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30 de abril de 2012

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO (2011). Robert Guédiguian. Drama. Jóvenes. Estrenos. ***

La crisis económica obliga al sindicato de tra­bajadores de un astillero del puerto de Mar­sella a despedir a un grupo para evitar el cierre. En el sorteo son elegidos un repre­sentante del sindicato y un joven trabaja­dor. Después de una breve incursión en el ci­ne histórico el vetera­no realizador francés ha vuelto a Marsella (epicentro de casi todas sus películas) y a su retrato cos­tumbrista y social. La cinta consiguió la Es­piga de Oro en la pasada edición de la Se­min­ci de Valladolid, una larga ovación del pú­blico y el aplau­so de la crítica: las tres co­sas merecidas. Una conmovedora oda a la solidaridad humana. Fila Siete. (4/5)

Premio Lux de cine del Parlamento Europeo, “Las nieves del Kilimanjaro” confirma la alta calidad de Robert Guédiguian, ya mostrada en películas como “Marius y Jeanette” o “Mi padre es ingeniero”. En esta deliciosa fábula tragicómica, se inspira en el poema “La gente pobre”, de Víctor Hugo; en el “Discurso a la juventud” (Albi, 1903), de Jean Jaurès, y en la popular canción de Pascal Danel. Y, a partir de ellos, exalta de nuevo la familia, la amistad, el compromiso social y la reconciliación frente a la creciente falta de conciencia e ideales de la sociedad actual. Todo ello, magníficamente interpretado. J. J. M. (Pantalla Grande). (8,5/10)


Guédiguian acierta al retratar las consecuencias de la crisis económica. Como es habitual, filma en su Marsella natal, y le da los dos personajes principales a sus dos actores habituales, Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride, esposa del realizador. Sin embargo, la película no suena a ya vista, sino que tiene cierta frescura, y mezcla muy bien comedia y drama. Aunque tiene tono de fábula, resulta lo suficientemente realista, y confronta diferentes actitudes ante los problemas. Además, todas las piezas confluyen en un desenlace emotivo, que apuesta por la reconciliación, la comprensión y la confianza en el futuro. DeCine21. (6/10)

23 de abril de 2012

SOUL SURFER (2011). Sean McNamara. Drama deportivo Jóvenes. Estreno. ***

Bethany Hamilton nació para estar en el agua, eso le dijeron y eso creyó toda la vida. Hawaiana e hija de surferos, apenas levantaba un palmo cuando se subió por primera vez a una tabla de surf. A los 13 años se disponía a competir por el título nacional, pero antes de poder hacerlo un tiburón le arrebató un brazo. Estuvo a punto de morir, pero poco después volvía a cabalgar las olas a bordo de una tabla. La historia emocionó y conquistó al público. Sean McNamara dramatiza estos hechos. Una película de superación personal y deportiva, un género predilecto del cine norteamericano. Fila Siete. (5/10).

La película es narrativamente convencional, muy clásica, y funciona correctamente, sin abusos melodramáticos, y sin recreaciones “gore”, ni siquiera en el ataque del tiburón. Nos brinda unas magníficas escenas de surf dignas del National Geographic. La cinta recrea esta historia de fe y superación. Tiene un tono muy comercial, y es muy americana, sin embargo tiene un aire de autenticidad y frescura que la hace amable, creíble y entrañable. El retrato que hace de la familia es muy positivo, una familia unida en la fe, leal y respetuosa con la libertad de sus miembros. J. O. Pantalla Grande. (7/10)


Sean McNamara tenía todas las papeletas para rodar un film convencional y plano, pues recoge todos los clichés del género de superación personal y triunfo ante la adversidad. Sin embargo, ha logrado una de esas películas con cierto encanto, por diversos detalles como por ejemplo que describe una sana relación entre la familia Hamilton, quizás un tanto utópica, pero bastante creíble. Se trata también el valor de la fe de la protagonista como apoyo fundamental a la hora de enfrentarse a la desgracia y seguir adelante. Acierta McNamara al narrar con elegancia y contención la parte más escabrosa. DeCine21.

2 de enero de 2012

EL HAVRE (2011). Aki Kaurismäki. Drama. Jóvenes. Estreno. ****.

Películas sobre el drama de la inmigración en Europa hay muchas pero como ésta, nin­guna. ¿Y por qué? Porque su director es Aki Kaurismäki y el cineasta finlandés no se parece a nadie más que a sí mismo. Le gusta hacer ci­ne, contar historias con imágenes, y lo hace de una determinada manera que es la única que conoce. En este caso es la histo­ria de un hombre, Marcel Marx, que lleva una existencia tranquila en el pueblecito fran­cés de El Havre, entre su bar, su trabajo de limpiabotas y su esposa Arletty, hasta que se cruza en su camino un menor llegado de África que escapa de la policía y busca refugio. Fila Siete.

Se trata de una deliciosa tragicomedia neorrealista, a lo Frank Capra, en la que el cineasta finlandés vuelve a mostrar sin complejos su decidido vitalismo, delimitado por su confianza en el cariño matrimonial, la solidaridad comunitaria y la providencia misericordiosa de Dios. Y, entre estas sugerentes coordenadas —todas ellas, concreciones del amor—, desarrolla sus conmovedoras reflexiones sobre la inmigración y la necesidad de instaurar socialmente una cultura de la caridad y la acogida. Kaurismäki expone todo eso con su habitual estilo minimalista, sobrio pero lleno de colorido, entre naturalista y naïf J.J. Martín (Cope).


Tenemos sobre todo una historia muy humana, de magníficos y tiernos personajes, que viven al día pero saben desvivirse por amor por los que tienen alrededor. Conmueve el amor de Arletty a su esposo, con qué naturalidad se refiere el director a la fe de los personajes. La generosidad de Marcel para dedicar sus mejores esfuerzos a su inesperado invitado. El empeño de éste por ayudar. Las pequeñas ayudas de unos y otros, algunas inesperadas y que conmueven. Hay momentos ciertamente emocionantes, pero el último tramo de la cinta, el desenlace, demuestra con creces lo gran director que Aki es. DeCine21.

1 de enero de 2012

LA SRA. MINIVER (1942). William Wyler. Drama bélico. Jóvenes. ****. DVD.

La Sra. Miniver no dirige un combate aéreo ni una batalla por mar, pero nos muestra su esfuerzo y el de la población británica por sobrevivir a los bombardeos alemanes. Churchill comentó que la Sra. Miniver ayudó más a Gran Bretaña y fue más vital para la nación que una flota de destructores. ¿Exageraciones de Mr. Churchill? Quizás, pero de lo que no nos cabe la más mínima duda, es de estar ante una de las películas más emotivas de la historia del cine y que la lista de valores que transmite la señora Miniver   -sostén de la familia y de su hogar-   sería interminable: abnegación, caridad, amabilidad, fortaleza, comprensión, solidaridad, generosidad... La película tiene la virtud de conjugar drama con humor, y ofrecía detalles prácticos para la población de entonces, como la del modo de actuar en caso de bombardeo, y el modo de sobrellevar con garbo las penalidades de la guerra.

Ganadora de seis Oscars de la Academia, incluido el de mejor película, se convirtió en uno de los films míticos de los años cuarenta y consiguió levantar la moral del pueblo inglés mientras se enfrentaba al terror de la 2ª Guerra Mundial. Greer Carson, actriz británica recién llegada a Hollywood, obtuvo el Oscar a la Mejor Actriz por su papel protagonista de Kay Miniver, una mujer de espíritu inquebrantable que mantiene el tipo en todo momento y, cuya generosidad, empuja a los demás a dar lo mejor de sí mismos. Mientras Hitler sembraba destrucción, odio y sufrimiento, Miniver era capaz de aunar voluntades en pos del bien común.


América estaba en guerra y los Oscar de ese año fueron una especie de "hermanación" entre las fuerzas armadas y el mundo del cine. La contienda bélica estuvo presente en todo momento pero, al margen de ello, un caso curioso fue el de la actriz Teresa Wright, que fue nominada en dos categorías: como Mejor Actriz Principal por El orgullo de los yankis, y como Mejor Secundaria, por la Sra. Miniver; haciéndose finalmente con la segunda.

Fuentes: Cine para Educar (Belacqva), DeCine21, Enciclopedia ilustrada de los Oscar (Notorius ediciones) y Warner Home Video Española S.A.

25 de agosto de 2011

LAS MANOS EN EL AIRE (2010). Romain Goupil. Drama. Todos-Jóvenes. Estreno. ***.

Año 2067. Milana es una anciana que narra lo que le sucedió en Francia sesenta años atrás. De origen checheno, la joven Milana se vio envuelta en conflictos de inmigración junto a su familia, por falta de papeles. La pandilla de amigos de su instituto ayudará a Milana a escapar de las autoridades gracias a un plan maestro. Pese a lo difícil que resulta reflejar el mundo interior de los niños, Las manos en el aire se introduce en su forma de pensar dejando a un lado las opiniones o los conceptos adultos. Un canto a la solidaridad que quizá pierde gas cuando llega la etapa adulta. Una manera de recordar algo propio de la infancia: ofrecer todo sin esperar nada a cambio. Fila Siete.

Si bien el universo infantil da mucho juego en el cine, pocas son las películas que logran reconstruir su mundo de forma veraz, sin que parezca una reinvención falsa concebida por un adulto. Lo han conseguido grandes películas como Matar a un ruiseñor, La noche del cazador, El espíritu de la colmena, Secretos del corazón, Buenos días, E.T., el extraterrestre, Los 400 golpes, etc. Sin entrar en comparaciones, también lo logra esta humilde pero sincera y emotiva fábula en torno a los indocumentados, con momentos de gran intensidad. DeCine21.


¿Existe una edad mínima para empezar a indignarse? La película de Romain Goupil nos demuestra que no, y que el hombre (y la mujer) puede comenzar a demostrar su activa oposición al (mal) estado de las cosas desde muy tierna edad. No sería este el film oficial sobre este movimiento social, pero sí nos advierte que algo está pasando, que incluso los niños lo notan... Y... al final... solo les queda imitar el comportamiento de los adultos o rebelarse. O intentarlo. Fotogramas.

24 de junio de 2011

HOTEL RWANDA (2004). Terry George. Drama. Jóvenes. ****

1994, guerra civil en Ruanda. El odio ancestral entre los hutus (la etnia dominante) y los tutsis provoca el asesinato del presidente del país, disturbios en las calles y, finalmente, la terrible matanza de tutsis a manos de hutus. Paul Rusesabagina, que es hutu, trabaja como gerente de un hotel de Kigali y, cuando empiezan los disturbios, decide que el mejor refugio es precisamente el hotel. Respetado por su generosidad, su carisma, y don de gentes, se ve involucrado en el transcurso de los acontecimientos cuando su propia familia resulta amenazada -su mujer es tutsi-. Hombre hábil y audaz, logra sortear los primeros obstáculos a base de sobornos, con la esperanza de que las fuerzas internacionales llegarán pronto y evitarán el genocidio. Sin embargo, la situación se complica por momentos y se hace irrespirable. Paul, logra proteger a los suyos en el hotel, al que empiezan a llegar miles de personas pidiendo auxilio y a las que no puede rechazar.

Terry George no se regodea en lo macabro y muestra lo justo para remover la conciencia del espectador. Mirada pudorosa pero también denunciatoria de una sociedad que se mueve sólo por el beneficio que pueda obtener: ahí está la corrupción de las autoridades internacionales o de los propios mandatarios ruandeses, y de la que se “sirve” el protagonista para ganarse “aliados” ante futuros problemas o para salvar más de una vida. Menos mal que todavía hay héroes –y de carne y hueso, no como los Increíbles–, gentes dispuestas a hacer lo imposible, incluso a dar la vida, para salvar otras. Uno de ésos –no el único– es Paul Rusesabagina. La Butaca.


Con más de cincuenta películas a sus espaldas, el afroamericano actor de Missouri, Don Cheadle, da vida a un héroe tan sencillo como conmovedor, ofreciendo probablemente la mejor interpretación de su carrera. Su personaje es un testimonio de la bondad que todo hombre desea para su vida. El film apunta la religiosidad del protagonista, subraya el cariño que tiene a su familia, y revela su amor al trabajo bien hecho y su inquebrantable solidaridad con todos. Alfa y Omega.

Fuentes: FilmAffinity, La Butaca,  Wikipedia y Alfa y Omega.

18 de junio de 2011

UN CUENTO CHINO (2011). Sebastián Borensztenin. Comedia. Jóvenes. Estreno. ***

Roberto De Cesare, un ferretero solitario, veterano argentino de la Guerra de las Malvinas, colecciona recortes de noticias insólitas, como el caso de una vaca que cayó de un avión de transporte en China, lo que ocasiona la muerte de una mujer, dejando desconsolado a su prometido. Roberto mantiene un idilio con una vecina del lugar que le adora, pero no se atreve a comprometerse, prefiere seguir viviendo solo, sin tener que renunciar a sus manías personales. Su vida dará un giro por completo cuando un día decide acoger temporalmente a Jun, un chino que anda perdido, en busca de su tío, y que no habla ni una palabra de español. Cinemanet.

Esta tragicomedia del bonaerense Sebastián Borensztein desarrolla una trama más bien esquemática, lineal y previsible; pero lo hace de tal manera que se gana sin remedio al espectador. Por un lado, Ricardo Darín vuelve a confirmar su maestría en la piel del antipático y entrañable ferretero. Por su parte, Borensztein, a través de un guión muy fluido y de una puesta en escena sencilla pero eficaz, dosifica las diversas intrigas, y rompe hábilmente el tono realista del relato con fuertes insertos surrealistas. Todo ello, aderezado con un humor inteligente, sólo desagradable en un par de breves concesiones sexuales. JJ Martín, Cope.


Pequeña película argentina de Borensztein, un amable cuento metafórico, resuelto con sencillez y eficacia, pero sin excesiva brillantez, quizás porque está muy justo de guión. Darín -brillante una vez más, es actor con recursos, un profesional que se adapta a muy distintas maneras de trabajar- sostiene una historia, escasita y con evidentes rellenos para llegar a los 93 minutos, que sale adelante y, en algunos momentos, es brillante, como en el inicio en China y en la divertida reclamación por los tornillos de me­nos... Fila Siete.

Más información en Decine21.

3 de junio de 2011

MAGNOLIAS DE ACERO (1989). Herbert Ross. Melodrama. Jóvenes-adultos. ***. DVD

Magnolias de Acero es la historia de seis mujeres muy diferentes y especiales, que viven en un pequeño pueblo de Luisiana. Seis mujeres con sus miedos y sus esperanzas; incisivas, irónicas o ingenuas; pero eternamente amigas. Está basada en la obra de teatro homónima de Robert Harling y adaptada al cine por él mismo. Dirigida por Herbert Ross, cuenta con un gran reparto.

Personajes

Si hay un protagonista que sobresalga sobre todos en esta emotiva película, es la amistad. Lazo que une y enriquece humanamente a seis amigas muy diferentes, pero con un denominador común: se quieren. Hay generosidad y sincero interés por las demás, solidaridad y apoyo en los momentos buenos… y en los malos. No obstante, haciendo un esfuerzo de síntesis, señalemos alguna cualidad destacable en cada una de las protagonistas femeninas:

M’Lynn es un ejemplo de generosidad y amor materno, capaz de asumir riesgos importantes por su hija mayor y de acompañarla en todo momento. Truvy no es menos generosa, destacando por su espíritu de servicio, su sociabilidad y afabilidad. Ouiser es la más controvertida del grupo, díscola y gruñona, está  presente cuando se la necesita y se esfuerza por superar su tendencia al aislamiento. Annelle tiene la valentía de recomponer su vida, es humilde y vive una sincera espiritualidad que intenta contagiar a las demás. Clairee es alegre, fomenta la unidad del grupo y no se conforma con la vida placentera y nostálgica a la que su viudedad, edad y sólida posición financiera parecían destinarla; es audaz y emprendedora. Por último, Shelby, es una joven alegre, generosa, amante de su familia y dispuesta a afrontar el riesgo de la maternidad.

Este catálogo de bondades no quiere decir que no haya sombras, pero la luz brilla en las tinieblas… Especialmente incívico resulta el comportamiento del padre Shelby.

Temas de interés

Magnolias de acero es una película que difícilmente envejecerá, pues la amistad es una valor perenne y este film es una estupenda radiografía de ella. También permite profundizar en las exigencias de la vida en sociedad, tanto en sentido amplio, como en el más reducido de la familia o vecindad.

No menos interés tienen dos cuestiones peliagudas que aparecen en escena: cómo afrontar la maternidad en caso de riesgo para la madre -¿puede el aborto ser la solución?-, y el espinoso tema de dónde está el límite entre evitar el ensañamiento terapéutico y la eutanasia. En la película faltan elementos de juicio para abordar este tema de forma ponderada, pero puede servir de apoyo para debatirlo.

Además, el valor de la familia, así como el amor y la unidad entre sus miembros queda patente en Magnolias de acero, también la bendición que supone la llegada de un nuevo miembro.

Valor educativo

La amistad implica compartir problemas e inquietudes, a pesar de las diferencias de carácter, de edad o extracción social. Exige saber escuchar y estar dispuesto a reprender con cariño cuando sea necesario, o a mostrar apoyo y solidaridad cuando el amigo lo requiere. Hay que esforzarse por comprender los puntos de vista ajenos, no juzgar, y cuando, a pesar de las advertencias, alguien persiste en una determinada actitud, no abandonarlo a sus consecuencias con el argumento egoísta de que “él se lo ha buscado”.

Fortaleza, valentía y optimismo ante las dificultades y en la enfermedad –“Todo lo que no nos mata acaba por fortalecernos”-, así como la necesidad de afrontar la realidad de la muerte con serenidad y esperanza, sin que ello esté reñido con un profundo dolor. En este aspecto, no cabe ninguna duda del importante apoyo que puede suponer tener la suerte de gozar de una visión trascendente de la vida.



Civilidad

La civilidad es una virtud muy positiva desde el punto de vista social, pues mejora el comportamiento de los ciudadanos –evita la rudeza y la barbarie- favoreciendo un clima propicio para la convivencia y la participación. Esto se ve muy bien en Magnolias de acero. Cuando las personas se tratan con cortesía, cuando impera el orden, el respeto, la urbanidad y la educación en las relaciones, entonces se crean comunidades donde la integración resulta más fácil y posible. No hay elementos discordantes, sino que todos contribuyen al fortalecimiento de la unidad. Evidentemente, como siempre, para hablar de virtud no basta con meros comportamientos formalmente exquisitos, sino que es necesario que este conjunto de actitudes que promueve la civilidad esté informado por el amor. Las protagonistas de esta estupenda película, por encima de cualquier otra consideración, se quieren. Y como se quieren, se apoyan, se respetan, son solidarias y leales. Gracias al cariño mutuo son capaces de superar temperamentos distintos y diferentes puntos de vista. Tienen defectos y tendencias desordenadas –unas más que otras-, pero como hay una actitud de fondo de serio interés por preservar la riqueza de la comunidad, nunca llega la sangre al río, todas las discordancias están controladas y rápidamente se reconducen cuando apuntan salirse de madre. La civilidad no viaja sola, siempre va acompañada de un rosario de virtudes que se sostienen unas a otras.
Más información en Decine21 y Wikipedia.

1 de mayo de 2011

THE COMPANY MEN (2010). John Wells. Drama. Jóvenes-adultos. ***. Estrenos.

Radiografía del fracaso del modelo económico basado en el éxito, el consumo, el dinero y las ganancias sin fin. Cuando una sociedad antepone el afán de tener a cualquier otra consideración, termina por destruirse a sí misma. Al final permanece lo auténtico: la familia, la amistad, el compañerismo y los valores que nos hacen verdaderamente humanos. CineCine.

Bobby Walker (Ben Affleck), un hombre seguro, familia feliz, profesión brillante y Porsche en la puerta, se queda en el paro. Pero no es el único. Sus compañeros de empresa, Phil Woodward (Chris Cooper) y Gene McClary (Tommy Lee Jones) compartirán con él un sitio en la cola del desempleo. John Wells, ganador de 5 Emmys por El Ala Oeste de la Casablanca y Urgencias, se estrena en la dirección cinematográfica con este retrato de la fractura del sueño americano. Contraste (Crítica).

John Wells rueda una película correcta, que no pasará a la historia del cine, pero que al menos resulta entretenida y contiene un par de ideas interesantes -que no quiere decir originales- sobre las penosas consecuencias de construir una sociedad únicamente sobre el pilar del dinero. De todas formas, más que en la historia, la película se apoya en los tres protagonistas: Ben Affleck cumple -su papel es el más dibujado- y a Tommy Lee Jones y a Chris Cooper les sobra experiencia para insuflar personalidad a sus secundarios. Fila Siete.


Su trama no es demasiado original, pero profundiza en las verdaderas coordenadas del desarrollo personal, exalta la unidad familiar y afirma su confianza en las segundas oportunidades, al tiempo que critica la falta de ética de muchas corporaciones empresariales y levanta acta de la deshumanización del modelo “yuppie” de triunfo material a cualquier precio. El tono es intimista, sereno, sin estridencias ideológicas ni melodramáticas. Y logra conectar con el espectador gracias al buen hacer de un reparto de lujo y de una fluida puesta en escena, que subraya siempre con acierto la perspectiva moral de cada situación. JJ Martín, COPE.
Más información en DeCine21.

28 de diciembre de 2010

CUENTO DE NAVIDAD (2009). Robert Zemeckis. Animación, Fantástico. Jóvenes. ***

DVD

Vale la pena recuperar la última versión cinematográfica de este clásico de Charles Dickens. Está dirigida por Robert Zemeckis y es un  auténtico espectáculo visual, aspecto cuidado al máximo. En este sentido, la recreación del Londres de principios del siglo XIX merece un sobresaliente. Pero es que, además de sus valores cinematográficos, el mensaje de Cuento de Navidad es tan actual hoy como en la época en que fue escrito. Una reflexión sobre lo efímero de la vida y llamada de atención sobre las circunstancias que la hacen fecunda y plena, o estéril y vacía. La proliferación de secuencias oscuras y fantasmagóricas quizás aconsejen un público no demasiado infantil. Además, echamos en falta una mayor naturalidad en los movimientos de los personajes.

Ebenezer Scrooge (JIM CARREY) comienza las navidades haciendo uso de su habitual mezquindad, gritando a su fiel empleado (GARY OLDMAN) y a su alege sobrino (COLIN FIRTH). Pero esa misma noche los fantasmas de las Navidades Pasadas, Presentes y Futuras se presentan en su habitación para llevarle a un viaje en el que tendrá que enfrentarse a una realidad que no quiere ver. Entonces el viejo Scrooge tendrá que abrir su corazón e intentar arreglar todo el mal que ha hecho antes de que sea demasiado tarde.


El guión es muy fiel al espíritu del relato original, sobre todo en su lúcida crítica al materialismo hedonista y en su emotiva exaltación de una solidaridad abierta a la trascendencia y asentada sin complejos en la caridad cristiana. Además, la película resuelve las secuencias de ambientación y los pasajes oníricos con una gran espectacularidad. Elogio aparte merece la sinfónica banda sonora de Alan Silvestri. Queda así una brillante producción para toda la familia, muy apropiada en estas fechas. CINEMANET.

Más información en decine21.

8 de octubre de 2010

ADIÓS, MUCHACHOS (1987). Louis Malle. Drama. Jóvenes. *****

Durante la ocupación alemana en Francia, en un colegio interno para chicos, dirigido por religiosos católicos, Julián, un muchacho de trece años, queda impresionado por la personalidad de Bonnet, un nuevo compañero que ingresa en el colegio. Poco a poco averigua qué hay de diferente en el nuevo: es judío.

Personajes

El protagonista indiscutible de la película es Julien Quentin, un chico de doce años inteligente y despierto, que no lleva muy bien estudiar en un internado. Es pillo y aprovechado, con vocación de líder. No es mal estudiante. Cuando conoce a Jean Bonnet, enseguida se percata de que tiene en él a un duro rival. Sin embargo, a medida que comparten clases, estudios, lecturas, juegos y aventuras, surge la amistad, que se torna más fuerte que el miedo. Cuando descubre que Bonnet es judío, hace gala de lealtad, solidaridad y respeto.

Jean es trabajador, alegre –dadas las circunstancias-, generoso, valiente, capaz de cultivar la auténtica amistad, y de mostrarse agradecido. Sorprende la fidelidad a sus creencias –reza y no come cerdo- en un ambiente hostil.

El padre superior puede tomarse como prototipo de quien tiene hambre y sed de justicia. Aunque la ley prohíbe ocultar judíos, tiene claro que tales normas no obligan en conciencia y hace lo posible por reparar el daño que el nazismo causa en seres inocentes. Actitud audaz y llena de fortaleza, capaz de asumir riesgos con generosidad. También hace gala de un exquisito respeto por las creencias ajenas y de un concepto elevado de la libertad y de la misión del educador.

En el lado negativo dos personajes, Jóseph, desleal y traidor, además de ladrón, y la hermana religiosa que, debiendo se ejemplo de caridad, sucumbe al miedo o quizás es víctima de los prejuicios.

Temas de interés

Es una muestra exquisita de las consecuencias de la injusticia y del resultado real al que conducen las ideologías nihilistas, que niegan la trascendencia y la misma verdad natural. Cuando una sociedad rompe amarras con la verdad puede desembocar en la más absoluta tiranía, aunque envuelta en ropajes de dignidad democrática. Donde reina el individualismo materialista y relativista, la autoridad se sirve a sí misma y las personas solo interesan en cuanto son útiles. Pero incluso en esas situaciones, hay personas que no pierden la esperanza y afrontan de forma valiente y concreta, cada uno según sus circunstancias, la hermosa tarea de hacer un mundo más justo.

Cuando arrecian las críticas contra los colegios confesionales, Adiós muchachos es un valioso ejemplo del alto concepto de la persona, y de sus valores, que se cultiva en muchos de ellos. Ni rastro de intolerancia, ni de perverso adoctrinamiento. Por el contrario, se fomenta la libertad auténtica, valor indispensable para el desarrollo de las virtudes y la maduración personal.

Valor educativo

Como en otras películas donde el terror nazi está presente, es incuestionable su valor testimonial de unos acontecimientos y de una época, no tan lejana, que ojalá no vuelvan a producirse. Permite reflexionar sobre las causas que desembocaron en dicha situación y la importancia de no escudarse en deficiencias sociales o políticas, para eludir la propia responsabilidad hacia el bien común.

Hace un estupendo retrato de la adolescencia, de sus inquietudes, de sus miedos y de sus interrogantes. Ayuda a comprender la igualdad radical entre todos los seres humanos, por encima de razas, creencias, ideologías u origen. La amistad y el respeto son posibles entre personas de diferente extracción social, y la solidaridad hacia quien más lo necesita una exigencia irrenunciable. Además, la vida de piedad se integra con naturalidad en sus vidas.

Más información en decine21.com.

25 de junio de 2010

THE BLIND SIDE (2009). John Lee Hancock. Drama. Jóvenes. ***

Se ha hecho de rogar el estreno de esta película. Hoy día es bastante inusual que una cinta premiada con el Oscar a la Mejor Actriz Principal, en este caso Sandra Bullock, tarde tanto en estrenarse en nuestro país. Y más todavía si consideramos que en Estados Unidos arrasó en taquilla, convirtiéndose en todo un fenómeno que asombró a propios y extraños. La misma Bullock confesaba que tardó mucho en decidir si aceptaba o no el papel, pues no se veía interpretando a Leigh Anne, y una vez aceptado, lo último que se esperaba era que este trabajo le daría el preciado galardón y, añadimos, la consagraría como una gran actriz. Ojalá le sirva de estímulo para rectificar el rumbo iniciado con películas como La proposición, en la que cede a un mal gusto que, más allá de mejores o peores papeles, había eludido a lo largo de su carrera.

La excusa esgrimida para justificar su no distribución en España era que al ser su argumento excesivamente localista, seguramente dificultaría su aceptación por el público español. Ahora, una vez en las salas, será la taquilla quien dará o quitará razones. Aunque es cierto que ni el futbol americano ni el papel del deporte en el sistema educativo estadounidense tienen mucho que ver con nosotros, dos temas importantes en la película, nos parece una excusa bastante absurda, máxime cuando estamos acostumbrados a que se estrene todo tipo de películas procedentes de Estados Unidos, algunas magníficas, otras pasables, y muchas, auténticamente infumables.

¿A qué podría deberse este desinterés? No tengo la respuesta, pero se me antoja sospechoso que se ningunee una película en la que, sin ser una obra de arte, con una factura más que correcta se exaltan una serie de valores humanos encarnados, precisamente, por unos personajes -por cierto, nada ñoños- que se sienten cristianos y, por ello, llamados a servir a los demás. Además, resulta que la escuela donde se educan los Tuhoy -este es el apellido de la familia protagonista- y se admite, no sin alguna reticencia, a Michael -el chico negro acogido en su hogar-, se autodenomina cristiana y pretende se fiel a sus principios. Pero bueno..., sea cual sea la razón, tenemos que felicitarnos porque se ha estrenado y podemos disfrutar y aprender de las vicisitudes de una familia ejemplar.


Sí, digo aprender. Aprender, en primer lugar, porque esta bonita historia está basada en hechos reales y, por tanto, nadie debiera objetar que es un mero ejercicio bobalicón y bien intencionado pero completamente alejado de la realidad. Actitudes como las de esta familia son posibles hoy día. Es más, estoy seguro de que hay mucha gente movida por nobles ideales y volcada generosamente en los demás, aunque, por desgracia, no ocupen primeros planos ni en telediarios, ni en los diversos medios de comunicación de masas. Aprender, también, porque el bien es "pegajoso" y despierta los mejores instintos que todos llevamos dentro. En la pantalla vemos a una familia feliz, que se quiere, se respeta, se ayuda y se abre a los demás, y... mira por dónde, resulta que ésto ejerce un enorme atractivo en el espectador, y le ayuda a plantearse cuestiones interesantes sobre el modo en que está enfocando su vida.

¿Qué cuestiones son las que plantea The blind side, que la hace tan sumamente atractiva? Me atrevería a decir que su complicidad con el espectador deriva del hecho de enfrentarse a temas que le interesan y, lo que es más importante, que lo hace con honestidad y con un sentido profundamente humano, sin trampa ni cartón, y sin rendirse a posturas políticamente correctas que nada aportan porque nada encierran. Así, por ejemplo, salen a la palestra la discriminación racial, la marginación, la maternidad, la solidaridad, la generosidad, la necesidad de esfuerzo y sacrificio para alcanzar metas, el papel central de la familia en la sociedad y su incuestionable aportación en el desarrollo personal, y en pro de un tejido social sano, o la adopción y el papel que pueden jugar en ella los padres biológicos. Muchos temas para darle vueltas y sin necesidad de enfrentarnos a una historia de tésis, gris, escéptica, negra y desesperanzada. Esta película tiene la virtud de decir muchas cosas y decirlas bien, de forma amable y atractiva, sin ocultar ni regodearse en lo peor de la condición humana.


The blind side nos cuenta la historia de Michael Oher, "Big Mike", un adolescente negro sin padre conocido y madre problemática que, tras dar tumbos por hogares de acogida hasta convertirse literalmente en un "sin techo", tuvo la suerte de ser admitido en un buen colegio, de ideario cristiano, y, fundamentalmente, ser acogido en el hogar de los Tuhoy. Una familia acomodada y unida residente en Memphis, cristiana evangélica y formada por los padres y dos hijos: una chica adolescente y un simpático chaval. Sin embargo, como el espectador podrá comprobar, la verdadera protagonista es la madre, Leign Anne, quien siguiendo los impulsos de su conciencia decide complicarse la vida introduciendo en la familia a un chico desconocido y necesitado. Este hecho marcará la vida de los cinco. Como ella reconoce en un momento determinado, aunque Big Mike ha sido afortunado, ellos lo han sido más.

3 de marzo de 2010

LA DILIGENCIA. John Ford. Western

Este magnífico western dirigido por el maestro John Ford en 1939, considerado uno de los títulos más importantes de la historia del cine, cuenta con un excelente reparto encabezado por John Wayne, Claire Trevor y Thomas Mitchell.

Diferentes personajes se reúnen en una diligencia para un largo y duro viaje entre Tonto y Lordsburg. Un cochero simpático y parlanchín, una prostituta a la que han echado del pueblo, un caballero del sur reconvertido en jugador profesional, un médico alcohólico, un vendedor de whisky, la mujer embarazada de un militar, el sheriff Buck y un banquero ladrón. Por el camino se les unirá Ringo Kid, que ha huído de la cárcel y busca vengarse de los asesinos de su hermano.

Las relaciones entre un grupo tan variopinto serán difíciles y tensas. El momento de máximo peligro será cuando en medio de una llanura sean atacados por una partida de indios apaches.

Es una suerte que gracias a las continuas reediciones en DVD podamos disfrutar de películas como esta. Se trata de uno de los western más emblemáticos de John Ford (1895-1973), considerado uno de los más grandes directores de todos los tiempos. De hecho, el profesor Caparrós (Historia del Cine Mundial, RIALP) afirma que fue el más destacado director del cine americano; pues John Ford forma con Chaplin y Eisenstein la tríada de grandes genios de la cinematografía mundial. De religión católica y origen irlandés, fue un autodidacta que cultivó como nadie el western, cuya influiencia se ha dejado notar en otros autores. (...) La unidad forma-contenido nunca fue tan completa como en la obra fordiana. Quizá porque no había divorcio en sus ideas: convicciones personales y arte fueron uno.

En La Diligencia observamos una perfecta caracterización de los personajes; son seres de carne y hueso, auténticos, con sus luces y sus sombras. La puesta en escena está cuidada en los más mínimos detalles, rodada en los grarndiosos exteriores de Monument Valley y logrando cosas tan difíciles como transmitir el micromundo claustrofóbico que se crea en el interior de la diligencia durante el viaje, ese cruce de personas de distinta extracción social, con motivaciones muy diferentes y sentimientos encontrados. O en la antológica persecución de los apaches, en una carrera frenética por librarse del ataque a través de la inmensa llanura texana.


Este grupo variopinto de personas, que nada tienen en común, no tendrán más remedio que unir sus fuerzas y apoyarse mutuamente cuando sean atacados por los apaches y sus vidas corran serio peligro. Y serán precisamente el médico borracho, la mujer de la vida y el fugitivo, quienes muestren una mayor disposición hacia los demás. Circunstancia de clara resonancia evangélica. Parece que Ford realiza una parábola sobre las señas de identidad de la auténtica justicia, contraponiendo la generosidad y soliaridad de unos peresonajes frente al egoísmo y la mezquindad de otros. La auténtica grandeza de alma reside precisamente en los pequeños y marginados de este mundo.

La película obtuvo dos Oscar de la Academia (Mejor Actor Secundario para Thomas Mitchell y Mejor Banda Sonora) y siete Nominaciones, entre ellas a la Mejor Película, honor que le fue arrebatado por otro título mítico: Lo que el viento se llevó.

Año de producción: 1939. País: Estados Unidos. Director: John Ford. Intérpretes: John Wayne, Claire Trevor, Andy Devine y Thomas Mitchell. Público: Jóvenes. Género: Western.

3 de enero de 2009

LAS UVAS DE LA IRA -John Ford-

CINE (1940)


Tras una temporada entre rejas por homicidio, Tom Joad (Henry Fonda) vuelve a su hogar para encontrarse la granja familiar arruinada y abandonada. En plena crisis económica, arrastrando todavía las consecuencias del crack del 29, son pocas las perspectivas de encontrar un empleo en la desértica Oklahoma, así que la familia al completo reúne todos sus enseres y parte, en una destartalada camioneta, a través de la mítica ruta 66 hacia la tierra prometida: California.

Pero el arduo viaje, las noticias que les llegan de otras familias en la misma situación y las duras condiciones que finalmente encuentran, no dejan mucho resquicio para la esperanza. La codicia de algunos empresarios ve una ocasión inmejorable para aumentar sus beneficios a costa de una mano de obra barata y dispuesta, en muchos casos, a trabajar por lo justo para una mísera comida al final de la jornada. Cada nuevo día supondrá un nuevo reto por afrontar con el coraje y con la fortaleza que proporciona una familia unida.

Ahora que tanto se habla de crisis económica puede ser una buena opción ver esta obra maestra, en la que John Ford hace un retrato emotivo e impactante de las consecuencias de una recesión entre la población más desfavorecida. A pesar del tiempo transcurrido desde su rodaje -casi setenta años-, no ha perdido ni un ápice de vigencia. Como toda obra intemporal, su mensaje trasciende el tiempo y el momento, planteando cuestiones plenamente actuales. Resulta alentador contemplar las muestras de solidaridad entre la gente de bien y a la familia salir airosa de las difíciles pruebas que debe soportar; los lazos del amor son difíciles de romper aun en la distancia.

Junto a Henry Fonda, merece destacarse el papel desempeñado por Jane Darwell como madre y auténtico pilar de los Joad. Es ella la que da consitencia al grupo y se constituye en auténtico baluarte ante los imponderables de la vida.

En el aspecto técnico, decir que cumple sobradamente con las exigencias estéticas actuales; blanco y negro incluido. Magníficos actores, preciosa fotografía y una música entrañable, completan un guión basado en la obra del mismo título de John Steinbeck.

Año de producción: 1940. Director: John Ford. Principales intérpretes: Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine. Género: Drama. Público adecuado: Jóvenes - adultos.

Otras películas de John Ford para no perderse (decine21):

  • La diligencia (Western, 1939).
  • Hombres intrépidos (Drama, 1940).
  • Qué verde era mi valle (Drama, 1941).
  • Los tres padrinos (Western, Drama, 1948).
  • Río Grande (Western, 1950).
  • El hombre tranquilo (comedia romántica, 1952).
  • El sol siempre brilla en Kentucky (Drama, 1953).
  • Mogambo (Aventuras, 1953).
  • Centauros del desierto (Western, 1956).
  • La taberna del irlandés (Comedia, 1963).

2 de diciembre de 2008

EL VUELO DEL FÉNIX -Robert Aldrich-

CINE (1965)

Cuando un avión de carga se estrella en el Sahara, la única esperanza para la tripulación, empleados de empresas petrolíferas y militares que viajan en él, es tratar de reconstruirlo antes de que todos caigan víctimas de la sed y de un sol aplastante.

Apasionante historia de valor y suspense con un reparto impresionante. Lo encabezan un maduro James Stewart - que hace de piloto- y un Richard Attenborough -copiloto- con veinte años menos que cuando dirigió la maravillosa Tierras de penumbra. La historia está basada en una novela de Elleston Trevor del mismo título que, muy bien dirigida por Robert Aldrich, consigue atrapar al espectador con una galería de personajes bien perfilados y una trama llena de emoción y suspense.

La película me ha parecido sumamente interesante desde distintos puntos de vista: la necesidad del trabajo en equipo para sacar adelante un proyecto, la capacidad del hombre de crecerse ante las dificultades y la distinta reacción del individuo cuando se requiere de su generosidad.

Por otra parte, ahora que tanto se habla de seguridad aérea, resulta curioso contemplar las condiciones en que viajaban los protagonistas de la historia. No me extrañaría que efectivamente se volara de ese modo en aquellas circunstancias y me preguno, salvando las distancias, ¿no estaremos confiando demasiado en la fiabilidad de los aviones actuales?, ¿hasta qué límite se puede bajar el importe del billete sin perjudicar las operaciones de mantenimiento?, ¿las compañías aéreas se limitan a cumplir el manual de mantenimiento o, por el contrario, extreman las precauciones?, si todas se limitan a cumplir las especificaciones de los fabricantes, ¿qué diferencia hay entre unas y otras, supuesta idéntica preparación de la tripulación?. Son pregunas que me hago a mí mismo y para las que no tengo respuesta.

Género: Aventuras. Año: 1965. Principales intérpretes: James Stewart, Richard Attenborough, Peter Finch, Ernest Borgnine. Director: Robert Aldrich.

Otras películas del director: Veracruz (Western, 1954), ¿Qué fue de Baby Jane? (Drama, 1962), Canción de cuna para un cadáver (Thriller, 1964), Doce del patíbulo (Bélica, 1967).

5 de septiembre de 2008

CRASH Paul Haggis

CINE

Un ama de casa de Brentwood y su marido. Un comerciante persa. Dos policías detectives. Un director de televisión y su esposa. Un cerrajero mexicano. Dos ladrones de coches. Un policía inexperto. Una pareja coreana. Todos ellos viven en Los Ángeles, representan la variada tipología de una gran urbe moderna y en las próximas treinta y seis horas colisionarán ....


Esta maravillosa película, galardonada en los Oscar (Mejor Película, Guión Original y Montaje), propone un interesante acercaminento al problema del racismo, con un mensaje claro y contundente: cualquier persona es capaz de lo mejor y de lo peor, de la virtud y del pecado, sin importar su condición, raza o religión.

No pensemos que en España estamos tan lejos de determinadas actitudes ante los "diferentes". Copio unos titulares extraídos de un periódico nacional el pasado 16 de agosto: "El temor a perder el Estado del Bienestar despierta la xenofobia entre los españoles"; "Más de la mitad de los ciudadanos negaría el derecho de atención sanitaria a los inmigrantes sin papeles"; El 69% de los españoles cree que son demasiados o excesivos los extranjeros que viven en España".

Un extraordinario reparto, la acertada fotografía y la música adecuada, son el complemento ideal de un cuidado guión y acertado montaje.

Año: 2004. Género: Drama. Público adecuado: jóvenes-adultos.

12 de agosto de 2008

EL COLOR DE LAS NUBES

CINE. 1997.
Comedia dramática.
Mario Camus.
La historia gira en torno a la vieja casa de un pueblecito cántabro, cedida en herencia a Doña Lola por un hombre viudo que la amó durante los últimos años de su vida. Los requerimientos de propiedad del hijo y único heredero del difunto, y la inquina mantenida durante años contra ella, son los hechos que marcan las vidas de una serie de personajes.
Esta película obtuvo el Primer Premio Especial de la OCIC en el Festival de San Sebastián y el Goya a la mejor fotografía en 1997. En ella el director ha sabido conjugar con acierto distintos géneros cinematográficos -melodrama, comedia, aventuras, romance, intriga- a través de cuatro historias que terminan por encontrarse.
Con una excelente puesta en escena y buenas interpretaciones, el resultado es sobresaliente y muy emotivo.

23 de julio de 2007

LA NIETA DEL SEÑOR LINH

CLAUDEL, PHILIPPE

Ed. Salamandra. 126 pág.

Tras un penoso viaje en barco, un anciano llega a un país donde no conoce a nadie y cuya lengua ignora. El señor Linh huye de una guerra que le ha robado todo menos a su nieta, su única razón de existir hasta que conoce al señor Bark.

Tras el enorme éxito de Almas grises, Philippe Claudel (ganador del premio Renaudot 2003) ha vuelto a causar un gran impacto con esta exquisita fábula, sobre el exilio y la soledad, bastante más esperanzada que aquélla. Se trata de un libro recibido con entusiasmo en Francia, donde permanece en las listas de libros más vendidos desde su aparición. Elogiada unánimemente por la crítica y el público, se han vendido más de 200 mil ejemplares y se publicará en once idiomas.

"El redescubrimiento del mundo contado con sencillez y emoción ... una bella fábula que agradará a un amplio público". Babelia.

"Conmovedora novela, dulce e hiriente (...). Si una vida puede vivirse a base de instantáneas, sólo es deseable si la retrata la pluma de Claudel." Libros.

Engancha desde el primer momento, mostrando un torrente de sentimientos positivos sin dejar de reflejar, al mismo tiempo, la dureza de la vida (para unos más que para otros). Además, resulta fácil de leer.

Temas de interés: inmigración, exilio, soledad, incomunicación.

Valores: amistad, solidaridad, amor, generosidad y esperanza.

Philippe Claudel (Nancy, 1962) ha sido docente y guionista de cine y televisión, profesor de Antropología Cultural y Literatura. Sus novelas y libros de relatos han sido galardonados en varias ocasiones: la novela J'abandonne recibió el premio Francia Televisión 2000, el libro de relatos Petites Mécaniques obtuvo el premio Bourse Goncourt de la Nouvelle 2003, y Almas grises fue galardonada con el prestigioso premio Renaudot.
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