EL NOVENO DÍA (2004). Volker Schlöndorff. Drama. Jóvenes. ***. DVD.

Un ambicioso teniente de la Gestapo, que fue seminarista, hace salir al padre Kremer del campo de Dachau con el pretexto de permitirle acudir al cementerio a despedirse de su madre recién fallecida, pero realmente lo que quiere es que en el plazo de 9 días el sacerdote sea capaz de convencer al obispo de Luxemburgo, para que firme un comunicado que justifique la ocupación alemana. La amenaza es grave: si no lo consigue, su familia y sus compañeros de barracón pueden ser eliminados, pero si el obispo acepta, Kremer no deberá regresar al campo de concentración, su familia podrá abandonar el país y sus compañeros sacerdotes mejorarán sus condiciones de vida. Fila Siete.

El Noveno día es, ante todo, una película intimista, un ejercicio intelectual para entrar en la mente de los personajes y descubrir el juego de la conciencia. Gustará mucho a quien sepa entrar en esta dinámica. Salvo en determinados pasajes, se buscan los escenarios de interior y una fotografía fría que permitan centrarse en el duelo entre el sacerdote católico y el ideólogo nazi. No es lenta, pero la carga se encuentra sobre todo en las conversaciones, en diálogos con contenido. No se busca tanto la personalidad como las ideas. TELEVIDEO familiar.

La figura sacerdotal más impresionante que en los últimos años ha aparecido en la gran pantalla es, sin duda, el luxemburgués Henri Kremer, el protagonista de «El noveno día» (2004) de Volker Schlöndorff. El filme narra un hecho absolutamente fuera de lo común: el presbítero -que en realidad se llamaba Jean Bernard- pudo salir en febrero de 1942 del campo de concentración de Dachau; le dieron un permiso de diez días para asistir al entierro de su madre. Según recoge en sus recuerdos, la vida de los otros sacerdotes prisioneros en el campo dependía de su decisión de regresar voluntariamente tras esas vacaciones. La idea de que con ese permiso, la Gestapo buscaba «reeducarlo» para conseguir un éxito de propaganda -así suponía el sacerdote- proporciona la base para desarrollar el guión. El recurso que aplican los guionistas Eberhard Görner y Andreas Pflüger -hacer del jefe de la Gestapo en Luxemburgo un antiguo seminarista que, poco antes de la ordenación, dejó la religión católica para abrazar la ideología nazi- permite introducir el debate teológico que se encuentra en el centro del filme. Henri Kremer resiste a las sutiles tentaciones del nazi. Acerca de esto, el director Schlöndorff comentaba en una entrevista con el autor de estas líneas: «El film es la historia de una tentación; el sacerdote sabe desde un primer momento lo que es correcto y lo que no lo es; pero no sabe si tendrá las suficientes fuerzas». CINEMANET.

Más información en Decine21.

SÓLO TE AHORCAN UNA VEZ. Dashiell Hammett. Relatos policíacos. Seix Barral.

Contraportada

El presente volumen reúne la recopilación más exhaustiva, de forma independiente, de las piezas breves de Dashiell Hammett. Estas diecinueve historias aparecieron originalmente en revistas como la célebre Black Mask -en la que Hammett comenzara a publicar-. en True Detective Stories, Argosy, o Sunset Magazine, entre otras.

Sólo te ahorcan una vez es una puerta abierta a los años en que Hammett comenzaba a exhibir su flamante talento escribiendo con la fuerza y el vigor de un estilo desnudo que se adapta perfectamente a la intensidad de sus historias. Con estas narraciones creó un nuevo tipo de novela negra: amarga, dura y exenta de sentimentalismos, capaz en su crudeza de reflejar la violencia de la época. Puro Hammett.

"Hammett hizo una y otra vez lo que sólo pueden lograr los mejores escritores. Escribió escenas que parecían no haberse escrito nunca", Raymond Chandler; "Los diálogos de Dashiell Hammett sólo pueden compararse a los del mejor Hemingway", André Gide; "Una lectura esencial para los seguidores de Hammett,  y todo aquel interesado en el origen de la novela negra americana", The Seattle Times.

Dashiell Hammett nació en St. Mary’s County, Maryland, en 1894. Creció en Filadelfia y Baltimore. Desde que abandonó el colegio a los catorce años ocupó diferentes empleos, hasta que entró a formar parte de la Agencia de Detectives Pinkerton, donde trabajó durante años. Comenzó escribiendo relatos policiacos para la revista Black Mask en 1922. En 1929 publicó su primera novela, Cosecha roja, en la que aparece por vez primera su personaje sin nombre, el agente de la Continental, que protagonizó también la novela La maldición de los Dain (1929), y numerosos relatos. Después vendrían El halcón maltés (1930), en la que creó al ya célebre Sam Spade, y que fue llevada al cine por John Huston en 1941, La llave de cristal (1931) y El hombre delgado (1932), también inmortalizadas con éxito en la gran pantalla. Sirvió en las dos guerras mundiales y trabajó como guionista en Hollywood.

En 1951 fue encarcelado durante algunos meses, acusado de colaboración con el Partido Comunista. Murió en 1961 tras sufrir durante años el acoso del Comité de actividades antiamericanas, los inspectores de Hacienda y el FBI. Seix Barral.

OTRA TIERRA (2011). Mike Cahill. Drama. Jóvenes-adultos. ***. Estreno.

Un viaje a otro planeta, y al fondo del alma. La joven y brillante Rhoda iba a estudiar astrofísica en el MIT, pero una noche, precisamente la del día en que se ha descubierto un nuevo planeta en el cielo, se estrella contra el coche de un músico, John, y mata a su mujer e hijos. Cuatro años más tarde Rhoda sale de la cárcel con un incurable sentimiento de culpa y va a disculparse ante John, que se ha abandonado a la bebida. Mientras tanto el nuevo planeta se ha estabilizado junto al nuestro y resulta ser un duplicado exacto de la Tierra, gente incluida, y hay proyectos de acudir a visitarlo. Fila Siete.

La película tiene un marcado tono indie, y sabe crear una atmósfera densa, creíble, con hondura dramática y con fuerza hipnótica. El filme hace gala de un lenguaje muy posmoderno en sus códigos visuales, en sus encuadres poco finos, su textura a menudo con grano y sus eventuales desenfoques. El acento en el filme de Cahill está en la necesidad de ser perdonado y curar las heridas, más que en un clásico “volver a empezar”. Ciertamente, el filme carece de la trascendencia nítidamente cristiana de “El árbol de la vida”, pero la presencia del misterio atraviesa la vida de la protagonista. J.J. Martín (Cope).

Brillante y prometedor debut en la realización de Mike Cahill, también coautor del guión junto con Brit Marling, la protagonista de la cinta. Obtuvo muy buenas críticas tras su paso por el Festival de Sundance, donde le concedieron el premio Alfred. P. Sloan, a la mejor película con temática científica, y el Premio Especial del Jurado a la mejor película dramática. Otra tierra es un buen relato de ciencia ficción que no necesita de un amplio presupuesto para efectos especiales para resultar eficaz. Pero es también un buen drama de personajes con factura de cine 'indie', sobre la redención y la culpa, de inusitada intensidad dramática. DeCine21.

MARGIN CALL (2011). J.C. Chandor. Thriller. Jóvenes. ***. Estreno.

Manhattan, 2008. Un poderoso banco de in­versión tendrá que tomar difíciles decisiones ante una crisis económica que está a pun­to de estallar. J.C. Chandor debuta en el cine con este in­teresante thriller que cuenta las 24 horas pre­vias al inicio de la gran recesión que vivimos actualmente. Chandor centra el conflicto en las conversaciones que, durante una lar­ga no­che, mantendrán los directivos del ban­co pa­ra tratar de evitar el hundimiento. La cinta se apoya exclusivamente en un guión bien trabado que se pelea por no caer en tecnicismos (y lo consigue casi siempre)... y en un reparto de cinco estrellas. Fila Siete.

Con un guión de hierro, que recuerda el de obras maestras como “Glengarry Glenn Ross”, de David Mamet, la película convierte casi en un “thriller” un argumento económico y empresarial, y consigue que los conflictos humanos y morales vayan emergiendo hasta situarse en el primer nivel de la trama. Las reflexiones que nos brindan los personajes, especialmente el magnate John Tuld (Jeremy Irons), quintaesencia del capitalismo salvaje, son realmente inquietantes y vuelven a poner sobre la mesa lo que ya nadie duda: la crisis, antes de ser económica, ha sido moral. JJ Martín (Cope).

Lo que llama la atención es cómo Chandor logra armar un excelente guión con un material tan aburrido a primera vista y, ante todo, tan terriblemente simple: el film no es más que adornar la toma de una decisión empresarial. Chandor consigue atrapar como si su historia fuera un thriller de intriga, gracias a unos personajes complejos, tiburones del dinero, tan diferentes como iguales a un tiempo, creaciones espantosas de la avaricia del mercado, pero también humanos. Estamos ante una película crítica y dura con el capitalismo sin escrúpulos de la sociedad moderna. DeCine21.

SIGO COMO DIOS (2007). Tom Shadyac. Comedia. Jóvenes. **. DVD.

A Evan, congresista de Estados Unidos, Dios le encarga que construya un arca. Como la de Noé. Evan, por supuesto, no hace ni caso. Hasta que en sus recorridos por Washington comienzan a seguirle parejas de animales de todas las especies. La película tiene más recorrido del que a primera vista pudiera parecer. Hay baches narrativos, secuencias repetitivas y el humor no está afinado del todo. Por otra parte, la trama se muestra respetuosa en la cuestión religiosa. Steve Carell encarna a un personaje que es buena gente y que, poco a poco, va aceptando el papel que le toca en la vida. Entretenida. TELEVIDEO familiar.

Shadyac busca desesperadamente al Capra de Caballero sin espada como referente, pero el intento de contar una sátira política bienintencionada se pierde entre situaciones cómicas poco imaginativas, que no contribuyen demasiado al desarrollo de la historia y que en algunos momentos parecen metidas con calzador. A pesar de ello, la buena labor de Carell y los sólidos valores de producción (para algo tenía que servir tanto millón) hacen que el filme sea más llevadero de lo que amenazaba su debacle de crítica y público en tierras norteamericanas. Fila Siete.

Secuela de Como Dios, una divertida comedia protagonizada en su día por Jim Carrey, que no quiso repetir en esta ocasión, cediendo el testigo a Steve Carell. Éste interpretaba en aquella un papel secundario, el presentador televisivo Evan Baxter. El principal acierto de los guionistas es que no pretenden copiar al milímetro la primera parte, como hacen casi todas las secuelas, sino que se aventuran a seguir otros derroteros. Al igual que Capra, Shadyac no duda en introducir moralejas valiosas, en torno a la unidad familiar, al valor del servicio a los demás, y sobre todo a la aceptación de los designios divinos. DeCine21.

CONTAGIO (2011). Steven Soderbergh. Ciencia-ficción. Jóvenes. ***. Estreno.

“Contagio” narra el rápido progreso de un virus letal que se transmite por el aire y mata en cuestión de días. A medida que va creciendo la epidemia, la comunidad médica mundial lucha contrarreloj para encontrar una cura y controlar el pánico, que se extiende incluso más rápido que el propio virus. Al mismo tiempo, la gente lucha por sobrevivir en una sociedad que se desmorona. Steven Soderbergh dirige una producción hollywoodiense y entretenida, con grandes estrellas en su reparto y una historia equilibrada que contiene una crítica al poder mediático y a la injusticia con los más desfavorecidos. LaButaca.net.

Un divertimento de pata negra. Steven Soderbergh rueda una cinta apocalíptica de poco argumento pero ágil, bien montada y con un reparto de lujo. Un divertimento. Así es como se llama en el argot de la información cinematográfica a una película menor de un director mayor que sólo tenga el propósito de entretener. Cuando se habla de un divertimento se suele hacer con cara y gesto calculadamente despectivo, un poco, pero no demasiado. Porque un divertimento no es un bodrio, ni una mala película, es eso, un divertimento, un producto menor, algo que parece que un director ha hecho con la mano izquierda, en sus ratos libres, mientras rueda sus grandes películas. Fila Siete.

En esta angustiosa película catastrofista, el todoterreno Steven Soderbergh confirma su capacidad para desarrollar complejas historias corales y para dirigir con éxito a un reparto plagado de estrellas, algunas de ellas en papeles muy pequeños. Sin embargo, todas estas cualidades no acaban de redondear la película, que casi nunca logra conmover de verdad al espectador, a pesar de las terribles situaciones que describe. Tal vez, esta frialdad sea consecuencia del afán de Soderbergh por huir de los recursos “peliculeros” y primar una exhaustiva transmisión de información casi documental. El caso es que, aunque está bien rodada e interpretada, deja al espectador bastante indiferente. JJ Martín (Cope).

EL PRÍNCIPE DESTRONADO. Miguel Delibes. Novela (Austral).

Quico, de tres años, aparece en estas páginas a través de un día en el cobra conciencia de su primer drama: es un "príncipe destronado" por su hermana de pocos meses. A través de Quico, Delibes muestra la necesidad de mirar a los demás desde su perspectiva para lograr el entendimiento. Selección Literaria.

Sinopsis

El príncipe destronado es la historia de un niño, Quico, que va a cumplir cuatro años. A Quico le pasa algo importante, le ha nacido una hermanita, Cris, que lo ha relegado a un segundo plano. Ahora, ya no es el rey de la casa, ahora es el príncipe destronado. A lo largo de un día, desde que se levanta dando gritos hasta que cae rendido por la noche, asistimos a sus andanzas, vislumbramos sus secretos y conocemos sus angustias. Detrás del niño, tan admirablemente recreado, vemos el mundo familiar, los otros hermanos, el padre y la madre, las criadas, la ciudad, el mundo. Cuando el libro acaba uno quisiera seguir con Quico y su familia al día siguiente porque, aunque no haya ocurrido nada extraordinario, todo ha sido fascinante.

A través del fino cristal que es el alma de Quico, Delibes nos deja esta novela extraordinaria sobre el misterio opaco de la infancia. Pero eso no es todo, también consigue que, de pronto, en algún rasgo de Quico, en algún gesto, en alguna palabra, reconozcamos con sonrisa cómplice, otra infancia, la nuestra.

Miguel Delibes (Valladolid, 1920-2010) se dio a conocer como novelista con La sombra del ciprés es alargada, premio Nadal 1947. Entre su vasta obra narrativa destacan Mi idolatrado hijo Sisí, El camino, Las ratas, Cinco horas con Mario, Las guerras de nuestros antepasados, El disputado voto del Sr. Cayo, Los santos inocentes o Señora de rojo sobre fondo gris. Ha sido galardonado con el Premio Nacional de Literatura (1955), el Premio de la Crítica (1962), el Premio Nacional de las Letras (1991) y el Premio Cervantes de Literatura (1993). Desde 1973 es miembro de la Real Academia Española. Ediciones Destino está llevando a cabo la publicación de sus Obras completas. Austral.

ANOTHER YEAR (2010). Mike Leigh. Drama. Jóvenes. ****

Intimista y conmovedora, se estrena en España la última película de Mike Leigh, avalada por el voto favorable de la crítica y una taquilla de 15 millones de dólares. Un matrimonio maduro -Tom y Gerri-, felizmente casado. Una amiga de ella. Un amigo de él. Un hijo que no acaba de encontrar su media naranja. Alrededor de estos cinco personajes el director-guionista pone en pie una historia realmente cautivadora y sencilla, desarrollada a lo largo de las cuatro estaciones del año. Mike Leigh siempre ha destacado por su capacidad de plasmar con realismo y delicadeza la condición humana. Fila Siete.

Cabe reprochar al veterano cineasta inglés su tendencia a extremar los perfiles de los personajes —o son felicísimos o están machacados— y a repetir el arquetipo de mujer madura histérica y con pocas luces, que ya bordó Brenda Blethyn en “Secretos y mentiras”, y que aquí permite el lucimiento de Lesley Manville. También debilita un poco el conjunto su fría visión de la religión. De todas formas, logra una gran película, muy bien escrita, rodada e interpretada, digna merecedora de su candidatura al Oscar 2011 al mejor guión y animante en su exaltación de la capacidad de amar del ser humano. JJ Martín (Cope).

El británico Mike Leigh es un auténtico poeta de lo cotidiano, sabe pintar a la gente de la calle, y mostrar sin estridencias sus cualidades y defectos. Aquí tenemos a un reparto maravilloso, que sabe componer bien a un matrimonio bondadoso, aunque a veces se les empuje hasta el límite de su paciencia, estupendos Jim Broadbent y Ruth Sheen. Podríamos jugar a repasar uno a uno cada personaje y de todos extraeríamos valiosas lecciones humanas y de interpretación; bastan unos instantes en pantalla a Karina Fernandez para que la veamos como la nuera ideal, o a Imelda Staunton para saber que la vida acarrea muchas veces toneladas de sufrimiento que nos empeñamos en deglutir en soledad. DeCine21.

EL ULTIMÁTUM DE BOURNE (2007). Paul Greengrass. Acción. Jóvenes. ****. DVD.

Treadstone, el programa de operaciones secretas que creó a Jason Bourne, ya no existe. Ha sido absorbido por el programa Blackbriar, del Departamento de Defensa, que ha lanzado a la calle una nueva generación de asesinos profesionales a disposición del gobierno y cuya existencia es desconocida. Para ellos, Bourne debe ser eliminado; para él, ellos son el único eslabón que le une a una vida que se ha esforzado en olvidar. Bourne ha llegado al final del camino. No le queda nada que perder y se servirá de todo lo que le han enseñado, de todos sus instintos para llegar hasta sus creadores y acabar de una vez por todas. CINEMANET.

Con un ritmo vertiginoso que ofrece el primer respiro a la hora y pico de metraje, Greengrass se confirma como un maestro del ritmo. Se trata, sin duda, de una de las mejores películas de espías que se hayan realizado. Conjuga perfectamente la intriga, las situaciones tácticas, persecuciones a pie, peleas con las manos desnudas y una persecución en coche de un realismo tan conseguido que dan ganas de acurrucarse para que a uno no le lluevan los cristales. El reparto demuestra  que sin histrionismos, con sobriedad y personajes bien perfilados, se puede transmitir exactamente lo que se quiere. TELEVIDEO familiar.

Greengrass rodea los escasos elementos de la trama con unas espectaculares escenas de acción. Fiel a su estilo, el realizador inglés rueda con cámara en mano, hace virguerías en la planificación y monta con un ritmo vertiginoso que mantiene al espectador pegado a la pantalla desde el primer minuto. Al final, El ultimátum de Bourne es nada más –o nada menos según se mire- que esto: una interesante, espectacular, entretenida y a ratos mareante persecución de casi dos horas. Tal y como está la cartelera a estas alturas –rebosante de gore y pseudocine B- no es extraño que el personal siga engrosando los 500 millones de dólares que lleva recaudados la saga. Fila Siete.

Más información en Decine21.

NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN (2011). Asghar Farhadi. Drama. Jóvenes. ***. Estreno

Simin y Nader son un matrimonio de Teherán que, junto a su adolescente hija Termeh, se plantean abandonar Irán en busca de una vida mejor. Pero, finalmente, Nader desiste para no abandonar a su padre, que padece Alzheimer y vive con ellos. Enfadada, Simin solicita el divorcio y, al serle denegado, se muda a vivir con sus padres. Las cosas se complican cuando Nader, que se queda con la hija, contrata a una musulmana ultraortodoxa, Razieh, para ayudarle con el cuidado de su padre. Una negligencia de esta mujer, que está embarazada y oculta su trabajo a su fanático marido Hodjat, provoca un dramático cruce de demandas, que complica todavía más la delicada situación de ambas familias. JJ Martin (Cope)

La triunfadora en la Berlinale es una buena película iraní, con más chicha de lo habitual pero con exceso de metraje y tediosas reiteraciones. Desde el punto de vista estrictamente cinematográfico la película me parece digna, una buena película que a diferencia de otros verdaderos “pedruscos” de la cantera cinematográfica iraní tiene historia. No tengo problema en ponerle un notable bajo pero nunca me acercaría al sobresaliente. Estamos ante un culebrón en toda regla, que acumula desgracias sin cuento y te lleva por una montaña rusa de situaciones dramáticas. Si fuera una producción americana o española la machacaríamos sin piedad. Fila Siete.

El iraní Asghar Farhadi (A propósito de Elly) ganó el Oso de Oro en Berlín con esta magnífica película, que también dio los premios de interpretación masculina y femenina a Peyman Moaadi y Leila Hatami. Lo que parece va a ser la típica historia minimalista a que nos tienen acostumbrados los cineastas iraníes, se convierte en algo más rico, que indaga con habilidad en el orgullo que tantas veces destruye hogares y amistades, y en ese concepto tan evangélico de que la verdad nos hace libres, mientras que la mentira y el disimulo suelen enturbiar y destruir las cosas más bellas. Sorprende la naturalidad con que fluye la historia. DeCine21.

LA HIJA DE ROBERT POSTE. Stella Gibbons. Novela (Impedimenta).

Tras quedar huérfana, Flora Poste es acogida por unos parientes en plena Inglaterra profunda. La forma en que la protagonista logra convertir a sus rústicos primos en granjeros a su modo de ver la vida centra la trama y da lugar a una serie de divertidas secuencias, chispeantes, disparatadas y muy entretenidas. Selección Literaria.

Sinopsis

Ganadora del Prix Femina-Vie Hereuse en 1933, y mítico long-seller, La hija de Robert Poste está considerada la novela cómica más perfecta de la literatura inglesa del XX. Brutalmente divertida, dotada de un ingenio irreverente, narra la historia de Flora Poste, una joven que, tras haber recibido una educación «cara, deportiva y larga», se queda huérfana y acaba siendo acogida por sus parientes, los rústicos y asilvestrados Starkadder, en la bucólica granja de Cold Comfort Farm, en plena Inglaterra profunda. Una vez allí, Flora tendrá ocasión de intimar con toda una galería de extraños y taciturnos personajes: Amos, llamado por Dios; Seth, dominado por el despertar de su prominente sexualidad; Meriam, la chica que se queda preñada cada año «cuando florece la parravirgen»; o la tía Ada Doom, la solitaria matriarca, ya entrada en años, que en una ocasión «vio algo sucio en la leñera». Flora, entonces, decide poner orden en la vida de Cold Comfort Farm, y allí empezará su desgracia. 

Stella Gibbons nació en Londres en 1902. Fue la mayor de tres hermanos. Sus padres, ejemplo de la clase media inglesa suburbana, le dieron una educación típicamente femenina. Su padre, un individuo bastante singular, ejercía como médico en los barrios periféricos más pobres de Londres, aunque tenía tendencias suicidas, le encantaba el alcohol y el láudano, y era dado a los ataques de odio hacia el género femenino en general. Esta turbulenta infancia marcó a Stella Gibbons, que utilizó parte de ese material para crear a los grotescos Starkadder, protagonistas de su obra maestra, La hija de Robert Poste. En 1921, Stella se matriculó en periodismo, y luego empezó a trabajar en la British United Press. En 1930, mientras trabajaba en el Evening Standard, publicó un libro de poemas, The Mountain Beast, que recibió elogios de la mismísima Virginia Woolf. La hija de Robert Poste fue publicada en 1932 y su éxito fue instantáneo (aunque fuera prohibida en la recién nacida República de Irlanda por su velada defensa de la contracepción). En 1934 la novela fue galardonada con el Prix Femina-Vie Heureuse. De hecho, Gibbons es conocida casi exclusivamente por esta obra, que conoció varias secuelas y adaptaciones cinematográficas, y que está considerada la novela cómica más perfecta de la narrativa inglesa del XX. Estuvo casada durante más de veinticinco años con el actor y cantante Allan Webb, que murió en 1959. Dejó de publicar en 1972, aunque escribió dos novelas que fueron publicadas a su muerte, hecho que aconteció en 1989 en Londres. Está enterrada en el cementerio de Highgate. Impedimenta.

EL ILUSIONISTA (2010). Sylvain Chomet. Animación. Jóvenes. Estreno. ****

Bella película de animación del francés Sylvain Chomet, con guión de Jacques Tati, sobre las andanzas de un anciano mago en los años 60. Un viejo mago que se gana la vida haciendo trucos con su chistera, su conejo, sus cartas y sus apariciones de flores y monedas. Pero es un mago de los de antes y el público por los años sesenta ha cambiado. Es la época del incio de la música moderna y la televisión y a la gente le interesa más el rock & roll que cualquier ilusionista con sus pañuelos y su magia para niños… El protagonista sin embargo no cesará en su empeño de ir de un lugar a otro en busca de trabajo, desde París o Londres, hasta llegar a un pueblecito perdido de Escocia, donde una muchachita quedará encandilada con sus trucos. CINEMANET.

Mi tío es una de las películas más sorpren­dentes que recuerdo. Hay en esa obra maes­tra una mirada sobre el ser humano y so­bre el mundo, siempre debatiéndose entre las ventajas y los inconvenientes de la mo­dernidad y la tradición, que es muy com­prensible que haya hechizado a generacio­nes de espectadores. El ilusionista pone en dibujo animado un guión inédito de Jacques Tati escrito en 1956. La pelí­cula, bellamente ilustrada, tiene el humor, la poesía, el reproche en voz baja y en tono se­reno de ese genio fallecido en 1982 llama­do Jacques Tatischeff, uno de los genera­dores más potentes de ilusión con los que ha contado el cine. Fila Siete.

Ocho años después de Bienvenidos a Belleville, el dibujante y animador francés Sylvain Chomet retorna brillantemente con El ilusionista, generosa coproducción franco-británica que le ha valido en 2011 el Premio del Cine Europeo y el César al mejor largometraje de animación, así como las candidaturas al Oscar y al Globo de Oro en esa categoría. A ratos, las arriesgadas opciones narrativas tornan un poco ardua la trama, dominada, sin embargo, por una rotunda emotividad poética, de tono neorrealista, muy bien encarnada en las excelentes animaciones en 2D tradicional, a menudo antológicas en diseños, movimientos y fondos. JJ Martín (Cope).

RATATOUILLE (2007). Brad Bird. Animación. Todos. ****. DVD.

Remy sueña con convertirse en un gran chef francés a pesar de la oposición de su familia y del problema evidente que supone ser una rata en una profesión que detesta a los roedores. El destino lleva a Remy a las alcantarillas de París, pero su situación no podría ser mejor, ya que se encuentra justo debajo de un restaurante que se ha hecho famoso gracias a Auguste Gusteau, una estrella de la cuisine. A pesar del peligro que representa ser un visitante poco común (y, desde luego, nada deseado) en los fogones de un exquisito restaurante francés, la pasión de Remy por la cocina pone patas arriba el mundo culinario parisino. CINEMANET.

Tercera genialidad de Brad Bird junto a El gigante de hierro y los Increíbles. Con puntos en común con Deliciosa Marta, esta deliciosa rata animada es un ejercicio sorprendente de técnica y guión. Bird dice que la mediocridad es un pecado, se aplica el cuento, da la vuelta a la tortilla culinaria y nos ofrece una apabullante expresión de amor a los detalles, cariño por las cosas bien hechas y una forma original de mirar al hombre. Toda una invitación a contemplar la naturaleza humana desde nuevas perspectivas: el trabajo, los dones recibidos, las relaciones sociales... Televideo Familiar.

Bird ha elegido una historia muy arriesgada, que ha logrado coronar con éxito. Ratatouille vuelve a dejar clara la calidad y el extraordinario trabajo de los animadores y técnicos de Pixar. Lo más sorprendente del gran guión de Ratatouille es la manera de establecer las relaciones entre los roedores y las personas, con unos conflictos verdaderamente ocurrentes y una excelente e inteligente progresión dramática. A la calidad impresionante de la animación y diseño de personajes, Pixar sigue ofreciendo un guión lleno de valores educativos interesantes, como la lucha por el ideal, la amistad, o el amor por la propia vocación. Alfa y Omega.

EL COCHE DE BOMBEROS QUE DESAPARECIÓ. Maj Sjöwall y Per Wahlöö. Novela policíaca (RBA).

Intriga protagonizada por el jefe de la Brigada de Homicidios de Estocolmo Martin Beck, encargado en esta ocasión de resolver una cadena de extrañas muertes rematada con un incendio en el que perecen tres personas. Tanto los detalles propios de los ambientes policiales como el retrato de los personajes muestran el dominio de la expresión literaria que convirtió a los autores en máximos representantes del género. Selección Literaria.

Sinopsis

Una extraña concatenación de suicidios y accidentes acaba con la vida de los miembros de una banda de vulgares ladrones de coche. Uno de ellos yace muerto sobre la cama, hecha y limpia. Dos policías rompen la cerradura y penetran en la casa. Tan sólo hay dos palabras escritas junto al teléfono: Martin Beck. El inspector-jefe de la Brigada de Homicidios de Estocolmo ignora qué hace esa anotación con su nombre en aquella habitación. A pocos kilómetros, uno de sus hombres está a punto de convertirse en héroe, Gunvald Larsson. A medianoche el edificio que vigila salta por los aires. Cuatro muertos y un sinfín de heridos que saca del fuego con sus propias manos. Dos ladrones y dos prostitutas han fallecido. Uno ya lo estaba mucho antes de las llamas. Otro suicidio. ¿Qué está pasando? El rastro de uno de los fallecidos le conduce hasta una banda internacional de tráfico de coches robados. Pero, ¿qué tiene que ver Martin Beck? ¿Quién es el exterminador?

Maj Sjöwall y Per Wahlöo eran dos periodistas confesos que se conocieron en 1961. Roseanna fue el punto de arranque del proyecto que el matrimonio sueco fijó en diez novelas, treinta capítulos cada una, una al año, protagonizadas por Martin Beck: inmortalizar el devenir de la sociedad durante una época, 1965-1975. Mucho más que una simple denuncia de clase. El coche de bomberos que desapareció (1969), la quinta de la serie, continua la reedición que RBA realiza de los padres de la novela negra europea. El punto final, Los terroristas, coincidió con la muerte de Wahlöo. Sjöwall es hoy una reconocida traductora. RBA.

EL ARTE DE PASAR DE TODO (2011). Galvin Wiesen. Drama romántico. Jóvenes. ***. Estreno.

“El arte de pasar de todo” relata el principio de la vida adulta de George, un adolescente solitario y fatalista que ha llegado hasta el último curso sin poder decir que haya trabajado en serio ni un solo día. Se ha hecho amigo de Sally, una chica guapa y complicada que reconoce en él a un alma gemela. Sally le arrastra como un huracán al interior de su intenso mundo. Le invita a las fiestas de moda, le acompaña a galerías y museos, se va con él de pellas y acaba convirtiéndose en su mejor amiga. De forma casi inevitable, George, un chico del montón, descubre que se muere por los pedazos de la coqueta Sally, pero es incapaz de hallar el modo de hacerle saber sus sentimientos. Sally proporciona a George un refugio donde cobijarse de la vulgaridad del instituto y de la incertidumbre del hogar, donde la situación existente entre su madre y su padrastro no es lo que parece. Entonces, con el final del último curso echándosele encima, George recibe un ultimátum del director: o completa en las siguientes tres semanas todas las tareas que no ha realizado en todo el año, o no se graduará. George no tarda en ver cuán rápidamente el mundo se viene abajo cuando uno ha perfeccionado el arte de ir tirando. La Butaca.

Notable primer largometraje del estadounidense Gavin Wiesen. Se trata de un sólido melodrama intimista, de tono “Indie” y muy neoyorquino, que indaga con hondura dramática y moral en la perplejidad de tantos adolescentes, abocados al nihilismo por culpa de las rupturas de sus familias y el superficial ambiente hedonista que les rodea. De paso, la película subraya también la capacidad redentora del amor y elogia el valor de tantos profesores que no tiran la toalla en su afán por motivar a sus alumnos y por hacerles ver la grandeza humana en el arte, la literatura, la música, el cine... JJ Martín (COPE).

El debutante realizador, Wiesen, no se mete en camisas de once varas, tratando de llamar la atención con un film pretencioso, pero resultan interesantes sus reflexiones sobre la desorientación juvenil, y además, se muestra bastante positivo. Logra una factura típica de película 'indie' americana y aprovecha sobradamente el ajustado presupuesto. DeCine21.