EL NOVENO DÍA (2004). Volker Schlöndorff. Drama. Jóvenes. ***. DVD.

Un ambicioso teniente de la Gestapo, que fue seminarista, hace salir al padre Kremer del campo de Dachau con el pretexto de permitirle acudir al cementerio a despedirse de su madre recién fallecida, pero realmente lo que quiere es que en el plazo de 9 días el sacerdote sea capaz de convencer al obispo de Luxemburgo, para que firme un comunicado que justifique la ocupación alemana. La amenaza es grave: si no lo consigue, su familia y sus compañeros de barracón pueden ser eliminados, pero si el obispo acepta, Kremer no deberá regresar al campo de concentración, su familia podrá abandonar el país y sus compañeros sacerdotes mejorarán sus condiciones de vida. Fila Siete.

El Noveno día es, ante todo, una película intimista, un ejercicio intelectual para entrar en la mente de los personajes y descubrir el juego de la conciencia. Gustará mucho a quien sepa entrar en esta dinámica. Salvo en determinados pasajes, se buscan los escenarios de interior y una fotografía fría que permitan centrarse en el duelo entre el sacerdote católico y el ideólogo nazi. No es lenta, pero la carga se encuentra sobre todo en las conversaciones, en diálogos con contenido. No se busca tanto la personalidad como las ideas. TELEVIDEO familiar.

La figura sacerdotal más impresionante que en los últimos años ha aparecido en la gran pantalla es, sin duda, el luxemburgués Henri Kremer, el protagonista de «El noveno día» (2004) de Volker Schlöndorff. El filme narra un hecho absolutamente fuera de lo común: el presbítero -que en realidad se llamaba Jean Bernard- pudo salir en febrero de 1942 del campo de concentración de Dachau; le dieron un permiso de diez días para asistir al entierro de su madre. Según recoge en sus recuerdos, la vida de los otros sacerdotes prisioneros en el campo dependía de su decisión de regresar voluntariamente tras esas vacaciones. La idea de que con ese permiso, la Gestapo buscaba «reeducarlo» para conseguir un éxito de propaganda -así suponía el sacerdote- proporciona la base para desarrollar el guión. El recurso que aplican los guionistas Eberhard Görner y Andreas Pflüger -hacer del jefe de la Gestapo en Luxemburgo un antiguo seminarista que, poco antes de la ordenación, dejó la religión católica para abrazar la ideología nazi- permite introducir el debate teológico que se encuentra en el centro del filme. Henri Kremer resiste a las sutiles tentaciones del nazi. Acerca de esto, el director Schlöndorff comentaba en una entrevista con el autor de estas líneas: «El film es la historia de una tentación; el sacerdote sabe desde un primer momento lo que es correcto y lo que no lo es; pero no sabe si tendrá las suficientes fuerzas». CINEMANET.

Más información en Decine21.

ESTO ES RITMO (2004). Thomas Grube y Enrique Sánchez Lansch. Documental. Jóvenes. ***

Durante el año 2003 la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por el inglés Sir Simon Rattle, puso por obra un proyecto ambicioso, enmarcado en el ámbito de una nueva e interesante iniciativa del Zukunft@BPhi, cuyo objetivo es acercar la música a gente de todas las edades y ambientes culturales. La conjunción de música clásica y danza es el elemento clave para implicar a un grupo de jóvenes socialmente conflictivos y conseguir objetivos pedagógicos reales, visibles. los realizadores Sánchez Lansch y Grube, ambos documentalistas apasionados por la música, deciden plasmar cinematográficamente la experiencia. La realización transciende los géneros y el resultado es una mezcla acertada de documental, ficción y musical. Fila Siete.

Los coreógrafos saben que la raíz de todo está en la educación. Logran transmitir la importancia de la disciplina, el orden, el esfuerzo, la necesidad del silencio, la cooperación. Gracias a ellos, el documental adquiere verdadera intensidad y profundidad. Sin clichés, ofrecen una interesante visión de la educación. TELEVIDEO familiar.

El documental, dirigido por Thomas Grube y Enrique Sánchez Lansch, es eminentemente didáctico y, al margen de lo que se pueda pensar, es muy poco espectacular, e incluso en el aspecto puramente técnico resulta algo plano. Porque el verdadero espectáculo -su fuerza- es el valor educativo del inaudito proyecto, algo muy original y de una extraordinaria audacia. Decine21.

HOTEL RWANDA (2004). Terry George. Drama. Jóvenes. ****

1994, guerra civil en Ruanda. El odio ancestral entre los hutus (la etnia dominante) y los tutsis provoca el asesinato del presidente del país, disturbios en las calles y, finalmente, la terrible matanza de tutsis a manos de hutus. Paul Rusesabagina, que es hutu, trabaja como gerente de un hotel de Kigali y, cuando empiezan los disturbios, decide que el mejor refugio es precisamente el hotel. Respetado por su generosidad, su carisma, y don de gentes, se ve involucrado en el transcurso de los acontecimientos cuando su propia familia resulta amenazada -su mujer es tutsi-. Hombre hábil y audaz, logra sortear los primeros obstáculos a base de sobornos, con la esperanza de que las fuerzas internacionales llegarán pronto y evitarán el genocidio. Sin embargo, la situación se complica por momentos y se hace irrespirable. Paul, logra proteger a los suyos en el hotel, al que empiezan a llegar miles de personas pidiendo auxilio y a las que no puede rechazar.

Terry George no se regodea en lo macabro y muestra lo justo para remover la conciencia del espectador. Mirada pudorosa pero también denunciatoria de una sociedad que se mueve sólo por el beneficio que pueda obtener: ahí está la corrupción de las autoridades internacionales o de los propios mandatarios ruandeses, y de la que se “sirve” el protagonista para ganarse “aliados” ante futuros problemas o para salvar más de una vida. Menos mal que todavía hay héroes –y de carne y hueso, no como los Increíbles–, gentes dispuestas a hacer lo imposible, incluso a dar la vida, para salvar otras. Uno de ésos –no el único– es Paul Rusesabagina. La Butaca.

Con más de cincuenta películas a sus espaldas, el afroamericano actor de Missouri, Don Cheadle, da vida a un héroe tan sencillo como conmovedor, ofreciendo probablemente la mejor interpretación de su carrera. Su personaje es un testimonio de la bondad que todo hombre desea para su vida. El film apunta la religiosidad del protagonista, subraya el cariño que tiene a su familia, y revela su amor al trabajo bien hecho y su inquebrantable solidaridad con todos. Alfa y Omega.

Fuentes: FilmAffinity, La Butaca,  Wikipedia y Alfa y Omega.

COLLATERAL (2004). Michael Mann. Thriller. Jóvenes. ***. DVD.

Vincent (Tom Cruise) es un frío y calculador asesino a sueldo, que siempre va a por todas. Elegante, apuesto, educado, de trato agradable... siempre que, claro está, no te interpongas en su camino. Cuando un cartel de narcotraficantes se entera de que van a ser acusados por un Gran Jurado, urden un plan para identificar y matar a los testigos principales esta misma noche. Vincent ha llegado a Los Ángeles... y habrá víctimas.

Max (Jamie Foxx) es taxista, buen profesional, honesto, que sueña con comprarse un Mercedes y crear su propia empresa de alquiler de vehículos para llevar a celebridades y hombres de negocios. Sin embargo,  parece que su sueño tarda en cumplirse; son ya muchos los años que lleva atado al volante de un taxi corriente, en turno de noche, sin seguro médico y sin derecho a pensión.

Tras doce años circulando por Los Ángeles, las calles de esta gran ciudad ya no guardan ningún secreo para él; las caras van y vienen por el espejo retrovisor, tanta gente y tantos lugares que pasan al olvido... hasta esta noche. Una serie de circunstancias hace que Vincent secuestre el taxi de Max, lo que convierte a su víctima en colateral, en otras palabras, en desechablen simplemente por estar en el sitio inoportuno en el momento inoportuno. Perseguidos por la policía de Los Ángeles y por el FBI, Max y Vincent acabarán dependiendo el uno del otro para sobrevivir. En esta noche fatídica, Max deberá llevar a Vincent a su próximo trabajo: una noche, cinco paradas, cinco golpes y una salida. Ajeno, en un principio, a los propósitos de éste, pronto descubrirá la terrible realidad de la que se hace partícipe. Con temperamentos y visiones de la vida radicalmente distintos, emprenden un viaje hacia la noche...

Dirigida por Michael Mann, con un ritmo endiablado, sin respiro, y una tensión que crece por momentos, seguimos a esta peculiar pareja a través del espectacular paisaje nocturno de Los Ángeles, una ciudad que nunca duerme. Inmensa, dispersa, llena de luces y de sombras. Una historia, bien contada, sobre el modo en que un encuentro fortuito entre dos personas puede cambiar sus vidas; también sobre las consecuencias de sucumbir a la tentación del dinero fácil con el que escapar de la monotonía cotidiana.

En general fue muy bien recibida por la crítica, considerándola como un buen thriller, de factura clásica -aunque con la tecnología de hoy-, lleno de acción y belleza.

Como curiosidades, decir que cuenta con la participación, en un pequeño papel, de Javier Bardem y que obtuvo dos nominaciones a los Oscar (Mejor actor de reparto -Jamie Fox- y Montaje) y una al Globo de Oro (Jamie Fox).

Fuentes: Decine21, FilmAffinity, Cine Fórum 2005 (CIE Dossat).

DESCUBRIENDO NUNCA JAMÁS (2004). Marc Forster. Drama. Jóvenes. ***

Johnny Depp (Piratas del Caribe), Kate Winslet (Titanic), Dustin Hoffman (Rain Man) y Julie Christie (Dr. Zhivago), protagonizan la historia de un hombre que despertó la imaginación del mundo y la de aquellos que la inspiraron. Descubriendo Nunca Jamás es una mirada al particular universo creado por James M. Barrie para dar vida al clásico "Peter Pan"... desde su primera visión hasta el estreno de la obra en el Teatro Duke of York de Londres, a comienzos del siglo veinte. Una noche que cambió no solo la vida de Barrie, sino la de todos aquellos cercanos a él.

Sensible y elegante aproximación a la vida del escritor escocés James M. Barrie. Para ser exactos, a las circunstancias que desencadenaron en él el proceso creativo de Peter Pan. Una obra imperecedera de la literatura universal, concebida como pieza teatral revolucionaria y arriesgada, que apelaba al niño que todos llevamos dentro. Muy bien interpretada, con una fotografía deliciosa y una planificación a la altura de la los requerimientos de la historia, consigue la complicidad del espectador, que disfruta con las andanzas de Barrie y la familia Llewelyn Davies, de sus risas y sus llantos.

En esta afortunada adaptación de David Magee, Marc Forster no renuncia a plantear cuestiones de fondo de enorme calado, como las exigencias de la vida matrimonial y las circunstancias que pueden llevar a su ruptura, los vaivenes del proceso creativo, la solidaridad, las habradurías, la necesidad de la figura paterna, la amistad o la riqueza de la mirada infantil. Sin embargo, parece eludir el tema de la responsabilidad, justificando, de algún modo, el recurso a la imaginación en lugar de afrontar a los problemas.

Más información en decine21.

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN. Alfonso Cuarón. Fantasía de aventuras

Tercera entrega de Harry Potter, esta vez dirigida por Alfonso Cuarón (La princesita, Hijos de los hombres). Basada en la novela de J.K. Rowling, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, comienza al final del verano, cuando Harry debe regresar a Hogwarts, después de haber pasado las vacaciones en casa de sus tíos, los Dursley. La aventura se inicia cuando, harto de las impertinencias de la tía Marge, le hace un conjuro y la insoportable señora se infla como un globo, elevándose al cielo ante la mirada atónita del resto de la familia. Descontento consigo mismo -ha infringido las reglas que prohiben hacer magia en casa- y con el poco cariño que recibe de sus tíos y primo, huye de casa en plena noche.  Vaga desorientado hasta que es capturado por el Autobús Noctámbulo y llevado al pub del Caldero Chorreante, donde el Ministro de la Magia, Cornelius Funge, decide juzgarlo por utilizar la magia fuera del colegio. La única razón por la que Funge no expulsa a Harry es que un peligroso y enigmático mago, Sirius Black, se ha escapado de la Prisión de Azkaban y se cree que está buscando al muchacho para saldar una vieja cuenta. Para complicar las cosas un poco más, Hogwarts está rodeada por los aterradores guardas de Azkaban, los Dementores, que andan tras los pasos Sirius.  Estas criaturas espectrales y siniestras absorben las almas de sus presas y, desgraciadamente, Harry parece provocar una irresistible e inexplicable atracción de los guardianes.

El tercer año de Harry en Hogwarts está lleno de nuevos y fascinantes personajes como Buckbeak, una criatura mágica mitad pájaro y mitad caballo llamada Hipogrifo; misteriosos encuentros con el presagio de la muerte conocido como el Grim; e impresionantes aventuras, incluidas las visitas clandestinas al pueblo de magos de Hogsmeade, descifrando secretos ocultos en un encantado Mapa del Merodeador, y un viaje aterrador a la Casa de los Gritos.

Protagonizada por Daniel Radcliffe (Harry Potter), Emma Watson (Hermione Granger), Rupert GrintGary Oldman (Sirius Black) y Michael Gambon (Albus Dumbledore), Harry Potter y el prisionero de Azkaban vuelve a sumergirnos en el mágico mundo del mago más famoso del mundo.

No decepciona esta nueva aventura del aprendiz de mago. Volvemos a encontrar los ingredientes habituales de la saga: imaginación desbordante, fantasía, magia, personajes singulares, criaturas extraordinarias y siniestras, miedo y humor. El diseño de producción está a la deslumbrante altura acostumbrada y el ritmo no decae en ningún momento, manteniendo el interés durante todo el metraje, sin que falten giros inesperados y sorpresas que afiancen la atención. También el reparto, plagado de estrellas, está a la altura de las circunstancias.

Durante este curso Harry tendrá que enfrentarse a un poderoso enemigo que habita dentro de sí mismo: el miedo y la imaginación descontrolada. Tras superar nuveas pruebas, su personalidad irá madurando y preparándose hacia nuevos retos. También sus amigos van experimentando los cambios fruto de la entrada en la adolescencia. Así vemos a Hermione aventajando en madurez a sus condiscípulos y a Ron asistir al despertar de un sentimiento hacie ella que va más allá de la simple amistad. Precisamente, vuelve a ser ésta el gran tema de la película, pues gracias a ella los protagonistas podrán afrontar con éxito nuevos retos. También los buenos maestros juegan un papel fundamental en este sentido, destacando el profesor Lupin.

Año de producción: 2004. Dirección: Alfonso Cuarón. Intérpretes: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Gary Oldman, Michael Gambon, Emma Thompson, Julie Christie y David Thewlis. Público: Todos-jóvenes. Género: Aventuras, Fantástico. Duración: 141 minutos.

EL HUNDIMIENTO

Der Untergang

Oliver Hirschbiegel

DRAMA HISTÓRICO

Ejemplar recreación histórica de los últimos días de Hitler

Berlín, abril de 1945. Una encarnizada batalla se libra en las calles de la capital. Hitler y su círculo de confianza se han atrincherado en el búnker del Führer. Entre ellos se encuentra Traudl Junge, su secretaria personal.

A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, el Führer se niega a abandonar la ciudad. Mientras el sangriento peso de la guerra cae sobre sus últimos defensores, Hitler prepara su despedida final.

Horas antes de suicidarse juntos, él y Eva Braun contraen matrimonio. Sus cadáveres deben ser incinerados para que no caigan en manos del enemigo. Muchos otros optan igualmente por el suicidio. Cuando la situación se hace insostenible, Magda Goebbels envenena a sus seis hijos y seguidamente su esposo y ella se quitan la vida. Poco después, Traudl Junge y otros supervivientes consiguen escapar en el último momento...

La película está basada en un libro del historiador Joachin Fest y en el propio testimonio de Traudl Junge quien, por cierto, aparece al comienzo y al final de la cinta dándole, si cabe, mayor verosimilitud a la historia. Asistimos a un testimonio espeluznante de lo que fue, o pudo haber sido, la vida en torno al Führer en los momentos finales de su vida. La interpretación de Bruno Ganz es sobresaliente y el retrato del Berlín asediado y desolado antes de su caída definitiva pone los pelos de punta. Vemos a un Hitler totalmente ajeno a la realidad de su fracaso, que tarda en asimilar la derrota, y a quienes le rodean que no saben, no quieren, o no tienen valor suficiente para enfrentársele. Cuesta imaginar que una persona con tal grado de desequilibrio y crueldad haya podido arrastrar a millones en una empresa de aterradora inhumanidad. Sin embargo, la realidad es tozuda y no es infrecuente contemplar, hoy día, cómo miles de personas se dejan seducir por personajes populistas creídos de su mesianismo. Ocurre que, normalmente, este tipo de líderes suelen ser personalidades complejas con facetas de indudable atractivo. Concretamente, en esta película, vemos a un Hitler sumamente atento con sus más íntimos, desplegando un trato exquisito con la propia Junge.

La película es magnífica y consigue atrapar al espectador a pesar de conocerse de antemano su trágico desenlace. Para ello se emplean los recursos del lenguaje cinematográfico de forma magistral, logrando un producto redondo e impactante en su aspecto formal. Pero más importante aún es su mensaje de fondo: cuando el hombre juega a ser dios, siembra un germen de destrucción de consecuencias proporcionadas al alcance de sus delirios; cuando la vida se reduce a un mero juego indivudualista de poder, vanidad y sensualidad, acaba sumiendo en la desesperación más siniestra.

Año de producción: 2004. País: Alemania, Austria e Italia. Director: Oliver Hirschbiegel. Principales intérepretes: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Ulrich Matthes. Público apropiado: Jóvenes. Género: Drama Histórico. Leer crítica en decine21.com.

LAS LLAVES DE CASA

Le Chavi di casa

Gianni Amelio

DRAMA

Víctima de un parto traumático Paolo tiene una minusvalía física y mental, y debe viajar a un hospital especial en Berlín para seguir un tratamiento. Gianni, su padre, decide acompañarlo con la esperanza de conocer al hijo que abandonó al nacer hace quince años. Allí se topa con Nicole, una mujer de carácter que ha dedicado su vida por completo al cuidado de su hija, también discapacitada. A través de sus conversaciones, Nicole ayuda a Gianni a tomar conciencia de lo que ha sido su vida hasta el momento y a superar la culpa de haber abandonado a Paolo. Así dará comienzo un relación paterno-filial profundamente enriquecedora para ambos, encontrando felicidad donde aparentemente sólo debería haber dolor y frustración.

Gianni Amelio realiza una adaptación muy personal y hermosa de la novela Nacido dos veces de Giuseppe Pontiggia.

Aunque la película es de ritmo premioso y su puesta en escena se nos antoja algo fría, hay que alabar el esfuerzo del director por acercarnos con honestidad al drama del dolor y la deficiencia física y mental. Lejos de lo políticamente correcto, muestra la grandeza y dignidad de la persona deficiente, el valor del sufrimiento por amor y la riqueza de la relación paterno-fililial. No oculta el sufrimiento que provoca en la familia, ni carga las tintas en la cobardía del padre que no acepta la enfermedad del hijo y prefiere huir. Humanamente hablando, resulta comprensible rebelarse cuando las cosas no salen como uno había previsto. Sin embargo, en Las llaves de casa queda claro que escapar, no querer ver ni afrontar lo que desagrada, paradójicamente, no hace más feliz a Gianni. En la vida, de ordinario, la contradicción es moneda corriente y cuando no está presente permanece agazapada, dispuesta a salir inoportunamente. Por eso, precisamente, todo proceso de maduración personal debe incluir esta asignatura y conviene aprobarla con nota, so pena de vivir en una permanente ansiedad, angustia y descontento.

Y de Paolo, ¿qué podemos decir? Pues que, a pesar de sus problemas de salud, es un ser humano en plenitud. Su persona muestra, a las claras, que nada se puede comparar a una vida humana, a su insondable riqueza y dignidad. Aunque sus condiciones personales requieren de un especial cuidado, no sólo recibe, también da amor y consuelo, erigiéndose en piedra de toque de la calidad humana de quienes le rodean. Sus limitaciones son ocasión de que los demás puedan mostrar lo mejor de sí mismos, sean generosos y al volcarse en su persona puedan gozar de ese pedacito de cielo en la tierra, que tanto se resiste cuando se busca directamente.

El personaje de Nicole muestra la importancia de una vida dedicada en exclusiva al cuidado del enfermo y de aceptar las propias responsabilidades. Juega un papel fundamental en la metamorfosis de Gianni gracias a su compromiso con la verdad. En sus conversaciones podría haber optado por una actitud cómoda. Para qué complicarse diciendo las verdades del barquero. Por el contrario, con delicadeza dice lo que piensa y el fruto llega. Era el empujón que necesitaba este padre inmaduro y cobarde para afrontar sus responsabilidades.

Año de producción: 2004. País: Italia. Dirección: Gianni Amelio. Principales intérpretes: Kim Rossi Stuart, Charlotte Rampling y Andrea Rossi. Público apropiado: jóvenes. Género: Drama. Más sobre la película en decine21.com

BEYOND THE SEA

KEVIN SPACEY
Drama biográfico y musical

Agradable acercamiento cinematográfico a la vida del cantante Bobby Darin, con una banda sonora sobresaliente, buenas interpretaciones y rodada con gusto, no exento de originalidad.

Kevin Spacey produce, dirige, escribe y protagoniza esta historia basada en la biografía del cantante Bobby Darin (Walden Robert Cassotto, 1936-1973). De origen humilde, criado en el Bronx y sin padre conocido, fue un ejemplo de tenacidad y empeño por conseguir una meta en la vida. Cuando siendo niño se le diagnostica una grave efermedad y se le dan pocos años de vida, no se rebela ni se recrea en su desgraciado destino. Por el contrario, con el apoyo de sus seres queridos, ¡qué importanes son la familia y la amistad para una vida plena!, se empeña en dar rienda suelta a su amor por la música y logra triunfar como cantante. Cosechó grandes éxitos como "Splish Splash," y "Mack the Knife", que le dieron fama mundial y se convirtieron en clásicos de siempre. Incluso fue candidato al Oscar por su papel secundario en El capitán Newman.

Kevin Spacey está magnífico delante de las cámaras, atreviéndose a cantar y bailar, encabezando un reparto sobresaliente. La joven actriz Kate Bosworth protagoniza a su esposa, la estrella de cine Sandra Dee, con la que estuvo casado hasta su muerte. Todo un ejemplo de triunfo del amor conyugal por encima de dificultades, incomprensiones y debilidades personales. Esta pareja se quiere y su cariño superará, no sin sacrificio, los momentos de oscuridad que toda vida lleva consigo. En este aspecto, hay momentos reveladores, como esa mirada esperanzada y feliz del hijo cuando ve a sus padres tratarse con cariño.

Hoy día se habla mucho de autoestima, pero me parece difícil lograrla si no sabemos quiénes somos, de dónde venimos y a dónde vamos. La forja de la identidad personal hunde sus raíces en la familia y un chico necesita la referencia paterna como sólido fundamento sobre el que asentar la suya propia.

El director podría haber cargado la mano en los aspectos duros de la historia, pero ha sabido mostrarlos sin quebrar un tono decididamente positivo ("con la verdad nunca te equivocas") y esperanzado.

Año: 2004. Director: Kevin Spacey. Principales intérpretes: Kevin spacey, Kate Bosworth, John Goodman, Bos Hoskins, Caroline Aaron. Público: Jóvenes. Género: drama, musical, biográfico. Leer crítica completa y mucha más información en decine21.com

A GOOD WOMAN

MIKE BARKER
COMEDIA

Helen Hunt, Scarlett Johansson y Tom Wilkinson, son los principales protagonistas de esta comedia dramática, basada en una obra de Oscar Wilde dirigida con atino por Mike Barker.

Robert y Meg son dos recién casados de la alta sociedad neoyorkina que pasan sus vacaciones en la riviera italiana. Una vez instalados en una cómoda mansión situada en un espléndido paraje, su relación encontrará un inesperado obstáculo: La Sra. Erlynne, una atractiva mujer de muy dudosa reputación. Tras un encuentro casual entre ella y Robert, éste comienza a entregarle cuantiosos cheques y Meg, "caritativamente" informada por un apuesto galán de no muy nobles intenciones, al igual que el resto de la alta sociedad, sospecha que los dos mantienen un romance. Sin embargo, el secreto que les une es inimaginable.

El guionista ha sabido captar el espíritu de la obra original, El abanico de Lady Windermere, trasladándolo a la preciosa costa amalfitana -Italia- en la década de los años 30. El diseño de producción es magnífico, con una fotografía y ambientación que, por sí solos, justifican la película. Pero la cosa no se queda en un simple envoltorio de lujo, además, los personajes, están muy bien retratados, quedando patente el ambiente de "noble" aburrimiento en que se desenvuelve la vida de estos seres privilegiados que, en el fondo no lo son tanto. Sus vidas transcurren vacías, sin otro entretenimiento que la observación de sus semejantes para tener de qué hablar en la reunión social. Sin embargo, en medio de esa pobreza moral, hay personas que saben comportarse con dignidad y generosidad, siendo capaces de captar el fondo precioso que puede esconderse tras esa aparente frivolidad.

Temas de interés: amor y matrimonio, confianza mutua y fidelidad conyugal; consecuencias de guiarse frívolamente por las apariencias, juzgando de forma inequívoca lo que son meras suposiciones; generosidad y perdón; ociosidad egoísta; los errores del pasado no condenan irremediablemente a una vida mezquina, hay sitio para la esperanza, nunca es demasiado tarde para cambiar de vida.

Recomendamos, para quien quiera conocer más datos de la película y leer una crítica certera, darse una vuelta por decine21.com y su potente red de enlaces.

Director: Mike Barker. Principales intérpretes: Helen Hunt, Tom Wilkinson y Scarlett Johansson. Año: 2004. Público apropiado: Jóvenes. Género: Comedia.

LA PASIÓN DE CRISTO

The Passion of the Christ.

Mel Gibson.
Drama.

Metidos de lleno en plena Semana Santa, viene bien recordar esta maravillosa película dirigida por Mel Gibson. En su momento, fue tachada de violenta por la misma "progresía" que alababa películas donde ésta era gratuita y un mero ejercicio de estilo. ¡Claro que la historia que nos cuenta es violenta!, como que se trata de la pasión y muerte de Jesucristo y que, por los datos que se conocen, fue de una crueldad inimaginable. Todo un Dios que se hace hombre para redimirnos y que, riesgos de la libertad, es rechazado y sometido a la muerte, y una muerte de cruz. No es violencia gratuita, es violencia que salva y redime, que habla a las claras del amor de Dios por sus criaturas y del valor redentor del sufrimiento, que dota de sentido al sin sentido. Merece la pena verla, sobre todo en esta época del calendario; para que no se nos olvide el alto precio de nuestra esperanza. Son palabras del propio Mel Gibson: "Pienso que nos hemos acostumbrado a ver preciosos crucifijos en las paredes, y hemos olvidado lo que pasó de verdad. Me refiero a que sabemos que Jesús fue azotado, que cargó con la cruz, que los clavos le traspasaron las manos y los pies, pero raramente pensamos en lo que eso significa" (decine21.com) .Lógicamente, quien no se crea capaz de aguantar el envite, por las circunstancias que sean, que se abstenga de verla, pero al menos, espero que el recordarla sirva de "despertador" de nuestra conciencia dormida.

Por otra parte, es de justicia destacar las enormes interpretaciones de James Caviezel y Maia Morgenstern, en los papeles de Jesús y María respectivamente. Su caracterización es tan natural y convincente, que son responsables, en gran medida, de la credibilidad y fuerza que despide la obra.

La Pasión de Cristo recrea las últimas doce horas de la vida de Jesús de Nazaret, desde el momento en que acude a orar al Huerto de los Olivos (Gesetmaní), tras la Última Cena, hasta que muere en la cruz en el Gólgota. Acompañaremos a Jesús en los pasos de su vía dolorosa: traicionado por Judas, acusado en falso ante el sanedrín, presentado ante Pilatos, Herodes y devuelto a Pilatos, azotado y, al fin, condenado a la muerte más ignominiosa, cargando con su propia cruz hasta el Calvario. Por el camino, su madre, traspasada de dolor, será el único apoyo humano cuando caiga extenuado y ya no pueda más ...

Temas de interés: Pasión y muerte de nuestro Señor Jesucristo; sentido redentor de la cruz y el sufrimiento; pecado y redención; cristianismo; vida eterna.

Valores: Amor de Dios (nadie tiene amor más grande que el que da la vida por sus amigos) ...

Críticas
"Los evangelios incluyen multitud de relatos, parábolas, milagros, enseñanzas, invectivas, viajes., en los que intervienen numerosos personajes. Dar unidad a todo, y presentarlo atractivo y creíble, no resulta sencillo. Y de pronto, llega Mel Gibson con una idea la mar de razonable, pero que nadie había acometido hasta ahora: hacer una película vibrante y minuciosa, nada relamida, que se centre en la Pasión ..." (decine21. Lectura).

"Después de ver La Pasión de Cristo creo que dentro de unos años será tenida por una obra maestra, una de esas películas imprescindibles en la historia del cine. Paradójicamente se trata de una historia muy conocida (las 12 horas que transcurrieron desde la oración en el huerto de los olivos hasta la muerte en un patíbulo de un judío llamado Jesús de Nazaret) por la que no es preciso pagar derechos de autor ..." (Javier Aguirreamalloa, Fila Siete. Lectura)

"Mel Gibson (El hombre sin rostro, Braveheart), se ha aproximado a una historia mil veces contada en el cine, una historia conocida hasta en sus diálogos, sus escenas, personajes y tramas secundarias, y ha sabido recrearla y adecuarla al lenguaje cinematográfico moderno de tal forma que sorprende, impacta, emociona, e incluso puede afectar a lo más hondo del corazón y la conciencia del espectador" (Juan Orellana en CINEMANET. Lectura)

Director: Mel Gibson. Año de producción: 2004. Principales intérpretes: Jim Caviezel, Maia Morgenstern, Monica Bellucci. Público adecuado: Jóvenes. Género: Drama