31 de mayo de 2011

SENNA (2010). Asif Kapadia. Documental. Jóvenes. ****. Estreno.

Ayrton Senna (1960-1994), piloto brasileño de Fórmula 1, fue campeón en 1988, 1990 y 1991. Quedó segundo en 1989 y 1993, por detrás del que siempre fue su gran rival y durante años compañero de equipo en McLaren, el francés Alain Prost. Senna murió en 1994 en un accidente en el circuito de Imola, disputando el gran premio de San Marino.  El londinense Asif Kapadia cuenta de manera muy amena y emocionante la trayectoria deportiva de un gran campeón... una historia que resulta apasionante, tanto para los muy aficionados a las carreras de coches como a los que no lo somos. Fila Siete.

Este espléndido documental, sin ocultar los defectos del mítico piloto brasileño, le rinde homenaje subrayando su constante defensa del auténtico espíritu deportivo —frente a lo que él denominaba “la política del deporte”— y elogiando su capacidad de superación y su profunda visión cristiana de la vida, que solía exponer con gran naturalidad y que intentaba aplicar en todo momento. Estas coordenadas aportan una gran profundidad a la película, que trasciende su condición biográfica para convertirse en una certera reflexión sobre el verdadero sentido del deporte y, en general, del trabajo bien hecho... JJ Martín, Cope.


Kapadia goza de material exhaustivo, tremendamente valioso tanto en las espectaculares secuencias que tienen lugar en los grandes premios como en el metraje casero que filma a Senna en su intimidad, o el televisivo que introduce la dimensión mediática en las declaraciones post-carrera —estimables apuntes que el director dirige hacia una tesis sobre la interferencia de la política en el deporte— o sugiere el romance con la presentadora de televisión Xuxa. “Senna” tampoco escatima en la elaboración de una mirada más desconfiada hacia el mito, el lado menos amable y más visible en los desencuentros con Alain Prost... La Butaca.

Más información en DeCine21.

29 de mayo de 2011

EL CASTOR (2011). Jodie Foster. Drama. Jóvenes. ***. Estreno.

Walter Black es un hombre casado y con dos hijos que dirige una empresa juguetera. Tiene una vida aparentemente normal para ser feliz pero, sin embargo, está totalmente deprimido. Su estado anímico dará un vuelco cuando se encuentre con una marioneta en forma de castor. El peculiar muñeco será su aliado para volver a unirse a su familia y conectar con el mundo exterior. Gibson, hace una notable interpretación y llama la atención su maestría haciendo de ventrílocuo. El film sabe mezclar la armonía entre lo dramático y lo cómico, la locura y la cordura, la ternura y el horror. Contraste.

La actriz Jodie Foster da continuidad a su carrera como directora con “El castor”, otro singular drama intimista, a través del que exalta el cariño familiar como el gran remedio contra la epidemia de individualismo e incomunicación que padece el mundo actual. En este sentido, tiene especial interés la subtrama del hijo adolescente de Walter, que no acaba de valorar los esfuerzos de su padre por superar su enfermedad. Y enriquecen esa reflexión principal apuntes certeros sobre las predisposiciones genéticas, las modas culturales, los medios de comunicación, la humildad, la necesidad de dejarse ayudar… JJ Martín, COPE.



Con una historia que pasó de relato a novela y de novela a guión cinematográfico, la directora Foster se arriesga con una película de temática cuanto menos curiosa y sale de la empresa con los deberes hechos. Su obra ensalza la fuerza de los lazos familiares, por muy dura que sea la situación. Presentándolo quizá como el único lugar donde el hombre se siente seguro. La película recupera a un Gibson renovado frente a las cámaras, demostrando su capacidad interpretativa con un “doble” personaje que hace sonreír con un humor sutil y hace temblar con arranques de cólera. El Castor te hace reír y te estremece. Fila Siete.

Más información en Decine21.

27 de mayo de 2011

MY FAIR LADY (1964). George Cukor. Musical. Jóvenes. ****. DVD

Versión cinematográfica de la comedia del escritor irlandés George Bernard Shaw, Pigmalion. Dirigida en 1964 por el gran George Cukor (Historias de Filadelfia) y protagonizada por Audrey Hepburn, Rex Harrison y Gladys Cooper, se convirtió en una de las películas más laureadas de todos los tiempos, triunfadora en los Oscar, BAFTA y Globos de Oro.

En una lluviosa noche de 1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins (Rex Harrison) conoce a la harapienta y malhablada vendedora de violetas, Eliza Doolittle (Audrey Hepburn). El vulgar lenguaje de la florista despierta su interés como fonetista, y está tan convencido de sus dotes y capacidades como profesor, que hace una temeraria apuesta con el coronel Pickering (otro especialista en temas linguísticos): en seis meses será capaz de que  esa vulgar criatura se comporte y exprese como una dama de la alta sociedad.

1964 fue el año del triunfo indiscutible de My fair Lady, que con sus doce nominaciones y ocho Oscar se convirtió en una de las películas más premiadas de la historia del cine. Se trata de una impresionante adaptación de un musical que llevaba en escena casi una década y que había lanzado a la fama en 1956 a Julie Andrews. Este dato resulta crucial para entender por qué, entre tantas nominaciones, no figuró la de Audrey Hepburn -el Oscar femenino se lo llevó, no inmerecidamente, precisamente Julie Andrews por su gran interpretación en Mary Poppins-. Bajo mi punto de vista se cometió una terrible injusticia con ella, pues a pesar de su esfuerzo interpretativo, cantando todas las canciones, a la hora de la verdad fue doblada en casi todas por Marni Nixon. Es una pena, pues el tono de voz de la primera resulta mucho más natural y encaja mejor con el perfil del personaje. Esto hace que vista la obra en versión original, que es como hay que verla, se note demasiado el salto de una voz a otra; no hay más que escuchar show me y ¿no sería encantador? interpretadas por Audrey, incluidas entre los extras de la edición especial del DVD que conmemoraba su 40 aniversario, para lamentar que se haya perdido para siempre la oportunidad de disfrutar de su interpretación íntegra.


Esta joya clásica del cine musical, además de sus incuestionables méritos artísticos, nos muestra que con trabajo, esfuerzo y disciplina se puede conseguir cualquier cosa. También la belleza escondida en toda alma humana, sea cual sea su condición social y lo que muestren las apariencias, o la importancia del lenguaje y de saber expresarse con corrección.

Algunas curiosidades: George Cukor consiguió el único Oscar de su dilatada y meritoria carrera; Rex Harrison había participado en el musical de Broadway en el que se inspiró la película; y la Warner se hacía, al fin, tras Casablanca y veinte años de sequía, con el preciado galardón a la Mejor Película.

Fuentes: Filmaffinity, Decine21 y Enciclopecia Ilustrada de los Oscar (Notorius Ediciones).

25 de mayo de 2011

LA EVOLUCIÓN DE CALPURNIA TATE. Jacqueline Kelly. Novela. Roca (272 págs.)

La autora consigue enganchar al lector con una historia sencilla y muy divertida que se desarrolla en el marco de una familia de ocho hijos y en la que suceden anécdotas pequeñas y domésticas, relatadas con brillantez. Jacqueline Kelly ha conseguido una novela deliciosa en la que la mirada deslumbrante y audaz sobre la adolescencia es siempre muy positiva. Selección Literaria TROA.

La evolución de Calpurnia Tate es un libro juvenil para mayores. Porque es un libro juvenil pero al estilo de aquellos que se leían hace 20 ó 30 ó 50 años, cuando el mundo era menos cibernético y las novelas se desarrollaban en veranos interminables en grandes casonas inglesas con chimenea y, preferentemente, con desván o pasadizo secreto. Este libro recoge esa tradición y nos devuelve a otro tiempo de lectura más pausado y más ingenuo, ni mejor ni peor que el de las trepidantes lecturas juveniles actuales, simplemente diferente, pero que uno recuerda con gran cariño. Por tanto, a este libro se le puede considerar un fósil, pero también una joya. Qué Leer.

Sinopsis

Calpurnia, Callie Vee, es una niña que vive en un pueblo de Texas. A pesar de que su madre insiste en que aprenda a tocar el piano, coser y cocinar, ella está más interesada en lo que ocurre tras la puerta cerrada de la biblioteca, o en el laboratorio de su abuelo. Poco a poco irá ganándose a este señor un tanto huraño y empezará a colaborar con él en sus observaciones del medio natural, aprenderá quién es Darwin, qué son las especies y las subespecies y también lo idiotas que se vuelven los hermanos mayores cuando se enamoran.

Así empieza...
«Aquel verano de 1899, yo tenía once años y era la única chica de siete hermanos. ¿Os podéis imaginar una situación peor? Me llamo Calpurnia Virginia Tate…»

Y así continúa...
«Reanudamos nuestro camino hacia el río y hallamos sombra bajo un árbol hospitalario en la parte baja de las pacanas. Entonces el abuelo me contó unas cosas increíbles. Me explicó maneras de llegar a la verdad de cualquier tema, no sólo sentándote a pensar en ello como Aristóteles (un señor griego, listo pero confundido), sino saliendo a mirar con tus propios ojos; me habló de hacer hipótesis e idear experimentos, y de comprobar mediante observación y llegar a una conclusión.»

Leer primer capítulo por gentileza de Roca Editorial.

Jacqueline Kelly nació en Nueva Zelanda y creció en Canada. En la acutalidad vive con su marido y varios perros y gatos en Austen y Fentress, Texas, USA. Esta es su primera novela.

21 de mayo de 2011

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS (2011). Rob Marshall. Aventuras. Jóvenes. **. ESTRENO

Cuarta entrega de la saga iniciada por Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra. Entonces, allá por 2003, ese film significó la recuperación por todo lo alto de las películas de aventuras que han poblado siempre la imaginación infantil.
Los reinos de España e Inglaterra se disputan la hegemonía de los mares, y sus respectivos reyes buscan encontrar la mítica Fuente de la eterna juventud, localizada al parecer por el descubridor Ponce de León. Jack Sparrow, quien ha estado investigando por su cuenta el itinerario hacia el misterioso lugar, será capturado por el rey inglés... Decine21 (Crítica).

Rodada en Hawai y dirigida por Rob Marshall (“Chicago”), esta cuarta aventura fílmica del Capitán Sparrow y sus secuaces resulta más acumulativa y menos ágil que las anteriores, aunque sigue siendo muy entretenida y espectacular, sobre todo en su primera mitad. A las gansadas habituales de Johnny Depp, se añade esta vez la carismática presencia de Penélope Cruz, una emotiva subtrama romántica entre un joven pastor protestante y una sirena, y abundantes peleas, persecuciones y abordajes... Más criticable resulta la excesiva duración del filme y su tópica visión del supuestamente intolerante catolicismo español. JJ Martín, COPE.


Ha cambiado el director pero todo sigue igual, fastidiosamente igual. Es como ir de nuevo al mismo parque temático. Todo está muy visto y oído, sólo queda subir la música y sacar unas sirenitas muy monas, entre las que destaca la hispano-francesa Astrid Berges-Frisbey, a la que vimos hace poco en Bruc... El diseño de producción es impecable, la fotografía (a pesar de las gafas oscuras), también, y que más quieren que les diga: qué añoranza de una buena novela de Salgari... Fila Siete.

Más información en Decine21.

20 de mayo de 2011

LA REINA CRISTINA DE SUECIA (1933). Rouben Mamoulian. Drama histórico. Jóvenes. ****. DVD.

Título cumbre de la filmografía de Greta Garbo, en el papel de la legendaria soberana sueca del siglo XVII, que fue capaz de renunciar al trono por amor. Mamoulian supo dar a la historia el toque que requería, destacando la emotividad de algunas escenas.

Personajes

En honor a la verdad, tengo que decir que hay pocos personajes en esta historia que me hayan resultado “redondamente” atractivos. Tanto es así, que únicamente salvaría de la quema al sirviente personal de la reina, Aage (C. Aubrey Smith). Un personaje entrañable, cariñoso, servicial, y leal en cualquier circunstancia. Que no se excusa en el comportamiento nada convencional de su señora para dejar de servirla, llegando al extremo de seguirla más allá de lo que exigiría su deber.
La reina Cristina, por su parte, tiene algunas cualidades que la dotan de un peculiar atractivo como gobernante. Así, la vemos mantener su criterio –en contra de la guerra- a pesar de la oposición de toda la nobleza, o enfrentarse valientemente a la turba que pretende asaltar el palacio. Pero, sin duda, su gesto más heroico es la renuncia al trono por amor. Se trata de una actitud coherente y responsable, pues cuando constata que su punto de vista no es aceptado, no antepone sus intereses personales y decide abdicar en favor de la persona que mejor puede representar el ideal y la tradición sueca. Sin embargo, este cúmulo de virtudes se ve empañado por una moral sexual laxa y sin compromiso, llegando incluso a promocionar a tesorero real a su último amante. Precisamente es este último, Magnus (Ian Keith), el personaje más siniestro de la trama, con un repertorio bastante completo de actitudes negativas: deslealtad, ambición, mentira, instigación a la revuelta o venganza. En cuanto al embajador español, me parece un personaje tópico, sin interés, que cae fácilmente en las redes de la seducción femenina, llegando a olvidar su misión y comprometiendo seriamente –con razón o sin ella- la estabilidad de un reino por un amor insuficientemente madurado.

Temas de interés

La actitud de esta singular reina y el modo en que afrontó el conflicto entre las exigencias del cargo y sus intereses personales, puede ser un buen punto de partida para establecer un debate sobre el papel de la monarquía en la historia y en la actualidad.
Otra cuestión no menos interesante es el valor que quienes ostentan cargos representativos deben dar a sus principios y convicciones personales. Hasta qué punto puede ser conveniente y hasta necesario transigir con el punto de vista ajeno y, por el contrario, en qué momento es imperativo plantarse con honestidad, y tener la valentía de arrostrar las consecuencias.
Una tercera cuestión, muy de actualidad, sería el papel de la religión en la vida pública, qué debe entenderse por un Estado aconfesional y una laicidad correctamente entendida, frente a la ideología que defiende un integrismo laicista. La religión como elemento de unión y no como arma arrojadiza entre los pueblos.

Valor educativo

La importancia del auténtico amor conyugal en la vida de las personas. Las relaciones sexuales sin responsabilidad ni compromiso son incapaces de proporcionar la plenitud que prometen. Generan insatisfacción y conducen por un camino de búsqueda incesante y frustración permanente. El amor auténtico, el único capaz de colmar las ansias de felicidad humana, está hecho de entrega generosa y olvido de sí.
La necesidad de mantener una actitud vital coherente e íntegra en cualquier circunstancia, y no olvidar que el hombre, por mucho que lo intente, nunca tendrá un control absoluto sobre su futuro. Fijarse metas meramente humanas es renunciar a una vida plena.

Civilidad

La reina Cristina de Suecia es un buen ejemplo para contemplar esta virtud desde el punto de vista de quien ocupa un cargo público. La civilidad aplicada a quien ostenta autoridad, supone que el poder ha de ejercerse evitando actitudes extremas. Por un lado la tiranía –el tirano se apodera de sus funciones como dueño y no como representante, menosprecia injustamente a sus representados, se convierte en depredador, rompe la cohesión, fomenta la división y la confrontación, llegando incluso a erigirse en fuente del bien y del mal secuestrando la voluntad del pueblo-. En el otro, la actitud irresponsable o pusilánime de quien queriendo contentar a todos es incapaz de tomar las decisiones que se requieren en cada momento, aunque resulten dolorosas o difíciles de aceptar.
Además de evitar estos comportamientos extremos, la civilidad exige que autoridades y ciudadanos se preocupen de conocer, cada uno a su nivel, el funcionamiento de las instituciones y participen en su mejora –incluyendo la reforma del ordenamiento jurídico cuando sea necesario-, ejerzan sus derechos y cumplan con sus obligaciones. De este modo las autoridades tendrán siempre como punto de mira el bien común, desempeñando su tarea con generosidad –sacrificando el interés individual en servicio de la comunidad-, preocupándose por mejorar su preparación y competencia –rodeándose de asesores competentes, más allá de afinidades personales o políticas-, ejerciendo el cargo con honestidad, sin fraudes ni engaños al pueblo, conociendo y respetando los límites de su autoridad, y dando cuentas de su desempeño.

Más información en Decine21. Otras fuentes: Guía del Vídeo-cine (Cátedra).

18 de mayo de 2011

DIME QUIÉN SOY. Julia Navarro. Novela. Plaza y Janés.

Novela llena de acción que recorre la historia europea del siglo XX y sus terribles acontecimientos: Guerra Civil Española,  Segunda Guerra Mundial, nazismo, estalinismo... Un magnífico retrato de quienes vivieron intensa y apasionadamente el turbulento siglo XX. 

Sinopsis

Un periodista recibe una propuesta para investigar la azarosa vida de su bisabuela, una mujer de la que solo se sabe que huyó de España abandonando a su marido y a su hijo poco antes de que estallara la Guerra Civil. Para rescatarla del olvido deberá reconstruir su historia desde los cimientos, encajando todas las piezas del extraordinario puzle de su existencia.

Marcada por los hombres que pasaron por su vida -el empresario Santiago Carranza, el revolucionario Pierre Comte, el periodista estadounidense Albert James y el médico militar vinculado al nazismo Max von Schumann-, la historia de Amelia Garayoa es la de una mujer que aprendió que en la vida no se puede volver sobre el pasado para deshacerlo. Desde la España republicana hasta la caída del muro de Berlín, pasando por la Segunda Guerra Mundial y los oscuros años de la Guerra Fría, esta burguesa y revolucionaria, esposa y amante, espía y asesina, actuará siempre de acuerdo a sus principios, enfrentándose a todo y cometiendo errores que no terminará nunca de pagar.

Una apasionante aventura protagonizada por unos personajes inolvidables cuyas vidas construyen un magnífico retrato de la historia del siglo XX. Desde los años de la Segunda República española hasta la caída del Muro de Berlín pasando por la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría, la nueva novela de Julia Navarro rebosa intriga, política, espionaje, amor y traición.

Julia Navarro (Madrid, 1953) es periodista y en el curso de su carrera ha trabajado en prensa, radio y televisión. Actualmente es analítica política en la Agencia Europa Press y colabora en diversos medios de comunicación. Es autora de libros de actualidad política -Nosotros, la transición; Entre Felipe y Aznar; La izquierda que viene y Señora presidenta- y de cuatro novelas con las que ha cosechado notable éxito nacional e internacional.

Fuentes: Aceprensa, web de la autora, y Plaza y Janés.

16 de mayo de 2011

MIDNIGHT IN PARIS (2011). Woody Allen. Comedia. Jóvenes. ****. Estreno.

Antes de su inminente boda, Gil (Owen Wilson) e Inez (Rachel McAdams) pasan unos días en París con los ricos padres de ella. Él es un prestigioso guionista de Hollywood, pero ansía publicar su primera novela, que revisa esos días mientras soporta el creciente entusiasmo de Inez hacia Paul (Michael Sheen), un inglés pedante que les hace de cicerone. Una noche, Gil vuelve por su cuenta al hotel, y se pierde en las calles parisinas. Cuando un reloj da las doce campanadas, un coche antiguo para a su lado, y sus ocupantes le invitan a subir. De este modo, se ve trasladado al París de los años 20. JJ Martín Cope.

Midnight in Paris resulta una película de muy buen nivel, de lo mejor que ha hecho Woody Allen en los últimos 20 años. Es una comedia deliciosa, con un guión ingenioso que incluye un sentido del humor fino, con una ironía socarrona que obvia el sarcasmo y corrige la tendencia, últimamente acentuada, de este cómico brillante -ombliguista y autorreferencial como pocos- a subirse al púlpito para largarnos sermones con camuflaje festivo y dar en el morro a quien no le cae bien. Tiene un envidiable sentido del ritmo, una estupenda puesta en escena y una factura brillante, al servicio de unos actores magníficos. Fila Siete.


Allen tira del hilo desde una triple vertiente. Y las tres resultan extraordinarias. La primera, la cómica, en la que el autor neoyorquino deja para la posteridad un puñado de frases sublimes y en la que destacan las desternillantes presencias de Hemingway... La segunda, la romántica, donde de nuevo la espontaneidad de un paseo bajo la lluvia y lo aún por experimentar enlazan con una visión del amor casi rohmeriana... Y tercera, la relevancia de su discurso sobre la nostalgia como auténtica pérdida de tiempo, ejemplificada en otro maravilloso gag con Toulouse-Lautrec, Degas y Gauguin como protagonistas. El País.


Midnight in Paris es un homenaje a la ciudad de las luces, magníficamente retratada, especialmente de noche y bajo la lluvia. También a una época dorada en que fue capaz de congregar a no pocos genios artísticos. Un cuadro inigualable que invitaba a la creatividad. Pero no se queda ahí. Esta vez, Woody Allen, menos cínico, más esperanzado, parece decirnos que no hay mejor época que la que a cada uno le ha tocado vivir. Aquí y ahora tenemos nuestro sitio... y aquí es posible la felicidad, aunque hay que saber buscarla y no conformarse con sucedáneos. En la vida, muchas veces, hay que tener la valentía de decir que no.

Más información en Decine21.

14 de mayo de 2011

ALEXIA (2011). Pedro Delgado. Documental. Jóvenes. ***. Estreno.

Es hermoso lo que ha hecho el director de este documental. Simplemente (no es fácil) se ha dejado llevar por la sencillez desarmante de la historia que se ha propuesto contar. Delgado y Martín, con un guión más trabajado de lo que pudiera parecer, han compuesto las piezas del puzzle, del paisaje humano de una niña que muere con 14 años, y lo han hecho con un lenguaje cinematográfico acorde con una historia que lo que tiene de extraordinaria es, paradójicamente, su tremenda cotidianidad. Alegre y serena llega esta película, que se ve bien y que te permite acercarte a una historia sencilla de gente cotidiana. Fila Siete (Crítica).


Dirigido por Pedro Delgado (Puerta del tiempo), este documental de creación reconstruye la vida de Alexia González-Barros González (Madrid, 7 de marzo de 1971 – Pamplona, 5 de diciembre de 1985), una adolescente que está en proceso de beatificación desde 1993, sobre todo por la fe, entereza y alegría con que afrontó la enfermedad. En efecto, Alexia falleció a los catorce años a causa de un tumor en la columna vertebral. Y, desde su muerte, su devoción se ha extendido por los cinco continentes. Narrado en primera persona por la propia Alexia (Miriam Fernández) y por su ángel custodio, Hugo (Richard del Olmo), el filme incluye testimonios de sus familiares, profesoras y amigas, de los médicos y sacerdotes que la ayudaron, y de varios expertos en procesos de canonización. Todo ello, ilustrado con abundante material fotográfico y fílmico, numerosos fragmentos de las películas domésticas rodadas por su familia e ilustraciones divertidas de algunos episodios significativos de su vida. (www.alexialapelicula.com)


Palabras del director:

Hace relativamente poco tiempo, por motivos de trabajo, tuve que ver una película que se decía inspirada en la vida de Alexia. La verdad es que no tenía ni idea de quién era esa niña, pero suscitó mi interés una dedicatoria al final del film a Alexia González-Barros. Pienso que con este documental he aportado mi granito de arena para mostrar el verdadero rostro de Alexia y el cariño de su familia.

A Paco, el padre de Alexia, le encantaba rodar imágenes de su familia. Llegó a tomar algunas de Moncha embarazada de Alexia. Mantuvo su afición durante muchos años y eso nos ha permitido disponer de un auténtico tesoro documental: la verdadera vida de Alexia en película, desde sus primeros días hasta que se hizo adolescente, antes de enfermar.

Alexia con muy pocos años imitando a Charlot, Alexia en bici o correteando con sus perros; de vacaciones con sus hermanos, abriendo los regalos de Navidad … ¡O subiéndose por los muebles! Todo eso, además de entrevistas a los hermanos y a quienes la conocieron, profesoras, sacerdotes, médicos y amigas.

Claro que para acabar de acercarnos a ella era inevitable rodar sus juguetes, su ropa, sus cuadernos de clase (en uno de los cuales escribió una redacción inédita, premonitoria de su muerte). ¿Y qué decir de sus gustos? Descubriremos, por ejemplo, a la Alexia cinéfila que en su diario de la clínica dejó constancia de las películas que veía… Una vida normal, pero con una particularidad: vivió intensamente la presencia de Dios. (www.alexialapelicula.com).

Más información en Decine21.

13 de mayo de 2011

TENÍAS QUE SER TÚ (2010). Anand Tucker. Comedia romántica. Jóvenes. ***. DVD.

Simpática y agradable comedia romántica protagonizada por Amy Adams y Mattehew Goode que, sorprendentemente, no cede al mal gusto que últimamente se ha instalado en el género más querido por el público. No me parece aventurada esta afirmación, pues en caso contrario no se entendería que desde aquellas maravillosas películas de los años 30, encabezadas por Sucedió un noche y una larga lista de obras magníficas, año tras año, la cartelera se inunde de títulos con la misma temática y esquema.

El argumento siempre es el mismo: uno y una -o una y uno, da igual- se conocen, en principio no se pueden ver, pero en realidad se mueren el uno por el otro y, tras múltiples encontronazos y situaciones divertidas, terminan por reconocer que la vida no tiene sentido si ella o sin él. Y aunque siempre sea lo mismo, nunca pasa de moda, porque el gran tema de fondo es el amor, aspiración de todos y de todas.

¿Qué varía entonces? ¿Qué hace que unas películas puedan considerarse mejores que otras? Pues multitud de factores, empezando por el guión y terminando por el carisma de sus protagonistas y la química que pueda haber entre ellos -quién no recuerda, por ejemplo, a esa inolvidable pareja formada por Tracy y Hepburn en tantos títulos memorables-. Cambia el desencadenante del conflicto, la inteligencia de los diálogos, la mayor o menor originalidad de las situaciones, el buen gusto, la puesta en escena, la banda sonora, su concepción del hombre, del amor y de la familia... y también su mayor o menor sensibilidad para captar los tics de una época.

No me cabe duda de que es un género difícil, pues resulta complicado sorprender o implicar al espectador con un esquema tan trillado. Hace falta ingenio para lograrlo y, con frecuencia, es más fácil caer en lo burdo, lo grosero y lo soez para ganarse la sonrisa fácil y escalar posiciones en la taquilla. Tenías que ser tú, no recurre a ninguna artimaña de este tipo; es una comedia clásica en todos los sentidos, fuertemente apoyada en los diálogos, la espectacular fotografía de parajes naturales irlandeses, los equívocos incesantes, el ritmo, el duelo interpretativo y la evolución de los personajes. No es una obra maestra, pero se deja ver con agrado y en un año de sequía para el género, como ha sido 2010, sobresale con derecho propio.

No busquen nada extraordinario, sólo dispónganse a pasar un buen rato con las peripecias de estos dos jóvenes y disfruten de la belleza de Irlanda y del amor...


Cuando Anna se entera de que existe una curiosa tradición irlandesa según la cual las mujeres pueden tomar la iniciativa y declarse el día 29 de febrero (el llamado "Leap Day"), toma un vuelo de Boston a Irlanda para sorprender a su novio, un prometedor cardiólogo, y pedirle que se case con ella. Todo parece irse al traste cuando, a causa de una fuerte tormenta, su avión tiene que tomar tierra en Gales. Una vez en Irlanda contrata a Declan, dueño del pub-posada y taxista en un pequeño pueblo costero, para que la lleve hasta Dublín. Tienen dos días para atravesar el país. En principio parece suficiente, pero no cuentan con los imponderables ni con sus consecuencias.

La película está dirigida por Anand Tucker, y destaca especialmente por la lograda fotografía de los grandiosos parajes naturales irlandeses, así como por su elogio del matrimonio y de la vida sencilla, frente al materialismo y afán de tener que se ha instalado en tantos corazones.

Fuentes: Decine21 y Filmaffinity.

11 de mayo de 2011

Preestreno de ALEXIA. Documental dirigido por Pedro Delgado.

EL CONFIDENCIAL DIGITAL. 11-05-2011

La película-documental ‘Alexia’ se estrena este viernes en nueve ciudades españolas, pero durante las próximas semanas habrá pases en al menos otras cuarenta localidades españolas y veinte extranjeras. Decenas de colegios se han interesado por el film, entre otros el ‘Jesús Maestro’ de Madrid, donde estudió Alexia González-Barros.

Según informó ‘Religión Confidencial’, este documental de creación reconstruye la vida de Alexia González-Barros (Madrid, 1971-Pamplona, 1985), una adolescente que está en proceso de beatificación desde 1993, sobre todo por la fe, entereza y alegría con que afrontó un cáncer en la columna vertebral.

‘Alexia’ se estrena este viernes en Madrid (Palafox y Dreams), Alcalá de Henares (La dehesa cuadernillos), Barcelona (Alexandra), Sevilla (Al andalus montequinto), Valencia (Lys), Zaragoza (Aragonia), Bilbao (Multicines siete), Pamplona (Olite o Carlos III) y Murcia (El Tiro). En Las Rozas (Heron city) se harán pases a partir del 19 de mayo.

Las veinte peticiones extranjeras que la película ha recibido hasta el momento proceden de países como Argentina, México, Perú, Venezuela, Ecuador, Guatemala, Finlandia y República Checa.

Alexia González-Barros inspiró la película ‘Camino’, de Javier Fesser, que ofreció una visión deformada y falsa de su vida.

Unas 700 personas asistieron a la ‘premiere’, en el cine Palafox de Madrid. Entre ellas estuvo Miriam Fernández, que pone la voz a Alexia en la película. Miriam, que padece una grave lesión cerebral que le impide andar sin ayuda de un andador, se dio a conocer como cantante tras ganar el programa-concurso ‘Tú sí que vales’, de Tele 5. La canción de la película ha sido interpretada por el grupo 'Melocos'.

Vea a continuación un vídeo con entrevistas el día de la ‘premiere’:

PLINIO, CASOS CÉLEBRES. Francisco García Pavón. Destino. Novela policíaca.

En este volumen se recogen tres de las más célebres novelas protagonizadas por Plinio, jefe de la policía municipal de Tomelloso: El reinado de Witiza, Las hermanas coloradas y El rapto de las sabinas. Además se completa con una colección de relatos con el mismo protagonista y que llevan por título El último sábado. Están ambientados en los años 60 y 70 del siglo pasado y destacan por su calidad literaria, intriga, sentido del humor, elegancia, y fidedigno retrato social del ambiente rural de aquella época.

CONTRAPORTADA

Francisco García Pavón es, sin duda, el pionero de la novela policíaca de calidad, y Plinio, su protagonista, es el primer personaje plenamente español, alejado de los trillados paradigmas de la novela negra anglosajona.
García Pavón no adapta sino que crea un personaje complejo, completo y humano, el Jefe de la policía municipal de Tomelloso. Como más adelante el Carvalho de Manuel Vázquez Montalbán o el sargento Bevilacqua de Lorenzo Silva, Plinio es un personaje real y vivaz, que es mucho más que un mero investigador de un caso; es el centro a través del cual se explican muchas otras historias que, a menudo, se convierten en una segunda razón de ser de la obra.
En estas novelas negras ya clásicas, García Pavón conjuga el humor, el retrato detallista, el costumbrismo y la intriga con un estilo de extrema exquisitez y finura.

Francisco García Pavón (Tomelloso, 1919 - Madrid, 1989), se doctoró en Filosofía y Letras por la Universidad de Madrid, fue catedrático de la Escuela de Arte Dramático de la misma ciudad y dirigió la editorial Taurus. Su primera novela, Cerca de Oviedo, fue finalista del Premio Nadal en 1946, y en 1969 fue galardonado con el Premio Nacional de la Crítica por El rapto de las sabinas y con el Nadal por Las hermanas coloradas. Entre su narrativa merecen especial mención las novelas protagonizadas por Manuel González, alias Plinio,  el castizo Jefe de la policía municipal de Tomelloso. Ediciones Destino.

6 de mayo de 2011

LA NIÑERA MÁGICA Y EL BIG BANG (2009). Susanna White. Fantástico. Todos-jóvenes. **. DVD.

En esta nueva entrega Nanny McPhee se presenta en la granja de los Green. Allí, Isabel, intenta sacar adelante a sus tres hijos y a la propiedad en medio de grandes dificultades, mientras su marido está en la guerra. Su llegada es bastante oportuna, pues los hijos de la Sra. Green libran una auténtica batalla contra dos primos malcriados que han venido de Londres a pasar una temporada en la granja. Sirviéndose de todo, desde una moto voladora y una estatua viviente, hasta un cerdito trepador de árboles y un bebé elefante que aparece en el lugar más inesperado, la niñera mágica da cinco lecciones a los traviesos e intrépidos niños.

Otra película que me deja frío. Vaya racha. Después de Alicia de Tim Burton, esperaba implicarme más en la historia de esta simpática familia granjera inglesa durante la II Guerra Mundial. Pero nada, de nada. No podemos negarle sus buenas intenciones, pero no goza de la frescura de la primera entrega. Vuelve a repetir el mismo esquema y, perdido el efecto sorpresa, se hace un poco pesada. Las gracias no lo son tanto y la evolución de los personajes tampoco es muy creíble que digamos. Todo resulta demasiado fácil.

Destaca por su colorido y vistosidad, así como por un tono predominantemente amable y "casi" exento de mal gusto. Además, deja meridianamente clara la importancia del calor familiar para los niños, o las nefastas consecuencias que la ruptura matrimonial y una educación permisiva puede llegar a tener sobre ellos. El contraste entre los hermanos de la gran ciudad, tristes en medio de la abundancia, y sus primos del campo rodeados de estrecheces, pero alegres y unidos, es uno de los platos fuertes del film. También le da vueltas el guión al tema de la generosidad y el egoísmo. La primera es fuente de felicidad, el segundo de tristeza, y ambos pueden darse con dinero o sin él.


 En suma, una cinta recomendable para los más pequeños de casa, que podrán disfrutar de las tropelerías de estos cinco niños y hasta es probable que les contagie algo de generosidad.

La película está protagonizada por Emma Thompson, que vuelve a enfundarse el disfraz de Nanny McPhee, niñera mágica que aparece cuando se la necesita pero no se la quiere y desaparece cuando se le toma cariño pero ya no se la necesita. La actriz inglesa es el alma del film, pues además de actuar, ha escrito el guión basado en la obra de Christianna Brand y ejercido labores de producción, dejando la dirección en las manos de otra mujer: Susanna White (Generation Kill).

Destaca Maggie Gyllenhaal (El caballero oscuro, World Trade Center) en el papel de la señora Green y la veterana Maggien Smith en un papel de anciana agradable y despistada.

Fuentes: Decine21, La Butaca,

4 de mayo de 2011

CREÍA QUE MI PADRE ERA DIOS. Paul Auster (Ed.). Anagrama. Relatos.

Este es un libro que seguramente no defraudará a nadie. La labor de Auster al seleccionar y agrupar las historias ha sido magnífica. El resultado es una obra grata de leer, coherente, amena, sorprendente, honesta... y muy humana. Rebosa humanidad por los cuatro costados, hasta el punto de poder afirmar, sin exagerar, que ofrece un poliédrico y respetuoso retrato del  alma.

Contraportada

Una propuesta inusual: Paul Auster invitó a los oyentes a participar en un programa de radio contando una historia verdadera. La respuesta fue abrumadora: más de cuatro mil relatos de los que Auster seleccionó y editó ciento ochenta, y que componen un volumen extraordinario. Son historias relatadas por gente de todas las edades, orígenes y trayectorias vitales. La mitad de los colaboradores son hombres y la otra mitad mujeres. Viven en ciudades, zonas residenciales y áreas rurales, y proceden de cuarenta y dos estados diferentes. La mayoría de las historias son breves, intensos fragmentos narrativos que combinan sucesos ordinarios y extraordinarios, y la mayor parte de ellas describen un incidente concreto en la vida del narrador. Unas son divertidas, como la historia de cómo el perro de un miembro del Ku Klux Klan apareció corriendo por la calle durante el desfile anual del Klan y le arrebató la capucha a su amo. Otras son misteriosas, como la historia de una mujer que vio cómo un pollo blanco caminaba por una calle de Portland, Oregón, subía a saltos los escalones de un porche, llamaba a la puerta y entraba tranquilamente en la casa.

Equívocos hilarantes, desgraciadas coincidencias, situaciones en que la muerte nos pasa rozando, encuentros milagrosos, ironías improbables, premoniciones, pesares, dolores, sueños... Esta singular recopilación abarca un sorprendente abanico de escenarios, épocas y temas. Testimonio del importante papel que el contar historias desempeña en nuestras vidas, Creía que mi padre era Dios ofrece una visión inusual del alma americana. Anagrama.

Paul Auster nació en 1947 en Nueva Jersey y estudió en la Universidad de Columbia. Tras un breve período como marino en un petrolero, vivió tres años en Francia, donde trabajó como traductor, "negro" literario y cuidador de una finca; desde 1974 reside en Nueva York. Galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006 por su carrera literaria.

2 de mayo de 2011

BEBÉS (2010). Thomas Balmès. Documental. Jóvenes. ***. ESTRENO.

Este documental sigue a cuatro bebés desde su nacimiento hasta que dan sus primeros pasos. Los niños son: Ponijao, que vive con su familia cerca de Opuwo, Namibia; Bayarjargal, que reside en Mongolia, cerca de Bayanchanamani; Mari nacida en Tokio, Japón, y Hattie, que reside en San Francisco, Estados Unidos. Bebés captura las etapas más tempranas del desarrollo humano, que son absolutamente únicas y universales. Bebés nos propone compartir un desafío excitante: seguir muy de cerca a cuatro bebés en cuatro países diferentes entre sí, desde su nacimiento a sus primeros pasos. CINEMANET (Críticas)

78 minutos de bebés, cuatro bebés pertenecientes a distintas culturas y clases sociales, pero iguales ante una cámara que capta milagrosamente la inocencia y debilidad, la fortaleza y pillería, la alegría y la exasperación. Catálogo de miradas, sonrisas y llantos de una naturalidad preciosa, resulta envidiable la naturalidad gestual que la cámara de Thomas Balmès extrae de lo cotidiano, de contextos y familias tan distintas como sus pequeños protagonistas: de la acomodada San Francisco a la Namibia rural, de la estepa mongola a la metrópoli de Tokio. J Revert, LaButaca.


A través de una fotografía deslumbrante, una planificación siempre sugerente y el hipnótico montaje de Craig McKay, Thomas Balmès entrelaza hábilmente el valioso material que ha rodado durante dos años, sumerge al espectador en la fascinante, divertida y conmovedora aventura del inicio de la vida humana, y le obliga a reflexionar sobre la maternidad, la paternidad y la filiación; las grandezas y miserias de la naturaleza humana —desde sus primeros llantos—, y las limitaciones del materialismo consumista, dominante en Occidente. JJ Martín, Cope.
Más información en DeCine21.

1 de mayo de 2011

THE COMPANY MEN (2010). John Wells. Drama. Jóvenes-adultos. ***. Estrenos.

Radiografía del fracaso del modelo económico basado en el éxito, el consumo, el dinero y las ganancias sin fin. Cuando una sociedad antepone el afán de tener a cualquier otra consideración, termina por destruirse a sí misma. Al final permanece lo auténtico: la familia, la amistad, el compañerismo y los valores que nos hacen verdaderamente humanos. CineCine.

Bobby Walker (Ben Affleck), un hombre seguro, familia feliz, profesión brillante y Porsche en la puerta, se queda en el paro. Pero no es el único. Sus compañeros de empresa, Phil Woodward (Chris Cooper) y Gene McClary (Tommy Lee Jones) compartirán con él un sitio en la cola del desempleo. John Wells, ganador de 5 Emmys por El Ala Oeste de la Casablanca y Urgencias, se estrena en la dirección cinematográfica con este retrato de la fractura del sueño americano. Contraste (Crítica).

John Wells rueda una película correcta, que no pasará a la historia del cine, pero que al menos resulta entretenida y contiene un par de ideas interesantes -que no quiere decir originales- sobre las penosas consecuencias de construir una sociedad únicamente sobre el pilar del dinero. De todas formas, más que en la historia, la película se apoya en los tres protagonistas: Ben Affleck cumple -su papel es el más dibujado- y a Tommy Lee Jones y a Chris Cooper les sobra experiencia para insuflar personalidad a sus secundarios. Fila Siete.


Su trama no es demasiado original, pero profundiza en las verdaderas coordenadas del desarrollo personal, exalta la unidad familiar y afirma su confianza en las segundas oportunidades, al tiempo que critica la falta de ética de muchas corporaciones empresariales y levanta acta de la deshumanización del modelo “yuppie” de triunfo material a cualquier precio. El tono es intimista, sereno, sin estridencias ideológicas ni melodramáticas. Y logra conectar con el espectador gracias al buen hacer de un reparto de lujo y de una fluida puesta en escena, que subraya siempre con acierto la perspectiva moral de cada situación. JJ Martín, COPE.
Más información en DeCine21.
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