñas Victoria y Lilly desaparecieron sin dejar rastro tras ser raptadas por su progenitor, que acababa de asesinar a su madre. Cinco años después, dos tipos las encuentran accidentalmente en una cabaña medio derruida del bosque. Acaban a cargo de su tío Lucas y de Annabel, la novia de éste, que no habían cesado de buscarlas. Pero las pequeñas aseguran que estuvieron bajo los cuidados de una críptica figura a la que llamaban 'mamá', y Annabel sospecha que los susurros que escucha en su casa podrían indicar la presencia de un ente sobrenatural... DeCine21

Me gustaría que Mamá me gustase. Y lo digo porque, a día de hoy, una película de terror sin casquería, sin psicópata serial killer con motosierra, sin niñatos pasando fin de semana en cabaña aislada, sin caserón en el que se cometieron atroces crímenes, es mucho. Mamá cuenta con una premisa interesante y piensas que la cosa va a estar bien. Pero no. Aunque haya sido nº 1 en USA... La realización no está mal, los actores tampoco, pero la historia es tramposa hasta decir basta y termina cayendo en casi todos los lugares comunes... Menos mal que Jessica Chastain es una actriz tan extraordinaria... Fila Siete

Los primeros 45 minutos de película son bastante interesantes, con los personajes bien presentados y las motivaciones correctamente planteadas. Después, como el género está muy trillado, se vuelve bastante previsible y convencional. Por suerte, Muschietti demuestra una infrecuente habilidad para la planificación. Es muy elegante en algunas secuencias y movimientos de cámara. En cuanto a los sustos hay unos cuantos bastante conseguidos. El final, muy del estilo de Tim Burton, tiene cierto encanto. Nada novedoso, pero lo suficientemente disfrutable para quien le guste el género de terror. TVF

A PUERTA FRÍA (2012). Xavi Puebla. Drama. Adultos. Estreno. ***

En la barra del bar de un hotel, Salva y Carmelo se preguntan cómo han caído tan bajo. Antes eran empresarios imprescindibles, ahora tienen que arrastrarse para lograr que un gran cliente americano les salve del inminente despido. La película ganó el premio de la crítica y la Biznaga de oro al actor para Antonio Dechent en el pasado Festival de Cine Español de Málaga. Xavi Puebla pretende retratar con la mayor objetividad posible los cadáveres vivientes y asesinos sin piedad que la crisis genera diariamente. Para ello cuenta con un lenguaje muy minimalista, casi de cine negro: silencios, miradas, caladas de un cigarro, frases que se quedan en una atmósfera tensa e irrespirable. Fila Siete (3,5/5)

Con un regusto agridulce recibimos “A puerta fría”, el nuevo largometraje de Xavi Puebla. La parte dulce: es una película fabulosa, sin más. La parte amarga: que probablemente ─bueno, seguro, en realidad─ estemos ante un nuevo ejemplo de cine invisible para el espectador. Quien tenga oportunidad de verla, que no la deje escapar. Un infierno a plena luz... una metáfora, nada sutil, de una sociedad infecta. Por eso el director no necesita más recursos que su cámara, que usa prácticamente a modo de ojo documental, apoyada en un buen sonido directo y unas estupendas fotografía y edición. J.A. (LaButaca) (8/10)

Xavi Puebla insiste en la deshumanización de los ambientes laborales en A puerta fría. Su tono es pesimista y puntualmente sórdido, con una visión muy desencantada de la crisis económica y moral que atenaza a los países occidentales. De todas formas, el guión enriquece su discurso crítico con más elementos dramáticos de interés, desplegados con buen ritmo a través de situaciones y diálogos sustanciales que permiten el lucimiento de todo el reparto. Destacan, sin duda, Antonio Dechent y María Valverde. No es la maravilla de las maravillas, pero es contundente, está por encima de la media. J. J. M. (Cope) (6/10)

UNA PISTOLA EN CADA MANO (2012). Cesc Gay. Comedia. Adultos. ***

Desconcertados y perplejos, ocho hombres en torno a los 40 y residentes en Barcelona se ven envueltos en situaciones cotidianas que reflejan sus profundas crisis existenciales. Su dificultad para expresar lo que sienten les conduce a situaciones cómicas y patéticas que dejan atónitas a las mujeres. En este filme de episodios, y finalmente coral, el barcelonés Cesc Gay afronta la crisis de identidad masculina, al entrar en la cuarentena, desde unos planteamientos de fondo similares a los de sus anteriores películas, pero con un tono más tragicómico, que le lleva a la comedia irónica desde el drama patético... J.J.M. (Cope). (7/10)

Gay trabaja a conciencia sus historias, las tramas de cada personaje, cada cual más mimada que la anterior. Y luego sabe modelarlas visualmente con un estilo espontáneo, auténtico. Todo tan natural que parece improvisado. Magnífico director de actores, Gay ha reunido un reparto magnífico. Todos dan la talla con creces. Por lo demás, poca música, siempre la misma, cuando acaba o comienza cada historia, sencilla y discreta. Una pistola en cada mano clausuró –fuera de competición- el Festival Internacional de Cine de Roma, el pasado 17 de noviembre. Cine español de muy buen nivel. Fila Siete. (3,5/5)

Gay reflexiona sobre el dolor que causa la infidelidad, el desconcierto que provoca la ruptura familiar, la soledad, y otros temas que en mayor o menor medida han ido apareciendo en su cine, centrándose sobre todo en los personajes masculinos, aunque uno de los temas más recurridos sea la dificultad de éstos para comprenderlas a ellas. El título, Una pistola en cada mano, es una referencia simbólica a las dificultades del individuo para mantenerse fiel y 'atender a un único arma'... Aunque se nota la mano del realizador en la dirección de actores, su gran especialidad, no todos están a la misma altura... DeCine21 (6/10)

RÍNDETE MAÑANA (2011). Michael Collins. Documental. Adultos. Estreno. ***

Esta semana se estrena Ríndete mañana, documental que expone el estremecedor caso de Paco Larrañaga, el joven filipino de padre español que en 1997 fue acusado injustamente del asesinato de dos hermanas y sometido a un corrupto proceso judicial repleto de lagunas legales y violaciones de sus derechos fundamentales. Gracias a la presión social e institucional, Paco consiguió evitar la pena de muerte y ser trasladado a España, aunque a día de hoy espera todavía un juicio justo que le permita demostrar su inocencia. TacOnline. (3/5)

Premiado en los festivales de Tribeca, Sheffield y de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián, este impactante documental del estadounidense Michael Collins (director) y el canadiense Marty Syjuco (productor) cuestiona todo el kafkiano proceso policial, judicial y mediático que culminó con la condena de Larrañaga y sus seis compañeros. Su teoría es que dicho proceso fue un montaje conspiratorio para ocultar una sórdida trama de corrupción en torno a un mafioso filipino, relacionado con el narcotráfico, para el que también trabajaba el padre de las hermanas Chiong. J.J.M. (Pantalla Grande). (7,5/10)

Todo está muy bien documentado, hasta el punto de que la avalancha de datos que cuestionan la sentencia y ponen en solfa las irregularidades cometidas por la justicia filipina resulta bastante significativa. El film se divide en diversos capítulos que recorren la historia completa (el arresto, el juicio, etc.) en toda su complejidad, con jugosas declaraciones de policías, implicados en la investigación, periodistas, y familiares de Larrañaga. A pesar de la dureza de la historia, de la que no se escatiman detalles, Collins acierta al darle un tono esperanzador al relato. DeCine21. (6/10)

STARBUCK (2011). Ken Scott. Comedia. Adultos. Estreno. ***

A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mínimo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valérie, una joven policía. Ésta le comunica que está embarazada justo cuando David se encuentra de golpe con su pasado. Fruto de sus donaciones de esperma veinte años atrás, descubre que es padre de 533 hijos, de los cuales 142 quieren conocerle. Han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico, de quien hasta entonces sólo conocen su seudónimo: Starbuck. LaButaca.net

Tras un arranque zafio, esta segunda película del canadiense Ken Scott encara con buen humor y hondura dramática la acelerada maduración del típico personaje con síndrome de Peter Pan, magníficamente interpretado por el cómico Patrick Huard, justo ganador del Premio al mejor actor en la Seminci de Valladolid 2011. Sin abandonar un tono divertido y disparatado, puntualmente grosero pero siempre entrañable, la película exalta la amistad y el cariño familiar —sobre todo la paternidad y la fraternidad—, al tiempo que repasa las dramáticas consecuencias de la ausencia del padre en muchos de los hijos de David. J. J. M. Pantalla Grande. (7/10)

Sorprendente comedia del realizador Ken Scott. El surrealista punto de partida da lugar a una comedia disparatada y exagerada, que aprovecha bien el punto de partida, dando lugar a secuencias hilarantes. Sin embargo también consigue momentos de gran dramatismo. Acaba siendo una fresca y sentida apología de la paternidad, que reflexiona sobre la madurez, la responsabilidad y el apoyo familiar por encima de los defectos de cada individuo. Asímismo también cuestiona la moralidad de la donación de esperma en la inseminación artificial. Scott dirige con un estilo fresco y dinámico. DeCine21 (6/10)

GRUPO 7 (2011). Alberto Rodríguez. Thriller. Adultos. ***

1987. Sevilla se prepara para centrar la atención del planeta durante la celebración de la Exposición Universal de 1992. Para limpiar de drogas el centro de la ciudad se crea una unidad especial: el “Grupo 7”. Notable demostración de que la industria nacional puede cultivar géneros con solvencia y calidad. Un thriller emocionante, vibrante, bien interpretado y fantásticamente presentado; un gran trabajo de Alberto Rodríguez, en definitiva. La Butaca. (7/10)

El sevillano Alberto Rodríguez rueda su quin­ta película, con la que se consolida co­mo un interesante director, después de una tra­yectoria irregular. Ocho semanas de rodaje ha necesi­tado el equipo para recrear la Sevilla de los 80, mostrando los suburbios del mundo de las drogas y las preparaciones para la Ex­po­si­ción Universal. Con tono documental -hay in­sertos de secuencias reales- y una es­truc­tura lineal, el realizador relata una his­to­ria basada en hechos reales que, sin te­ner una especial originalidad, está bien na­rrada, con un ritmo vivaz. Hay violencia, y hay mucha acción, pe­ro to­do plas­mado con equilibrio y con­tención. Fila Siete. (4/5)

Arranca con fuerza, pues Rodríguez filma con contundencia y dinamismo, con un estilo fresco, y además, se luce con la descripción del ambiente y con la espontaneidad de los actores, que parecen auténticos personajes marginales de la calle. Sin embargo, y aunque está sobre la media del cine español, acaba desinflándose un tanto, pues es incapaz de aportar algo de gracia a los tópicos del subgénero 'poli duro'. Y también porque aunque han tratado de buscar conflictos de interés, éstos tampoco acaban de atrapar al espectador. En definitiva, habría sido mejor si el guión hubiera tenido un poco más de garra. DeCine21. (5/10)

POLISSE (2011). Maïwenn Le Besco. Cine Social. Adultos. ***. Estreno.

A los franceses les encanta hablar en sus películas. A veces dicen cosas interesantes, otras caen en una verborrea egocéntrica que puede llegar a límites insoportables. Maïwenn, directora, escritora y actriz en Polisse, es de las que tiene cosas importantes que contar. Justamente recibió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes por esta película que cuenta la vida cotidiana del BMP (Brigada de Protección de Menores) en la ciudad de París. Estamos ante una película que entretiene, conmueve y hace pensar al espectador sin adoctrinarlo.  Con Polisse el cine francés sigue gozando de una estupenda salud. Fila Siete.

Entrecruza la investigación de dolorosos casos de pederastia, abandono, maltrato, prostitución y delincuencia juvenil, con los dramas íntimos de los componentes de la brigada, sometidos a una gran tensión psicológica —por su impotencia ante muchas de las situaciones terribles que afrontan— y agobiados por una deplorable carencia de medios, provocada por la crisis y la insensibilidad de sus superiores y de ciertos políticos. Ciertamente, su tono hiperrealista depara numerosos diálogos subidos de tono —algunos interrogatorios son espeluznantes—, así como varios pasajes sexuales o violentos demasiado explícitos. JJM (Pantalla Grande).

La mirada de Maïwen Le Besco es original. La película, justo Premio del Jurado en Cannes, tiene la virtud de lograr una fuerte cohesión en su visión caleidoscópica del quehacer policial. Procura ofrecer una mirada objetiva, casi documental, sin juzgar a las personas, y donde domina el pesimismo ante un panorama poco halagüeño, donde crímenes como la pedofilia horrorizan, y en que al bando de "los buenos" también les falta el fundamento sólido que permite resistir sin venirse abajo. DeCine21.

YOUNG ADULT (2011). Jason Reitman. Drama. Adultos. ***. Estrenos.

La pareja Jason Reitman (detrás de la cámara) y Diablo Cody (escribiendo) alumbró Juno, una fresca comedia independiente que se ponía por montera tres o cuatro máximas del pensamiento políticamente correcto hablando del embarazo de una adolescente. Después, por separado, Reitman rodó la solvente Up in the air y Cody escribió la infumable Jennifer’s body. Ahora se reencuentran en Young adult, la historia de Mavis, una atractiva treintañera divorciada escritora de novelas para adolescentes que vive en Minneapolis. Mavis se entera de que su novio del instituto, felizmente casado, acaba de ser padre. Y decide ir a rescatarlo. Fila Siete.

La cinta hace un diagnóstico de la inmadurez posmoderna. Mavis vive para su imagen, es enormemente narcisista y sólo se interesa por sí misma. Se comporta como una adolescente estúpida e inestable, que ahoga su soledad en el alcohol. Piensa que la autonomía es el único ideal y, por eso, el hecho de que Buddy tenga un hijo le parece algo esclavizador y patético. Sin embargo, la película no se conforma con una mera constatación, sino que urge al cambio y reivindica el compromiso familiar y la paternidad responsable como caminos de realización mucho más plenos que los que propone el narcisismo. J. O. Pantalla Grande.

Se agradece el esfuerzo por ahondar en las perplejidades de una sociedad contemporánea muy despistada, donde abunda la frustración, faltan los ideales y sobra el ombliguismo, la mirada permanente a uno mismo. Éste es el mal que aqueja precisamente a Mavis, una mujer atractiva, con buena cabeza, pero incapaz de traspasar las paredes de su yo, hasta el punto de ver en Matt los defectos que ella misma tiene corregidos y aumentados. Tragicomedia agridulce con pesimismo de fondo, la película tiene su interés, la narración es fluida, y presenta una buena galería de personajes, pero el desencanto la lastra de modo irremediable. DeCine21.

MEDIANERAS (2011). Gustavo Taretto. Tragicomedia. Adultos. **. Estreno.

Mariana (Pilar López de Ayala) y Martín (Javier Drolas) son dos treintañeros muy creativos, hechos el uno para el otro. Ella es una arquitecta metida a decoradora de escaparates; y él diseña páginas web. Ambos llevan años en crisis, arrastrando profundos traumas, padeciendo en soledad diversas fobias, incomunicados en sus nidos-prisión y sin una meta clara, ni profesional ni personal. Los dos viven en la misma calle de Buenos Aires, uno frente al otro, aunque en diferentes edificios, y se cruzan con frecuencia, pero nunca se encuentran. La ciudad los une y a la vez los separa. Quizás a través de Internet logren por fin conocerse. J.J.M. (Cope).

El argentino Gustavo Taretto explora las relaciones sentimentales de dos jóvenes aislados en plena era de internet. A pesar de sus interesantes reflexiones, de sus acertadas críticas a una sociedad de la comunicación que mantiene a muchos incomunicados, de su reparto y de algunas divertidas soluciones formales (con mucho recurso a la infografía), la historia no aguanta el metraje y se disuelve como un azucarillo. En Medianeras está muy clara la idea, el planteamiento, pero se alarga, se embarulla y falla el desenlace. Es una pena que lo que empieza siendo una película brillante acabe con y como un vídeo de youtube. Fila Siete.

Con un guión llamativamente discursivo, con enormes parrafadas en off sobre el mundo de las personas del siglo XXI, de la gran ciudad, de las paradojas de la incomunicación, de los problemas y vicisitudes de los treintañeros desconcertados ante su presente y su futuro, Taretto ofrece una comedia dramática, con pequeñas dosis de humor, más grisáceo que negro, en un tono que le acerca por momentos a la tragicomedia genuinamente argentina, con inteligentes chistes narrativos, y también visuales, jugando acertadamente con la música y el montaje paralelo. DeCine21.

STELLA (2008). Sylvie Verheide. Drama. Adultos. ***. Estreno.

Stella nos invita a entrar en la vida cotidia­na de una niña de once años que vive en un barrio popular de París y asiste al colegio sin ningún interés particular. Su vida bas­cula entre dos universos tan dispares co­mo antagónicos: el del bar que regentan sus padres y una escuela en la que no consi­gue encajar y en la que se siente empeque­ñecida, humillada. Un relato emotivo, doloro­so y profundamente hermoso que combina, con sabiduría, desgarro y ternura. Ganadora del premio al mejor guión en el Fes­tival Internacional de Cine de Gijón, Ste­lla supone además el descubrimiento de la ac­triz novel Léora Barbara y el reencuentro con un enorme y tierno Guillaume De­par­dieu. Fila Siete.

La nueva distribuidora Good Films inicia brillantemente su andadura con esta interesante película de 2008, escrita y dirigida por la poco conocida cineasta francesa Sylvie Verheyde (“Princesses”). A través de unas interpretaciones llenas de veracidad, de una realización hipersensible y de una nostálgica banda sonora, Verheyde desarrolla una incisiva disección de la infancia herida, el siempre traumático salto a la madurez y el desconcierto moral que arrastramos desde los años 60, con sus funestas consecuencias en el matrimonio, la educación de los hijos y la ilusión por vivir. JJ Martín (Cope).

Fantástico drama vital de marcados tintes autobiográficos. Lo que propone la directora y guionista es uno de esos despertares existenciales tan del gusto del séptimo arte universal. Y en esta ocasión lo hace de una manera maravillosa, sensible, emotiva y humana... Su tránsito hacia la madurez primera se enmarca en un fabuloso marco técnico, encabezado por una edición rayana en la perfección que aporta fluidez y vibración a la historia. “Stella” es un mosaico de pequeñas cosas, el puzle que puede componer lo que somos en esencia cualquiera de nosotros. Emoción pura. La Butaca.

HAZ LO QUE DEBAS (1989). Spike Lee. Drama. Adultos. ***. DVD.

En el barrio neoyorquino de Bed-Stuy se dan cita todas las culturas; sin embargo no se llevan demasiado bien unas con otras. Los negros odian a los italianos, éstos a los puertoriqueños, éstos a su vez a los coreanos, que odian a los americanos y a los judíos. Sal (Danny Aiello) es el dueño de una pizzería. Pese a los problemas que tiene con la vecindad se resiste a abandonar el barrio. Decine21.

PERSONAJES

La realidad es que hay pocos personajes realmente atractivos en esta película. Aunque la mayoría van a su “rollo”, no obstante, por aquí y por allá, hay algún que otro destello de humanidad. Este sería el caso del "alcalde" (Ossie Davis), un borrachín vagabundo de oscuro pasado, pero el único que mantiene la cabeza fría cuando se desencadena el drama, demuestra generosidad al jugarse la vida evitando el atropello de un niño y una exquisita sensibilidad al regalar flores a una anciana de la que parece estar enamorado. Todo esto regado con simpatía, buen humor y humildad.

También “Sal” Fragione demuestra cualidades. Es muy trabajador y consciente de que en su negocio no basta con el arduo trabajo, también necesita la fidelidad de su clientela. Es justo y comprensivo. Sin embargo, le falta sensibilidad para detectar el polvorín sobre el que está sentado y no consigue dominar la ira en un momento determinante.

Mookie es un personaje singular. Intenta contemporizar con todos. Elude las disputas y procura tender puentes. Pero es indolente, irresponsable, vago, mentiroso y pone su granito de arena en el estallido final. Va de espectador por la vida, como si nada de lo que ocurre en el barrio fuera con él. Su hermana, por el contrario, es trabajadora, responsable, abierta y simpática.

Pino es, probablemente, el elemento más negativo de la historia. Tiene un odio visceral hacia los negros, está lleno de prejuicios y de respetos humanos, le gusta polemizar, escurrir el bulto y es incapaz del más mínimo sentimiento de gratitud o fidelidad hacia la clientela del negocio familiar. Su hermano Vito es, sin embargo, un buen chico, capaz de mantener una amistad sincera con Mookie.

Por último, destacar la astuta actitud de los comerciantes coreanos, interesada más que virtuosa, y la falta de civismo de Radio Raheem, lo que en modo alguno justifica la desproporcionada actuación de los agentes de autoridad.

TEMAS DE INTERÉS

La película muestra las dificultades de convivencia entre ciudadanos de diferentes culturas y razas en los barrios marginales de grandes ciudades. La película es poco optimista, pues no ofrece salidas y parece defender la tesis de que el enfrentamiento es inevitable. Sin embargo, sin desconocer las indudables dificultades que plantea la integración, es mucho lo que se puede hacer desde distintos ámbitos: político, social o personal. Otra cuestión interesante, es la cuota de responsabilidad personal que pudiera haber en quien se siente marginado y culpa a los demás de su desgracia, eludiendo tomar las riendas de su vida.

SOCIABILIDAD

Haz lo que debas es una auténtica lección de las nefastas consecuencias que puede producir una actitud de cerrazón hacia el “diferente”. Es comprensible y natural sentir cierta predisposición a favor de las personas con las que de algún modo nos identificamos y, en sentido contrario, experimentar dificultades con quienes no congeniamos por el motivo que sea –fundado o no-. En estas situaciones en las que la buena disposición hacia nuestros semejantes no fluye con naturalidad, es cuando hay que ejercitarse con ahínco en la sociabilidad. Ni que decir tiene que, muchas veces, no será tarea fácil, sobre todo cuando falta reciprocidad y el destinatario de nuestras atenciones no destaca por su atractivo o cualidades. Habrá que echar mano entonces de un buen repertorio de virtudes para no sucumbir a la tentación de tirarlo todo por la borda: fortaleza, paciencia, comprensión, humildad, generosidad, afabilidad, justicia etc. Siempre se ha dicho que la convivencia no es fácil, y efectivamente es así. Por eso es tan importante esta virtud, pues sin ella resulta complicado crear los lazos imprescindibles que necesita un cuerpo social sano, en el que las pugnas, las incomprensiones y la violencia quedaran definitivamente desterradas.

VALOR EDUCATIVO

El título, Haz lo que debas, es suficientemente explícito del valor educativo del film. La violencia no es el modo adecuado de arreglar las diferencias, pues “la violencia engendra violencia”; una vez abierta la espita es muy difícil reconducir la situación. Si los protagonistas de nuestra historia se hubieran comportado con civilidad, respeto, generosidad o afabilidad, procurando estrechar lazos, se habría ganado en cohesión y seguramente no se habría producido semejante cadena de despropósitos con los resultados contemplamos en pantalla.

INCENDIES (2010). Denis Villeneuve. Drama. Adultos. ***. Estreno.

Adaptación de la obra homónima de Wajdi Mouawad. Jeanne y Simon Marwan (Mélissa Désormeaux-Poulin y Maxim Gaudette) se enteran de los secretos que ocultaba su madre cuando, tras morir, el notario Lebel les da dos sobres, uno para su padre, que daban por muerto, y el otro para un hermano del que desconocía su existencia. Jeanne decide viajar a Oriente Próximo para intentar descubrir el pasado de su familia. A Simon, en principio, no le importan los caprichos póstumos de una madre que siempre se mostró poco afectuosa con ellos. Sin embargo, el amor que siente por su hermana lo impulsará a reunirse con ella y recorrer el país de sus antepasados siguiendo la pista de una Nawal muy diferente a la madre que han conocido.

Además de optar al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, esta adaptación de la durísima obra teatral del libanés Wajdi Mouawad ha ganado numerosos galardones, entre ellos los premios del Público, de la Juventud y al mejor guión en la Seminci de Valladolid 2010. Son justos reconocimientos a la potencia de la puesta en escena del canadiense Denis Villeneuve, a las magníficas interpretaciones y a una trama poderosa, llena de momentos de gran intensidad emocional. Sin embargo, el conjunto se debilita un poco por su excesivo metraje y sobre todo por un tono demasiado trágico... En cualquier caso, es una película notable, que exalta la lógica del amor frente a la lógica de la violencia, y bastante ponderada en su valiente acercamiento a los diversos conflictos que asolan Oriente Medio. JJ Martín, Cope.

La guerra engendra monstruos a partir de hombres normales y corrientes, ésta es la conclusión de una película tan excesiva y dramática en su argumento como austera y contenida en sus formas... Lo que cuentan Mouawad y Villeneuve roza lo inverosímil, lo retorcido, el más difícil todavía, pero hay que reconocer el efecto brutal que esta extravagancia y exceso argumental tiene en el espectador, algo cercano a la catarsis, que decían los griegos. Ana Sánchez, Fila Siete.

Más información en Decine21.

REGRESO AL INFIERNO (2006). Irwin Winkler. Drama.***

Parece que la guerra de Irak, como anteriormente otros conflictos, está dando lugar a un nuevo género cinematográfico. Además, películas como la triunfadora En tierra hostil, o la última de Paul Greengrass, Green Zone. Distrito protegido, están contribuyendo a darle cierto prestigio al tema.

Regreso al infierno, dirigida por Irwin Winkler -mejor productor que director- y cuyo reparto está encabezado por Samuel L. Jackson, no está a la altura de las arriba mencionadas, pero es un buen entretenimiento e intenta ir más allá del puro espectáculo pirotécnico.

La acción comienza en una base estadounidense en Irak. La tropa está de enhorabuena, pues acaban de comunicarles que en quince días estarán de vuelta en casa. Risas, juegos, chistes y conversaciones más que gruesas –me pregunto si éste es, efectivamente, el lenguaje habitual de los soldados, o es un tópico más creado por la ficción-, ocupan el tiempo de espera. Entre tanto, surge una misión humanitaria: deben repartir medicinas entre la población civil, para la cual tendrán que adentrarse en plena ciudad, con el peligro que ello entraña. Son veinte minutos de película bien rodados, duros, trepidantes, tensos, trágicos… El convoy sufre una emboscada y cuando parte de los vehículos intentan huir, son objeto de un atentado; una bomba oculta en un peluche y accionada por un adolescente desata el drama.

A partir de este momento abandonamos Irak, y la trama se centra en las dificultades que tendrán los supervivientes para reintegrarse en su vida ordinaria. Las durísimas condiciones por las que tuvieron que pasar les han dejado huellas quizá irreversibles. Durante el resto de la película veremos a los tres protagonistas principales de la historia -un médico, una joven profesora de educación física divorciada y un muchacho a quien ni siquiera admiten en su antiguo trabajo-, pasar por momentos críticos que no podrán superar por sí mismos. Después de haber padecido aquel infierno, son incapaces de comprender la insensibilidad que les rodea ¿Cómo es posible que la gente ande preocupada por tales nimiedades? Comparada con la realidad de la guerra, la vida relajada en Estados Unidos parece un sueño irreal e insolidario y asisten perplejos al vacío existencial en que transcurre la vida de muchos compatriotas. Se podría decir que su escala de valores ha sufrido un dramático vuelco.

En tierra hostil retrata adecuadamente el horror de la guerra y sus secuelas, así como el valor de la amistad, la solidaridad, la comprensión y la familia, a la par que critica duramente el individualismo estéril de la vida en occidente. Le sobra la habitual escena sensual que ni viene a cuento, ni aporta nada, ni resulta creíble como terapia.

Ficha completa de la película en decine21.com.

APOCALYPTO (2006). Mel Gibson.

Dirigida por Mel Gibson, responsable también del guión junto a Farhad Safinia, el filme entremezcla acción y aventura en una durísima historia basada en los turbulentos últimos tiempos de la civilización maya.

Cuando su existencia se ve brutalmente interrumpida por una violenta invasión de guerreros mayas, en la que gran parte de su pequeño poblado es exterminado o secuestrado, Garra de Jaguar se ve arrastrado a un viaje hacia un mundo dominado por el miedo, la crueldad y la opresión. Gracias a un giro del destino y estimulado por el amor a su esposa encinta e hijo, este joven realizará lo imposible por regresar a su hogar.

Apocalypto es una película muy dura, con escenas escabrosas, violentas y difíciles de digerir. Además, está rodada en lengua indígena y sólo está disponible en versión original subtitulada. Estas dos cuestiones restringen bastante el abanico de posibles destinatarios de la película. Sabiendo esto, habrá muchos espectadores que decidan pasar página y dedicar su tiempo a otra historia más amable. Ahora bien, quien decida seguir adelante y se enfrente a esta original e inclasificable obra de Gibson, seguro que no quedará defraudado y sí tremendamente impactado por la fuerza de las imágenes y de la historia. Una oportunidad única de sumergirnos en lo que pudo haber sido la vida cotidiana de los pueblos indíginas en medio de una naturaleza en estado puro.

Después de La Pasión -antes con Braveheart o El patriota-, quedó claro que Gibson es un personaje singular, con las ideas bastante claras y nada dispuesto a plegarse ante la dictadura de lo políticamente correcto. Aquí echa por tierra el mito de la idílica civilización maya, a contracorriente de quienes deploran que unos bárbaros venidos del otro lado del océano acabaran con un pueblo exquisito y modélico. Por el contrario, lo que se nos muestra es un pueblo cruel, supersticioso, soberbio e inhumano hasta extremos increíbles. Tratan a sus semejantes peor que si fueran animales y disfrutan con la tortura como espectáculo de masas.

Todo esto lo envuelve Gibson en un espectáculo visual de gran calidad. Los parajes naturales y la fotografía son espléndidas, hasta el punto de preguntarse uno cómo es posible que semejante paraíso esconda tanta crueldad y terror. El ritmo es frenético y la acción no decae en ningún momento, acompañado por una banda sonora perfectamente engarzada. Los actores desconocidos dan una gran verosimilitud a la historia, acrecentada con el rodaje en lengua nativa.

Después de ver la película queda la sensación de que, una vez más se constata que toda civilización, por grande y poderosa que sea, cuando pierde el norte y deja de guiarse por unas referencias éticas claras e incuestionables, contrae el germen de su propia destrucción. Muchas estructuras de poder y sociales son fagocitadas por ellas mismas. Vista en esta clave, la película parece un aviso a navegantes.

Por lo demás, Apocalypto es un testimonio más sobre la fuerza del amor conyugal y familiar -unos de los pocos valores por los que merece la pena luchar hasta el final-, sobre el instinto religioso tan fuertemente arraigado en la naturaleza humana y el sinsentido de la vilolencia y de la lucha del hombre contra hombre.

Para saber más: Contraste Audiovisual y Decine21.

Año de producción: 2006. Dirección: Mel Gibson. Intérpretes: Rudy Youngblood y Dalia Hernández. Duración: 139 mn. Público: Adultos. Género: Drama, Acción.

KANAL. Andrzej Wajda. Bélico.

Kanal es una historia bastante dura, que se desarrolla en gran parte bajo el suelo de Varsovia, en las cloacas que recorren la ciudad, de ahí el título. Está dirigida por Andrzej Wajda y se enmarca en una especie de cine para el recuerdo y contra el olvido.

La película se estrenó en 1957, con los acontecimientos que narra todavía próximos. Estamos en plena II Guerra Mundial con Varsovia a punto de caer definitivamente en manos de los nazis. Distintas panorámicas nos ofrecen una visión desolada de la ciudad. Ruinas, gente vagando sin rumbo, sin esperanza, enajenada, perdida... Este es el contexto de nuestra película y sus protagonistas un grupo de resistentes que, asediados por el enemigo decide huir a través de canales subterráneos. En realidad las cloacas por las que discurren los desperdicios de una ciudad aniquilada. La situación allí dentro es tan terrible, que ni los alemanes se atreven a entrar.

La atmófera de la película es opresiva, desgarrada, inhumana, sin esperanza. Desde el primer momento conocemos que el final será trágico, pero a pesar de ello se sigue con interés. De hecho viene bien recordar de vez en cuando adonde pueden conducir las utopías despojadas de trascendencia, con el hombre jugando a ser dios y arquitecto del universo; sin referencias ancladas en el derecho natural, negando la verdad y la capacidad de la razón para alcanzarla. Aunque el terror de la guerra, y más concretamente de la última Gran Guerra ha sido llevado al cine hasta la saciedad, esta cinta tiene la originalidad de darnos una visión poco frecuente: la de la insurgencia polaca que no se resiste a la pérdida de libertad que supone la invasión de Polonia por los alemanes.

Andrzej Wajda está considerado el gran maestro del cine polaco y esta película no sólo es fruto de su talento cinematográfico, también es consecuencia de su experiencia personal, pues él mismo luchó en la resistencia. Si desde el punto de vista formal y testimonial pocos reparos pueden ponerse a Kanal, Premio Especial del Jurado en Cannes 1957, no acaba de convencerme el pesimismo y la falta de esperanza que transpira la historia. Los protagonistas, a pesar de su indudable actitud heróica, dejan traslucir una ciereta amoralidad en sus comportamientos, como si se dijeran comamos y bebamos que mañana moriremos. Probablemente esto sea consecuencia de un planteamiento marxista de la existencia que, por cierto, parece que el director abandonó con posterioridad.

Actualmente podemos disfrutar en los cines de otra estupenda película -quizá una de los mejores estrenos de 2009- de este anciano maestro, Katyn, otro testimonio sobre la masacre polaca en la II Guerra Mundial. Está claro que hay experiencias que marcan para siempre la vida de los hombres.

Año de producción: 1957. País: Polonia. Director: Andrzej Wajda. Público apropiado: adultos. Género: Bélico. Duración: 91 minutos.

DIAMANTE DE SANGRE. Edward Zwick. Bélico.

Danny Archer (Leonardo DiCaprio) es un ex - mercenario de Zimbaue, y Solomon Vandy (Djimon Hounsou), un pescador Mende. Ambos son africanos, pero sus historias y circunstancias completamente diferentes. A pesar de ello sus destinos se unen cuando, por motivos muy diferentes, se embarcan en la aventura de recuperar un extraño diamante rosa, una piedra preciosa que puede cambiar una vida... o acabar con ella para siempre.

Todo sucede durante el caos de la guerra civil que se desató en Sierra Leona en la década de los 90 del siglo pasado. Solomon fue arrebatado de su familia y forzado a trabajar en los campos de diamantes. Un día encuentra una piedra preciosa extraordinaria y la esconde, asumiendo el riesgo que ello implica. Archer se gana la vida intercambiando diamantes por armas. Cuando ambos coinciden en la cárcel, Archer se entera de la existencia del diamante escondido por Solomon. Él sabe de sobra que semejante piedra sólo se encuentra una vez en la vida, y que su valor podría permitirle salir de África y alejarse del círculo de violencia y corrupción en que está involucrado.

Maddy Bowen (Jennifer Connelly), es una periodista norteamericana que está en Sierra Leona investigando el comercio ilegal de diamantes y buscando afanosamente las pruebas que le permitan poner al descubierto la complicidad de los líderes de esta industria. Piensa que son gente sin escrúpulos, que lo único que les interesa es el dinero y no les importa lo más mínimo que sus beneficios sean a costa de sangre inocente. Maddy busca a Archer como fuente de información para escribir su artículo. Sin embargo, se da cuenta de que Archer la necesita a ella más que ella lo necesita a él.

Con la ayuda de Maddy, Archer y Solomon emprenden una peligrosa travesía a través del territorio rebelde. El mercenario va en busca de la preciada piedra con la que piensa hacer un buen negocio, mientras que a Solomon, lo que realmente le importa es recuperar a su hijo, secuestrado por la cruel guerrilla.

Diamante de Sangre condensa diversos géneros cinematográficos, pues podría responder perfectamente a la etiqueta "bélica", pero tampoco desentonaría como película de aventuras, de denuncia social o de acción. Gracias a esto, y a la habilidad del director para engarzar la trama, la película tiene un ritmo trepidante que no decae en ningún momento. Está muy bien interpretada y los temas de fondo son interesantes. Este es el caso del comercio ilegal de diamantes, la brutalidad de quienes utilizan niños soldado en beneficio propio, la fuerza del amor conyugal y de un padre hacia sus hijos, o las posibilidades de redención en medio de la miseria humana.

Aunque tiene algunos momentos realmente violentos, y el final puede no ser del agrado de todo el público, el balance es positivo y abierto a la esperanza en la condición humana. Si el propósito del director era utilizar el impacto de la imagen para denuciar situaciones intolerables, creemos que lo ha conseguido más que de sobra.

Dirección: Edward Zwick. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Djimon Hounsou y Jennifer Connelly. Duración: 143 minutos. Género: Bélico. Público apropiado: Adultos. Más información: decine21

LA VIDA DE LOS OTROS -Florian Henckel von Donnersmarck-

DRAMA (2006)

El capitán Gerd Wiesler es un oficial extremadamente comprometido de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista en la antigua República "Democrática" Alemana. Pero cuando en 1984 le encomiendan que espíe al prestigioso escritor Georg Dreyman y a su novia, la popular actriz Christa-Maria Sieland, no sabe hasta qué punto esa misión marcará su vida para siempre.

Antes de nada, comentar que se trata de una película bastante dura, sólo apta para un público bien formado. Dejando clara esta cuestión, tenemos que decir que estamos ante una obra absolutamente recomendable, que puede dar mucho juego como retrato de una época felizmente pasada y del grado de miseria y grandeza que puede albergar un mismo corazón humano.

El alemán Florian Henkel von Donnersmarck hace un concienzudo retrato de lo que fue el socialismo real en el día a día de millones de ciudadanos, que tuvieron la "suerte" de vivir en el paraíso terrenal creado tras el muro. Muestra la profunda corrupción y mentira del socialismo, que desprecia a la persona e instaura un régimen de terror cuyo fruto es el miedo permanente y, a la postre, el deterioro del alma humana. Sin embargo, la película es esperanzadora pues, como declaró el propio director: "Por encima de todo, la vida de los otros es una película sobre la capacidad de los seres humanos para hacer lo correcto, sin que importe lo lejos que se hayan adentrado por el sendero equivocado".

La recreación de Berlín Oriental es excelente: calles, vehículos, interiores, tristeza, oscuridad, ... Y en cuanto a las interpretaciones, sencillamente impecables, destacando Ulrich Mühe y Martina Gedeck.

Director: Florian Henckel von Donnersmarck. Año de producción: 2006. Género: Drama. Principales intérpretes: Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch. Público Adecuado: Adultos.

Palmarés: Oscar a la mejor película en habla no inglesa; Mejor película, Mejor actor y Mejor guión en los Premios del Cine Europeo 2006; Premio Alfa y Omega a la mejor película extranjera; Nominada al Globo de Oro como mejor película en habla no inglesa; Premio BAFTA a la mejor película en habla no inglesa; Mejor película 2006 para la Asociación de Críticos de Los Angeles; Premio del público en los festivales de Rotterdam, Vancouver, Montreal, Zagreb, Copenhage, Locarno, Warsaw ...; Giraldillo de Plata en Festival de Sevilla; ...

BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE -George Clooney-

CINE (2005)

La película se sitúa en la Norteamérica de los años 50, en los comienzos del periodismo televisivo. Es una historia real basada en las disputas de un reputado presentador de la CBS, Eward R. Murrow (David Strathaim), y el senador McCarthy y su cruzada contra el comunismo, situándose en la etapa final del McCarthysmo.

Murrow hizo famosa la frase "buenas noches, y buena suerte", con la que despedía su programa de televisión en el que abordaba temas de actualidad. Cloney, con el fin de dotar de verosimilitud a la historia, le ha dado un aspecto formal de documental, donde destacan la estupenda fotografía en blanco y negro y el magnífico reparto. La obra, de indudable mérito en su conjunto, obtuvo seis nominaciones a los Oscar y recibió el premio al mejor actor y guión en el Festival de Venecia.

En un país sacudido por la acción de la Comisión de Actividades Antiamericanas, que intentaba desenmascarar a comunistas infiltrados en la sociedad y enemigos de los Estados Unidos, Murrow jugó un papel decisivo para acabar con ella. La película homenajea a un hombre que encarnó la esencia del auténtico periodismo y su insustituible función social denunciando injusticias y defendiendo la dignidad de la persona. También evidencia que la televisión, en sí misma, no es algo denostable, ya que utilizada con responsabilidad puede contribuir de forma importante al bien de la sociedad humana.

Género: Drama. Año de producción: 2005. Dirección: George Clooney. Principales intérpretes: David Strathaim, Robert Downey Jr., George Clooney. Público adecuado: Adultos.

Otras películas dirigidas por Clooney, igualmente recomendables:

• Ella es el partido (2008): buena comedia romántica, apta para jóvenes, interpretada por él mismo junto a Renée Zellweger.

LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC -Richard Brooks-

DRAMA (1958)

Un rico terrateniente, tras un reconocimiento médico que augura lo peor, reune a la familia para celebrar su cumpleaños. El encuentro hace que afloren toda una serie de tensiones acumuladas durante años. Viejas rencillas, agravios reales o imaginados, envidias y ambiciones, enturbian la reunión familiar y sacan a relucir los débiles fundamentos que la sustentan.

Valga esta reseña como pequeño homenaje a Paul Newman, principal protagonista de la historia junto a Elizabeth Taylor. Ambos encarnan magistralmente a un joven matrimonio en crisis, Brick y Maggie. Su trabajo fue justamente reconocido con sendas nominaciones al Óscar -la película contó con un total de seis- y el duelo interpretativo que mantienen figura, con mérito propio, en los anales de la historia del cine.

Dirigida por Richard Brooks, está basada en una obra del dramaturgo Tennessee Williams y retrata con tino las consecuencias de la codicia en una familia adinerada. Destaca por sus buenas interpretaciones y diálogos.

Paul Newman (1925-2008), ha sido uno de los actores más grandes y admirados de la historia del cine (seis nominaciones al Óscar, Óscar honorífico en 1985 y al mejor actor en 1986 por su papel en El color del dinero). Auténtica estrella del firmamento cinematográfico, también ejerció con acierto como guionista, director y productor. No obstante, su vida no giró exclusivamente en torno al séptimo arte, pues fue un padre de familia ejemplar, hombre de gran conciencia y compromiso social activo, así como deportista consumado; dueño de una escudería de competición automovilística, llegó a pilotar en las míticas 24 horas de Lemans.

En su dilatada carrera, protagonizó películas tan emblemáticas como El largo y cálido verano, Éxodo, El buscavidas, Dulce pájaro de juventud, El premio, Harper investigador privado, Cortina rasgada, La leyenda del indomable, El golpe, El coloso en llamas, Con el agua al cuello, Veredicto final, El color del dinero o Camino a la perdición.

Género: Drama. Año: 1958. Director: Richard Brooks. Principales intérpretes: Elizabeth Taylor y Paul Newman. Público apropiado: Adultos.

MEMORIAS DE CHINA

CINE.
2004.
Meng ying tong nian.
Jiang Xiao.

Adultos. Drama.

En Pekín, se produce un encuentro accidentado y fortuito entre dos jóvenes, chico y chica, que desencadenará todo un flujo de recuerdos en los que el cine cobra un especial protagonismo.

Podría afirmarse que estamos ante un Cinema Paradiso a la china, pues el argumento parece un mero pretexto para hacer un recorrido por la historia del cine chino.

La película es "bonita" y agradable de ver, manteniendo el interés a lo largo de todo su desarrollo. Hay un poco de todo: drama, melodrama, historia, romance y nostalgia, mucha nostalgia hacia una época, ya pasada, en la que el cine tenía algo mágico y permitía escapar de la mediocridad de lo cotidiano.

No es una obra maestra, pero se pasa un buen rato, al tiempo que nos adentramos con curiosidad e interés en un país fascinante, misterioso y sufrido.